De kunstwerken die op deze pagina worden weergegeven, zijn beschermd door de auteursrechtwetgeving, wat betekent dat het ons wettelijk niet is toegestaan om identieke reproducties te maken of te verkopen. Deze bescherming wordt gehandhaafd onder internationale overeenkomsten zoals de Conventie van Bern en door nationale wetgeving, waaronder de bepalingen van de Amerikaanse auteurswet - Titel 17. Alle rechten voorbehouden. Reproduceren of distribueren van afbeeldingen is niet toegestaan zonder uitdrukkelijke schriftelijke toestemming van WahooArt.com en de rechthebbenden.
Deze methode voldoet volledig aan de auteursrechtwetgeving, omdat het niet gaat om het kopiëren of dupliceren van het beschermde kunstwerk. In plaats daarvan is er sprake van een creatieve herinterpretatie — een nieuw schilderij dat door het origineel wordt geïnspireerd, maar er niet identiek aan is.
Giclée- of canvasafdruk van museumkwaliteit met een snelle productie en flexibele afwerkingsmogelijkheden. (
Bestel handgeschilderde reproductie Schakel over naar digitale afbeeldingen)
Kies uit onze vooraf ingestelde maten die overeenkomen met de originele verhoudingen van het kunstwerk.
Voer de gewenste breedte en hoogte in, passend bij uw lijst of muur. Een afdruk kan alleen worden ingekort en nooit groter worden gemaakt dan het origineel; een formaat met andere verhoudingen zal daarom een deel van de afbeelding verliezen. Wij sturen u een digitaal mockup ter goedkeuring voordat we tot drukwerk overgaan. De afbeelding op deze pagina toont niet de werkelijke uitsnede — dit is alleen te zien op het mockup.
Wereldwijde levering () binnen 2 weken in plaats van de standaard 4/5 weken. (10 november)
The Glazier
Afmetingen reproductie
Willem de Kooning’s “The Glazier,” painted in 1940, isn't a straightforward portrait; it’s an arresting glimpse into the artist’s evolving psyche and a potent reflection of the anxieties simmering beneath the surface of mid-20th century America. This work, part of a series exploring male figures, immediately captivates with its unsettling blend of figuration and abstraction – a hallmark of De Kooning's distinctive style that foreshadowed his later, more radical explorations within Abstract Expressionism. The painting presents a woman seated before what appears to be a workbench or studio space, yet the scene feels fundamentally off-kilter, imbued with an atmosphere of quiet contemplation tinged with unease. It’s a deliberate departure from traditional portraiture, opting instead for a fractured representation that prioritizes emotional resonance over realistic depiction.
The color palette of “The Glazier” is dominated by a rich tapestry of earthy tones – ochres, browns, muted greens, and the occasional flash of teal-blue. These somber hues are strikingly reminiscent of the frescoes found in Boscoreale, Italy, which De Kooning had frequently visited and deeply admired. This connection to Italian Renaissance art subtly informs the painting’s mood, suggesting a yearning for classical beauty juxtaposed with the complexities of modern life. The visible brushstrokes, thick and deliberate, contribute significantly to the texture of the work, creating a tactile surface that draws the viewer in. Notice how the red garment worn by the figure provides a vital point of visual contrast against the predominantly muted background – a small but significant element that anchors the composition.
Technically, “The Glazier” is a masterful demonstration of De Kooning’s evolving approach. The artist employs loose, gestural lines and simplified shapes to deconstruct traditional forms. The woman's figure isn’t rendered with precise anatomical detail but rather through abstracted planes and suggestive curves, creating a sense of ambiguity about her identity and emotional state. Behind her, geometric shapes – squares and rectangles – interlock with organic forms, generating a fragmented spatial arrangement that defies easy interpretation. There is no clear horizon line or depth perspective; instead, the painting operates within a flattened plane, contributing to its overall feeling of disorientation and psychological intensity. This deliberate distortion challenges the viewer’s expectations of representation, forcing them to engage with the work on an emotional rather than purely visual level.
