The pink tablecloth

Henri Matisses tidiga liv

Henri Matisse föddes den 31 december 1869 i en vävarens stuga på rue du Chêne Arnaud. Detta lilla hus i Le Cateau-Cambrésis, Frankrike, blev startpunkten för ett liv som slutligen skulle röra sig långt bort från stillheten i departementet Nord. Han var den äldste sonen till en välbärgad spannmålshandlare, född in i en familj som ägnade sig åt landets stadiga och praktiska handel. Hans tidiga år tillbringades i Bohain-en-Vermandois i Picardie, Frankrike, en plats där livets rytmer dikterades av årstidernas växlingar och familjeföretagets behov.

Uppväxtmiljön var långt ifrån konstnärens ateljé. Genom att växa upp i Picardie-regionen omgavs han av de praktiska sysslorna i ett köpmanshem. Under dessa första år fanns inga tecken på varken pensel eller pigment. Istället formades hans tillvaro av familjens förväntningar och det stadiga, ostörda livet som son till en spannmålshandlare i en nordfransk stad.

Tidig utbildning och juridiska studier

Efter avslutade gymnasieutbildningen lämnade Matisse hemstaden för att söka sin väg i Paris, där han ägnade sig åt juridikens studier. Under 1887 var hans liv präglat av de strikta och rigida strukturer som den juridiska teorin krävde, en period kännetecknad av det tysta och disciplinerade arbete som förväntades av en student i storstaden. Han fann inte omedelbart sin väg till en konstnärsateljé, utan följde istället en professionell bana som vid denna tidpunkt verkade vara långt ifrån den tomma dukens värld.

Livet förde honom dock så småningom tillbaka till Le Cateau-Cambrésis. Där arbetade han som domstolsadministratör, där han bar det administrativa ansvaret för det lokala rättssystemet. Han tjänstgjorde även som juridisk sekreterare åt en notar, en roll som krävde både precision och en stadig hand. Dessa år tillbringades bland dokument och officiella plikter, långt borta från de färger han senare skulle komma att omfamna. Han var en lagens man innan han blev penselns mästare.

Konstnärlig skolning och tidiga influenser

Övergången från juridikens strikta studier till ateljéns frihet krävde en formell grund i Paris klassiska traditioner. Han skrev in sig vid Académie Julian för att påbörja denna resa, och senare flyttade han till École Nationale des Beaux-Arts. Under dessa formativa år satt han i klassrummen hos William-Adolphe Bouguereau och Gustave Moreau. Dessa lärare lade den tekniska grund som senare skulle möjliggöra hans radikala brott med traditionen. Han ägnade sin tid åt att absorbera sina instruktörers metoder, där han lärde sig teckningens disciplin och formens underliggande struktur.

Hans blick drogs till de äldre mästarnas stillhet. Han studerade noggrant verken av Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Nicolas Poussin och Antoine Watteau. Dessa konstnärer erbjöd ett annat sätt att se på världen, ett sätt som fokuserade på objektens arrangemang och kompositionens tyngd. Han studerade hur de hanterade ljuset och de subtila texturerna i sina motiv. Denna period handlade mindre om en plötslig färgexplosion och mer om att förstå den logik som ligger bakom en välkonstruerad bild. Genom dessa observationer höll han på att bygga upp ett eget vokabulär av linjer och former.

Upptäckten av färg och fauvismen

Vändningen mot penseln tog sin början i en period av stillhet. År 1889 tvingade ett attacker av blindtarmsinflammation fram en lång återhämtningsperiod, och det var under denna isolering som måleriet för första gången fann sitt fäste. Det som började med ett enkelt set konstnärsmaterial från hans mor förvandlades till ett sätt att se världen på, ett sätt som ersatte hans tidigare intresse för juridiken. Från konvalescensens lugn rörde han sig mot en sökande efter ett nytt visuellt språk, ett språk som slutligen skulle sträcka sig långt bortom de traditionella metoder han studerat i Paris.

