Kunstværket vist på denne side er beskyttet af ophavsretsloven, hvilket betyder, at vi ikke lovligt kan skabe eller sælge en identisk reproduktion. Denne beskyttelse håndhæves i henhold til internationale aftaler som f.eks. den Bernerkonventionen og af nationale love, herunder de bestemmelser, der er fastlagt i Amerikansk ophavsretslov - Titel 17.
Denne metode overholder fuldt ud ophavsretsreglerne, da den ikke indebærer kopiering eller duplikering af det beskyttede kunstværk. I stedet er der tale om en kreativ nytolkning – et nyt maleri, som er inspireret af det oprindelige, men ikke identisk med det.
Giclée- eller lærredstryk i museumskvalitet med hurtig produktion og fleksible muligheder for finish. (
Køb håndmalet maleri Skift til digitalt billede)
Vælg mellem vores forudindstillede størrelser, der matcher kunstværkets originale proportioner.
Indtast den bredde og højde, du har brug for, så det passer til din ramme eller din væg. Et print kan kun beskæres, aldrig gøres større end selve billedet, så en størrelse med et andet format vil medføre, at dele af motivet går tabt. Vi sender dig en digital mockup til godkendelse, før vi printer noget. Billedet vist på denne side viser ikke den faktiske beskæring — det er kun mockuppen, der gør.
Verdensomspændende levering () på 2 uger i stedet for de sædvanlige 4/5 uger. (15 november)
Clark percy
Størrelse på reproduktion
David Hockney's “Clark Percy,” completed in 1970, stands as a quintessential example of Pop Art’s fascination with everyday life and its ability to elevate the mundane into art. More than just a portrait, it’s a carefully constructed tableau that captures a fleeting moment of connection between two figures—Clark Percy, Hockney's husband at the time—within the confines of their home.
The room itself is laden with symbolic significance. The potted plant represents growth and vitality, mirroring the flourishing relationship depicted within the painting. The two vases hold white flowers—a classic symbol of purity and innocence—contrasting subtly with the warmth of the interior hues. Notably, a clock hangs prominently on the wall, emphasizing the passage of time and hinting at the importance of preserving memories.
"Clark Percy" isn’t about grand gestures or dramatic narratives; it's profoundly evocative in its simplicity. Hockney skillfully captures the subtle nuances of human interaction—the gaze, the posture, the unspoken understanding—creating an image that invites contemplation. The painting speaks to the beauty found in ordinary moments and celebrates the intimacy of domestic life, resonating with viewers who appreciate understated elegance and psychological depth.
Completed during Hockney's prolific period, “Clark Percy” exemplifies his unwavering commitment to exploring human experience through innovative visual language. It serves as a cornerstone in understanding Hockney’s broader artistic vision—one that consistently seeks to transform familiar subjects into captivating works of art. Its enduring appeal lies in its ability to distill complex emotions into a single frame, cementing Hockney's place among the most influential artists of his generation.
Håndmalede kopier af "Clark percy" af David Hockney kan købes hos denne hjemmeside: en håndmalet oliereproduktion på lærred af hør, via deres Håndmalet reproduktion-side.
Se diasshowet på siden Billedserie for "Clark percy" af David Hockney.
Til "Clark percy" er den anbefalede printopsætning en størrelse på Large og en Landscape orientering.
David Hockney blev født den 9. juli 1937 i Bradford, West Yorkshire, England. Han voksede op i en husholdning med fem børn, hvor han var den fjerde i rækken. Hans far, Kenneth Hockney, arbejdede som kontorassistent og havde været samvittighedsfri vægter under Anden Verdenskrig. Hans mor, Laura, var metodist og streng vegetar. Disse tidlige år blev tilbragt i Yorkshires industrielle landskab, et område præget af teglstensfabrikker og livlige markeder.
Hans skolegang begyndte på Wellington Primary School og fortsatte på Bradford Grammar School. I denne periode var det omgivelserne i Bradford, der formede hans måde at se verden på. Det industrielle hjertelandskabs råhed og regionens helt særlige lys dannede kulissen for hans formative år. Han var barn af en familie, der værdsatte selvstændig tænkning, dybt påvirket af hans fars overbevisninger under krigen.