The symbolism within “The Glazier” remains open to interpretation, reflecting the artist’s own complex inner world. The woman herself could be seen as a representation of the modern individual grappling with uncertainty and alienation. The abstract background elements – hinting at tools, architectural fragments, or perhaps even internal landscapes – suggest a preoccupation with the complexities of contemporary life and the challenges of self-expression. The pensive expression on her face invites speculation about her thoughts and feelings, adding another layer of intrigue to this enigmatic portrait. Ultimately, “The Glazier” serves as a powerful meditation on the nature of identity, perception, and the emotional landscape of a rapidly changing world.
"The Glazier" door Willem De Kooning verbeeldt portrait, fragmentation, earth tones, abstraction, melancholy, boscoreale, de kooning in een Earthy stemming. Het onderwerp en de atmosfeer beschrijven samen het werk.
Andere namen waaronder Willem De Kooning, maker van "The Glazier", bekend is, zijn onder andere Willem Van De Kooning.
De waargenomen helderheid van "The Glazier" door Willem De Kooning is shadow. Deze kan worden afgestemd op de lichtinval in de beoogde ruimte.
Rotterdam, 1904. De lucht in Nederland draagt het gewicht van een gezin in transitie. Willem De Kooning komt op 24 april ter wereld, geboren uit Leendert de Kooning en Cornelia Nobel. Zijn vroege jaren worden gekenmerkt door een familiale breuk, een scheiding die een gevoel van rusteloos zoeken achterlaat. Deze innerlijke ontheemding volgt hem over de Atlantische Oceaan. In 1926 arriveert hij in Amerika, niet als reiziger, maar als een passagier zonder ticket op een Brits vrachtschip, om aan land te gaan in Newport News, Virginia. Hij is een buitenstaander die op zoek is naar een voet aan de grond in een onbekend landschap.
De rauwe realiteit van New York City wordt zijn dagelijkse strijd. Hij navigeert door de stedelijke chaos via handarbeid, werkend als huisschilder en timmerman om zijn artistieke visie te financieren. Deze overlevingsfase is geen zijpad, maar juist het fundament. Hij absorbeert de hartslag van de stad en beweegt zich van het fysieke zwoegen in de bouw naar de intense, gebarend eisen van het canvas. Zijn bestaan wordt een voortdurende onderhandeling tussen de gestructureerde wereld van zijn vroege opleiding en de chaotische energie van de New York School.
Hij blijft een centrale figuur binnen de stroming van het Abstract Expressionisme, een aanwezigheid die decennia aan stilistische evolutie overleeft. Zijn werk beweegt zich van de weergave van stedelijke scènes naar een meer visceraal, gefragmenteerd taalgebruik van vorm. Deze trajectorie zet zich voort tot aan zijn dood op 19 maart 1997, op 92-jarige leeftijd. Hij laat een oeuvre na dat de levenslange strijd weerspiegelt om de menselijke psyche te articuleren door middel van verf.
Rotterdam, 1916. De schoolbanken worden verlaten. Op twaalfjarige leeftijd verlaat Willem De Kooning het reguliere onderwijs om de wereld van de commerciële kunst te betreden. Hij begint een leerlingplaats bij een bedrijf in commerciële kunst, waar hij de technische mechanica van het vak leert. De focus ligt hierbij op precisie en de praktische toepassing van pigment. Het is een periode van gedisciplineerde arbeid, waarin hij een fundament van vakmanschap legt dat zelfs in zijn latere, abstractere werk nog steeds voelbaar blijft.
De avonduren zijn gewijd aan de Academie van Beeldende Kunsten en Technische Wetenschappen. Van zijn tienerjaren tot 1924 volgt hij deze lessen in Rotterdam, waarbij hij de eisen van het werk in evenwicht brengt met de studie van de formele kunst. Hij verfijnt zijn vermogen om te zien, om vorm te mappen en om de structuur van de visuele wereld te begrijpen. Tegen de tijd dat hij de academie verlaat, is hij niet langer slechts een leerling. Hij is een portrettist geworden, die de gelijkenis van zijn onderwerpen vastlegt met een groeiend gevoel voor technische beheersing. Deze periode van gerichte training biedt de essentiële instrumenten voor de radicale verschuivingen die hem aan de andere kant van de Atlantische Oceaan zullen wachten.
