Wydruki giclée lub płótna o jakości muzealnej, szybka realizacja i szeroki wybór opcji wykończenia. (
Zamów ręcznie malowaną reprodukcję Przejdź do wersji cyfrowej)
Wybierz spośród naszych standardowych rozmiarów, które zachowują oryginalne proporcje dzieła sztuki.
Wpisz wymaganą szerokość i wysokość, aby dopasować grafikę do ramy lub ściany. Wydruk można jedynie przyciąć, nigdy nie powiększając go poza oryginalny obraz, dlatego format o innych proporcjach spowoduje utratę części kompozycji. Przed rozpoczęciem druku prześlemy Ci cyfrowy podgląd do zatwierdzenia. Obraz wyświetlany na tej stronie nie pokazuje rzeczywistego przycięcia — jedynie podgląd oddaje ten efekt.
Dostawa na cały świat () w ciągu 2 tygodni zamiast standardowych 4/5 tygodni. (22 Listopad)
Self-portrait
Wymiary reprodukcji
The oil painting titled Self-portrait is a direct gaze from the artist Jozef Van Lerius. Created in 1852, the work captures the man behind the brush during a period of significant transition in his life. He was born on 23 December 1823 in Boom, Antwerp, Belgium, and would eventually pass away on 29 February 1876 in Mechelen.
This portrait functions as a quiet encounter with the creator himself. The subject looks out from the canvas, offering a steady presence that bridges the gap between the observer and the artist. It is a singular moment of reflection held within the frame. The light catches the contours of a face that would later become known through many other subjects.
The work remains a specific record of the man Jozef Van Lerius. It exists as a formal study of his own features, rendered with the precision of a trained hand. A stillness settles over the image. The eyes remain fixed.
The composition is contained within an oval frame, a window that narrows the world to the subject's face and upper torso. He is positioned in a three-quarter view, a subtle turn of the shoulders that grants the figure a sense of physical depth. His light brown wavy hair catches the light, framing a face marked by a well-groomed mustache and a small goatee. The man’s expression remains calm and contemplative, a quiet stillness held within the gaze.
Light descends from the upper left, carving the contours of the face through soft chiaroscuro. This directed illumination defines the texture of the hair and the gentle slope of the brow. Shadows pool in the hollows of the features, grounding the subject against a somber background of deep browns and ochre. The interplay of light and dark creates a steady, rhythmic weight across the skin and the folds of his dark clothing. A single, steady light defines the man.
The artist applied oil to a wooden panel, a choice that lends a certain density to the surface. His hand follows the strictures of a classical, academic style, where every anatomical detail is rendered with a quiet, disciplined realism. The brushwork remains smooth, leaving no jagged traces of the tool, only the soft transitions of skin and the subtle texture of hair. It is a surface of controlled precision.
Light moves across the composition from the upper left, carving the subject out of a dark, somber void. The color palette relies on a heavy, grounded language of deep browns, blacks, and ochre tones. These shadows do not merely obscure; they define the contours of the face and the weight of the dark clothing. The luminous quality of the pale skin relies entirely on this contrast against the murky, warm background. A quiet stillness settles in the pigment.
This object is a painting. It occupies a rectangular space, measuring 66.5 cm in height and 52 cm in width. The scale is intimate, a window framed by the steady geometry of its 66.5 x 52.0cm proportions. It exists as a physical presence, a captured moment held within these specific boundaries.
The surface is a panel. It carries the weight of the oil medium, a solid foundation for the light and shadow that define the subject. The dimensions suggest a quiet, personal encounter between the viewer and the artist's own likeness. It is a compact vessel of color and form.
The artist's hand moved between the sacred and the storied. He rendered mythological and biblical scenes with a focus on structural clarity. In 1852, he painted Premier Né (First Born), a work depicting a young couple with a baby that eventually found a place in Windsor Castle. The brush captured the weight of human presence in these narratives.
Other canvases sought the light of the salon or the quiet of a library. His work Lady Godiva appeared at the Antwerp Triennial Salon in 1870. Later, the oil painting Cinderella and Her Sisters was gifted to a public library in Ohio, where it remains on display. Each subject was a vessel for his study of light and texture.
„Self-portrait” pochodzi z okresu Mature Period w twórczości Jozef Van Lerius. Klasyfikacja ta wiąże dzieło z rozwojem artysty.
Kolory dzieła „Self-portrait” – Jozef Van Lerius charakteryzują się Muted nasyceniem oraz Monochromatic intensywnością.
„Self-portrait” – Jozef Van Lerius łączy w sobie Earthy paletę barw z Reflective tonem.
Jozef Van Lerius przyszedł na świat 23 grudnia 1823 roku w Boom, w belgijskiej prowincji Antwerpia. Jego solidne fundamenty techniczne zostały ukształtowane już we wczesnej młodości dzięki rygorystycznemu szkoleniu instytucjonalnemu. Już w 1838 roku pracował jako uczeń kreślarz w Académie Royale des Beaux-Arts w Brukseli. Ta wczesna ekspozycja na formalne rysownictwo zapewniła mu dyscyplinę strukturalną, która zdefiniowała jego późniejszą twórczość.