Fundamentet for hans kunstneriske virke blev lagt gennem årevis med intenst blik på verden omkring ham. Fra 1953 til 1957 studerede han ved Bradford School of Art, en periode der var dedikeret til selve seendets mekanik. Han brugte sin tid på at mestre tegning efter livet og portrætkunst, hvor han sleb de traditionelle observationsevner, som skulle forblive centrale i hans arbejde i årtier fremover. Der var et gennemgående fokus på linjens præcision og den måde, et motiv placerer sig i rummet på.
Med rejsen fra det industrielle Yorkshire mod London trådte han ind på Royal College of Art. Dette blev en tid præget af intens teknisk udvikling, hvor han gennemgik pensum med et skarpt fokus på formens fundament og lysets subtile nuancer. I 1962 dimitterede han fra Royal College of Art med en prestigefyldt guldmedalje. Denne anerkendelse markerede afslutningen på hans formelle uddannelse i Storbritannien og indledningen på en karriere defineret af en konstant, rastløs nysgerrighed efter at finde nye måder at repræsentere det, han så, på.
1960'erne markerede en tid, hvor David Hockney trådte ind i rollen som en central skikkelse i Pop Art-bevægelsen. Mens andre i bevægelsen lod sig opsluge af den amerikanske massekulturs kommercielle æstetik, forblev hans tilgang dybt personlig. Da han i 1964 flyttede fra London til Los Angeles, indledte han et skift, der fundamentalt ændrede hans perception af farve og lys. Det intense californiske lys blev en konstant følgesvend i hans værker og rensede de dæmpede toner fra hans tidligere år væk. Han begyndte at dokumentere byens charme fra en outsiderens perspektiv, med et intenst fokus på, hvordan lyset rammer overflader, og de specifikke, mættede blå nuancer, man finder i en swimmingpool.
Denne periode er defineret af en fascination af fritidslivet og den underliggende geometri i det suburbane liv. Han brugte meget af sin tid på at studere vandets bevægelse og refleksioner – en udfordring, han mødte gennem sin fejrede serie af swimmingpool-malerier. Disse malerier indfangede den hedonistiske stilhed i livet ved poolkanten med knivskarpe linjer. Han bevægede sig væk fra tidens abstrakte strømninger og valgte i stedet at male mennesker og genkendelige objekter. Hans værker fra denne æra udforskede ofte de stille, intime relationer og den måde, rummet opfattes på gennem et filter af klart, direkte lys.
David Hockneys kunstneriske virke er en vedvarende bevægelse mellem forskellige måder at se verden på. Han har aldrig ladet sig begrænse af et enkelt medie, men har bevæget sig frit gennem maleri, tegning, grafisk kunst og fotografi. Hans tilgang udspringer ofte af den direkte observation og studiet af livet, som det udfolder sig foran ham. Gennem portrættet undersøger han, hvordan et ansigt fastholder sin essens, men han eksperimenterer samtidig med selve rummets struktur. Ved at benytte sig af omvendt perspektiv bryder han med den traditionelle måde, vi betragter en scene på, og skaber en dybdefornemmelse, der føles fundamentalt anderledes end et standardfotografi. Ofte har han brugt fotografiet som et forberedende medie, hvor kameraet fanger et flygtigt øjeblik, som han efterfølgende oversætter til maleriets verden.
Måden han mestrer farver og lys på, har udviklet sig i takt med, at hans værktøjer har ændret sig. I hans tidligere år arbejdede han med akrylfarver for at opnå de mættede, intense nuancer, især når han skildrede vandets bevægelse i swimmingpools. Senere vendte han blikket mod de digitale medier. Ved at bruge iPads begyndte han at genopfinde landskabet og fandt en ny metode til at indfange den skiftende lysvirkning og farvespil i den naturlige verden. Dette skift fra fysisk maling til digitale skærme vidner om en vedvarende fascination af, hvordan teknologi kan transformere vores perception af et sted. Hans værk står som et vidnesbyrd om disse tekniske skift, fra den præcise linje i en tegning til de komplekse, lagdelte kompositioner i et digitalt landskab.
Måden, lyset rammer en overflade på, dikterer ofte retningen for et maleri. I 1961 udforskede We Two Boys Together Clinging intimiteten i menneskelige forbindelser gennem et prisme af symbolik og tekst. Dette tidlige værk udviser et skarpt fokus på relationerne mellem mennesker og de spor, deres tilstedeværelse efterlader. Senere ændrede skiftet mod Californiens klare, mættede farver fundamentalt den måde, vand blev behandlet på lærredet. A Bigger Splash, skabt i 1967, indfanger et øjebliks bevægelse i en swimmingpool og bruger knivskarpe linjer til at definere samspillet mellem lys og væske.