En förändring i hans palett infann sig 1896 under en vistelse på Belle Île. Där mötte han den australiensiska målaren John Russell, som introducerade honom för impressionismens ljus och den expressiva, kraftfulla färgappliceringen som återfinns i Vincent van Goghs verk. Dessa möten skalade bort behovet av en dämpad realism i jordnära toner. Han började använda färgen som ett direkt uttrycksmedel och föredrog nyanser som svarade mot känslan snarare än motivets bokstavliga utseende. Runt 1905 hade detta förhållningssätt smält samman till den fauvistiska rörelsen. Han och en liten grupp andra konstnärer använde intensiva, icke-naturalistiska färger som chockade dem som var vana vid mer återhållsamma, akademiska stilar.

• Woman with a Hat (1905)
• The Joy of Life (1906)

Stil och konstnärliga tekniker

Hans händer rörde sig mellan många olika uttrycksformer. Han verkade som tecknare, grafikerkonstnär och skulptör, där han ofta formade lera som senare skulle gjutas i brons. Under sina tidigare år experimenterade han med divisionistisk teknik, en metod han adopterade efter att ha läst en essä av Paul Signac. Detta tillvägagångssätt gjorde det möjligt för honom att bygga upp färgen genom distinkta, separata applikationer snarare än genom mjuka övergångar.

I takt med att hans konstnärliga praktik förändrades, förändrades även hans verktyg. Vid arbete med etsningar utnyttjade han chine-collé-tekniken för att skapa lager av material. Senare involverade hans metod för att skapa collage av utklippta pappersformer pochoir-stenciler för att uppnå specifika effekter. Dessa val vittnar om en ständig förskjutning i hur han hanterade verkets yta, en resa från grafikens precision till den fysiska akten att klippa och arrangera former.

• Goldfish (1911)
• Luxe, Calme, et Volupté (1904)
• The Dance (1910)
• Blue Nude III (1952)

De sena åren och arbetena med pappersklipp

Året 1941 markerade en dramatisk vändpunkt när en cancerdiagnos förändrade de fysiska förutsättningarna för hans skapande. Efter två omfattande operationer under 1941 och 1942 blev det allt svårare för honom att stå vid staffliet och måla. I denna utmaning fann han dock en helt ny väg genom att använda saxen och färgat papper. Denna metod, som kom att bli känd som pappersklipp (cut-out), gav honom möjligheten att manipulera former och färger i sittande ställning. Han målade stora ark med färg för att sedan klippa ut dem i organiska former, likt blad eller figurer, vilket resulterade i helt nya och livfulla kompositioner.

Dessa verk återbesökte ofta de teman och motiv som präglat hans tidigare målningar, men de presenterades nu med en ny sorts strukturell klarhet. År 1947 publicerade han boken Jazz, som innehöll dessa färgstarka pappersklipp. Processen blev ett sätt att fortsätta sin utforskning av form och färg, även när den fysiska styrkan sviktade. Han lade sitt fokus på det intrikata samspelet mellan formerna och det tomma rummet omkring dem, och fann ett sätt att uttrycka rörelse genom den enkla men kraftfulla akten att klippa och arrangera.

• Jazz (1947)
• Blue Nude III (1952)

Var man kan se hans mästerverk idag

När man vandrar genom salarna på Hermitagemuseet i Sankt Petersburg, kan man finna hans verk bevarade i den storslagna samlingen. Detta inkluderar det monumentala verket från 1909, Dansen, som beställdes av en rysk samlare. Närvaron av hans målningar på Musée d’Orsay i Paris ger också möjligheten till en närstudie av hur han hanterade färg och form under sina tidiga år i staden.

I New York City rymmer Museum of Modern Art flera av hans verk. Dessa målningar erbjuder ett fönster in i hur hans stil genomgick en förvandling under decenniernas lopp. På liknande sätt hyser National Gallery i London hans målningar, vilket ger ett annat perspektiv på hans konstnärliga utveckling. Hans närvaro i dessa institutioner tillåter en stillsam betraktelse av hur han använde pigment för att definiera rummet.

• Dansen (1909)
• Guldfiskar (1911)
• Luxe, Calme, et Volupté (1904)