Kierunek jego rozwoju przesunął się w stronę Antwerpii, gdzie studiował pod okiem Gustave'a Wappersa. W latach 1839–1844 Van Lerius pozostawał uczniem Wappersa, chłonąc specyficzne metodologie szkoły antwerpskiej. Ten okres nauki nie dotyczył jedynie samej techniki; była to bezpośrednia imersja w ówczesne tradycje akademickie. Czas spędzony w kręgu Wappersa zapewnił mu niezbędne przygotowanie techniczne do kariery, która ostatecznie objęła zarówno działalność dydaktyczną, jak i tworzenie wysokiej klasy portretów.
Twórczość Van Leriusa rozwijała się na styku romantyczno-historycznej precyzji oraz rodzącej się klarowności, jaką przyniósł realizm. Jego warsztat opierał się na podwójnym mistrzostwie: biegłości w rysunku oraz wyczuciu koloru. Był wybitnym rysownikiem, zdolnym do oddawania postaci z klasyczną dokładnością, która definiowała jego podejście zarówno do scen mitologicznych, jak i biblijnych. Ta strukturalna rygorystyczność pozwalała mu na prowadzenie złożonych kompozycji bez utraty fizycznej obecności podmiotów. Był również wybitnym kolorystą, używającym pigmentu do definiowania formy i nastroju, a nie tylko jako dekoracyjnego detalu powierzchniowego.
Tematyka jego dzieł była niezwykle szeroka – od podniosłych narracji historycznych i religijnych po intymne sceny rodzajowe. Posiadał szczególny talent do przedstawiania kobiet i dzieci, często nadając tym postaciom głębię psychologiczną. Niezależnie od tego, czy malował pełną klasy damę z wyższych sfer, czy scenę domową, jego prace zachowywały stałą koncentrację na grze światła i tekstury. Umiejętność ta, pozwalająca balansować między dramatyzmem, jaki oferował romantyzm, a realistyczną dbałością o szczegół, sprawiła, że jego dorobek stał się niezwykle wszechstronny. Jego kunszt w operowaniu barwą był szczególnie widoczny w sposobie, w jaki oddawał połysk tkanin czy subtelne tony ludzkiej skóry.
Van Lerius zdobył międzynarodowe uznanie dzięki prestiżowym nabytkom i wystawom, które wprowadziły jego prace do najważniejszych kolekcji. W 1852 roku królowa Wiktoria zakupiła jego obraz pt. Premier Né (Pierworodny), przedstawiający młodą parę z niemowlęciem. Ten zakup ugruntował jego pozycję w kręgach królewskich. Renoma artysty wzrosła jeszcze bardziej po wystawieniu dzieła Virtue Triumphant (Triumf Cnoty), które w 1865 roku prezentowane było w Paryżu i Amsterdamie. To konkretne płótno przyniosło mu złoty medal oraz nominację na honorowego członka Akademii.
Jego najbardziej rozpoznawalnym motywem pozostaje Lady Godiva, dzieło zaprezentowane na Triennale w Antwerpii w 1870 roku. Obraz został nabyty przez londyńskiego marszandę Henry'ego Gravesa, co wprowadziło go w sferę wielkiego handlu dziełami sztuki. Zasięg oddziaływania artysty wykraczał poza Europę – jego prace trafiały do kolekcji w San Francisco i Sankt Petersburgu. Nawet w Stanach Zjednoczonych jego wpływ przetrwał dzięki darom publicznym; w 1909 roku obraz olejny Cinderella and Her Sisters (Kopciuszek i jej siostry) został podarowany Bibliotece Publicznej Chillicothe & Ross County w Ohio, gdzie do dziś można go podziwiać w sali referencyjnej.
1823 - 1876 , Belgia
Master the differences between Suprematism and Constructivism with our expert guide. Discover the soul of the Russian avant-garde now.
Explore the psychological evolution of self-portraiture from Dürer to modern masters. Trace the history of the human gaze with us.
Explore the sensory depth of Impressionist impasto and texture through Renoir and Chiacchio. Discover the soul of the brushstroke today.
Master the differences between Netherlandish detail and Renaissance perspective. Explore this expert comparative study now.
Masterpieces by James Ensor and Fernand Khnopff define 19th century Belgian art. Explore the full collection online at WahooArt.com.
Podgląd w skali 1:1
Wyślij jako kartkę
Udostępnij
Szczegóły dzieła
Przewodnik
Pobierz obraz
Podobne obiekty
RTG
Pokaz slajdów
Pytania i odpowiedzi
Statystyki
Rozwiń treść
Opcja ze szkłem jest dostępna wyłącznie w rozmiarach poniżej 110 cm