Fokuspunktet skifter ofte mellem landskabet og de mennesker, der befinder sig i det. I 1971 forenede Mr and Mrs Clark and Percy en følelse af ledsagelse og karakter. Denne tilgang til portrættet fortsatte med Portrait of an Artist (Pool with Two Figures i 1972, hvor brugen af fotografi som et forberedende medie var med til at definere den rumlige komposition. Disse værker vidner om en vedvarende interesse for, hvordan vi opfatter rummet, og hvordan mennesker indtager det.
Det visuelle sprog, som David Hockney udviklede på lærredet, fandt ofte en helt anden rytme i teatrets verden. Hans arbejde med scenografi krævede perioder med intens koncentration, som i visse tilfælde strakte sig over mere end et år for en enkelt produktion. Han bevægede sig fra maleriets flade overflade ind i scenens tredimensionelle rum, hvor han skabte scenografier til Mozarts Tryllefløjten. Denne overgang nødvendiggjorde et skift i hans tilgang til lys og bevægelse, idet han transformerede sin interesse for perspektiv til levende miljøer, der kunne rumme den fysiske live-optræden.
Hans engagement i operaens verden omfattede blandt andet iscenesættelsen af Igor Stravinskys Lømmelens fremgang i 1975. Senere, i 1990, skabte han designs til Giacomo Puccinis Turandot. Disse projekter tvang ham til at reflektere over, hvordan en karakter bevæger sig gennem et rum, og hvordan en scenografi kan transformere sig i takt med musikkens skiftende karakter. Han overførte også sit skarpe øje for komposition til modeverdenen, hvor han designede både forside og layouts til decemberudgaven af den franske Vogue i 1985. I alle disse sammenhænge forblev fokus på, hvordan et motiv indrammes, og hvordan farverne interagerer med beskuerens blik.
Tyngden af en lang karriere manifesterer sig ofte i de æresbevisninger, som institutionerne tildeler. I år 2000 blev han modtaget med Laureate of the Praemium Imperiale for maleri, og senere, i 2003, blev han valgt som Fellow of the Royal Society. Disse anerkendelser kom sideløbende med en konstant tilstedeværelse i offentlighedens søgelys, hvor han bevægede sig fra Pop Art-bevægelsens tidlige dage til en position som en af de mest indflydelsesrige britiske kunstnere i det 20. og 21. århundrede.
Hans plads i det kulturelle landskab blev yderligere cementeret i 2018, da han blev udnævnt til Order of the Companion of Honour. Denne anerkendelse følger årtier med arbejde, der har bevæget sig fra Yorkshires rå realisme til Californiens strålende lys og endeligt ind i den digitale verden gennem iPad-tegninger. Hans indflydelse mærkes ikke kun i gallerierne, men i selve den måde, han har ændret vores blik på rum og perspektiv gennem sine mange forskellige medier.
For at opleve hans kunstværker i deres fulde storhed kan man rejse til 1853 Gallery ved Salts Mill i Saltaire. Dette rum rummer mange af hans værker og bevarer dermed en dyb forbindelse til det industrielle landskab, der prægede hans ungdom. David Hockney Foundation vedligeholder ligeledes en omfattende samling af hans værker, hvilket sikrer, at en stor del af hans livsværk bevares til både studier og visuel nydelse.
Hans malerier og tegninger er spredt ud over de største institutioner på tværs af kontinenter. I Storbritannien er hans værker en del af Tate-samlingen. På den anden side af Atlanten mærkes hans tilstedeværelse i Metropolitan Museum of Art og Museum of Modern Art. Disse samlinger rummer forskellige faser af hans karriere, fra hans tidlige figurative værker til hans senere, dybe udforskninger af lys og farve.
1937 - , Storbritannien
Discover how curated fine art transforms luxury hospitality. Learn to leverage the psychology of place and masterfully executed oil paintings to build brand identity, evoke emotional connection, and drive long-term guest loyalty through strategic aesthetic curation.
Explore the profound artistry of bespoke interpretation. From Renaissance-inspired commissions to modern stylistic remixes, discover how master painters transform personal visions into timeless, hand-painted oil masterpieces for the world's most discerning collectors.
Se i rummet
Del som kort
Del
Detaljer
Guide
Download
Lignende værker
Røntgenundersøgelse
Diasshow
Spørgsmål og svar
Statistikker
Vis mere
Glasmulighed er kun tilgængelig i størrelser under 110 cm
