Therman Statom: Uno Scultore della Luce e del Suono
Therman Statom è un artista statunitense della vetroceramica che il suo approccio distintivo si concentra sulla trasformazione dello spesso vetro in installazioni monumentali, immersive. Taglia con cura, dipinge e assembla il vetro – incorporando oggetti trovati accanto – per creare sculture che sfidano le concezioni convenzionali di forma e spazio. Spesso superiori alla scala umana, le opere di Statom sono progettate per avvolgere gli spettatori in ambienti dove suono e immagini digitali proiettate si intrecciano con la materialità del vetro stesso.
Nato a Winter Haven, Florida nel 1953, Statom ha iniziato il suo percorso artistico dopo aver studiato alla Pilchuck Glass School nello Stanwood, Washington, ottenendo una laurea magistrale in scultura nel 1980 presso Rhode Island School of Design. Questa esperienza formativa gli ha instillato una profonda comprensione dei principi e delle tecniche scolpitore che avrebbero poi informato la sua innovativa pratica del vetroceramica. Tra le influenze iniziali figurano il lavoro pionieristico di artisti come Harry Harlowe e Dale Chihuly, i cui esplorazioni del colore, della forma e delle relazioni spaziali hanno servito da catalizzatore per la propria visione artistica.
Lo stile distintivo di Statom è caratterizzato da un processo deliberato di stratificazione – taglio, fusione, lucidatura e pittura di fogli di vetro – per ottenere texture complesse ed effetti cromatici. Abilità con cui manipola le proprietà intrinseche del vetroceramica sfruttando la sua trasparenza e riflettività per creare sculture che evocano sia bellezza eterea sia presenza palpabile. A differenza di molti scultori tradizionali che lavorano con pietra o metallo, Statom sfrutta il potenziale trasformativo del calore e della luce, dando vita a strutture che sembrano emergere dall'ambiente circostante.
Nel corso della sua carriera Statom ha ottenuto ampio riconoscimento per i suoi ambiziosi sforzi artistici. Ha ricevuto un prestigioso Premio Louis Comfort Tiffany e una borsa di studio del Fondo Nazionale delle Arti, riconoscendo il suo impegno nel superare i confini e nell’elevare l'arte ceramica. Le sue opere sono apparse in numerose esposizioni annuali, sia singole che collettive in tutta la nazione e internazionalmente. Nel corso della sua attività professionale Statom ha completato oltre trenta grandi installazioni site-specific. Tra gli ultimi progetti più importanti spicca quella del 2009 “Stories of the New World”, presso l’Orlando Museum of Art, che si estendeva su oltre 5.000 metri quadrati. Esplorando temi legati alla ricerca del Fontanone d'Oro di Giovanni Ponce de Leon nel 1513 come punto di partenza, l’installazione ha fatto riferimento a temi storici e contemporanei di speranza, scoperta, ambizione e destino. Gli spettatori hanno percorso lo spazio espositivo costituito da un labirinto speculare, una parete murale in vetro panoramica, una struttura dimensionata interamente in vetro e proiezioni video. In collaborazione con il dipartimento educativo dell’OMA e del Museo Nazionale Hurston Zora Neale Eatonville Statom ha lavorato con oltre ottanta giovani studenti per creare un'opera d'arte intitolata “Glass House”, una grande struttura percorribile costruita in blocchi di vetro progettati dai bambini. L’opera è stata successivamente esposta al festival estivo comunitario annuale.
Molto della tarda carriera Statom è stata focalizzata sull'importanza della programmazione educativa nell'ambito delle arti. Ha coltivato un profondo interesse per l'utilizzo dei laboratori come catalizzatore del cambiamento sociale e, in effetti, ha avuto un impatto positivo sulla comunità. Statom lavorava direttamente con l’artista stesso, adulti e bambini condividono un’esperienza comune di esplorazione artistica attraverso un approccio pratico e diretto. Gli ostacoli e le limitazioni vengono lasciati alle spalle e l'atto della “fare” diventa un viaggio alla scoperta di sé, creando un'opportunità per il partecipante di raggiungere un nuovo luogo dentro di sé.
“Crediamo che l’arte possa essere compresa sia concettualmente che intuitivamente. Crediamo nella necessità che il pubblico raggiunga una comprensione che apprezzare l’arte e la creatività richieda fiducia in sé stessi; una vasta istruzione non è prerequisito per comprendere l’arte. Gran parte di ciò che faccio è seminato in un processo più intuitivo; una grande parte della mia opera esplora questi processi all'interno delle persone e dei loro ambienti. Il fatto è che credo che la creatività sia una componente integrante di tutti gli aspetti di ciò che fanno le persone; i miei sforzi nello studio e nella programmazione educativa attraverso laboratori e il sostegno di istituzioni culturali esterne sono un riflesso di questa convinzione.”