De oversteek van de Atlantische Oceaan is een gok in de schaduwen. In 1926 arriveert Willem De Kooning in de Verenigde Staten, niet als passagier, maar als een passagier zonder ticket op het Britse vrachtschip Shelley. Het schip legt aan in Newport News, Virginia, op 15 augustus 1926. Van daaruit verschuift de beweging naar de rauwe realiteit van New York City. De stad biedt een landschap van arbeid en overleven. Hij navigeert door de stedelijke omgeving door te werken als huisschilder, timmerman en commercieel kunstenaar. Deze ambachten houden hem verbonden met de fysieke realiteit van de stad, terwijl hij onvermoeibaar zijn artistieke visie nastreeft.
Tegen 1934 krijgt de strijd voor erkenning een meer georganiseerde vorm. Hij sluit zich aan bij de Artists Union, een stap die hem midden in de collectieve energie van de New Yorkse kunstscene plaatst. Het werk is veeleisend. Hij beweegt zich tussen de precisie van de commerciële kunst en het zware, fysieke werk van zijn diverse banen. Deze periode wordt gekenmerkt door een meedogenloze, dagelijkse sleur in de stad die uiteindelijk zijn thuis zal worden. Hij is een buitenstaander die werkt vanuit het hart van de machine van het New Yorkse leven.
De vroege jaren van de jaren 30 laten Willem De Kooning worstelen met de spanning tussen representatie en de opkomende abstracte impuls. Rond 1938 creëert hij Two Standing Men, een werk dat een gevoel van de menselijke figuur vastlegt nog voordat de totale ontmanteling van de vorm de overhand neemt. Deze experimentele periode vormt de weg naar een radicale verschuiving in de vroege jaren 50. Tussen 1950 en 1953 produceert hij de Woman-serie, een opeenvolging van schilderijen die de kijker confronteren met gefragmenteerde, visceraal geladen afbeeldingen van de vrouwelijke vorm. Deze werken streven niet naar idealisering; in plaats daarvan gebruiken ze een agressieve penseelvoering om de complexiteit van menselijke emotie en seksualiteit te verkennen.
Binnen deze intense periode ontstaat Woman I, vervaardigd tussen 1950 en 1952. Het canvas is een strijdtoneel, waar de figuur gevangen zit in een web van dikke impasto en schurende kleuren. Deze focus op de menselijke figuur maakt uiteindelijk plaats voor een ander soort ruimtelijke spanning. Tegen 1955 voltooit hij Interchange. Dit werk markeert een breuk met de figuratieve intensiteit van de voorgaande jaren en beweegt zich richting een expansief, abstract stedelijk landschap. De transitie is duidelijk zichtbaar in de wijze waarop hij met ruimte en kleur omgaat, waarbij hij verschuift van de vleselijke focus van de Woman-serie naar de meer architectonische, gebarend composities van het midden van de eeuw.
Het canvas transformeert tot een arena van fysieke strijd. Willem De Kooning valt het oppervlak aan met een agressieve penseelvoering, waarbij hij lagen dikke impasto opbouwt die een zware, tactiele topografie creëren. Hij brengt de verf niet simpelweg aan; hij manipuleert deze, waarbij hij vaak een nat-in-nat techniek hanteert die wordt versterkt door het toevoegen van plantaardige olie aan het pigment. Deze methode maakt een vloeiende, onvoorspelbare interactie tussen kleuren mogelijk, waarbij randen vervagen en nieuwe texturen ontstaan uit de constante beweging van de kwast. Zijn penseelstreken zijn zelden gecontroleerd of statisch. In plaats daarvan zijn ze puur gebarend, waarbij kalligrafische zwarte beelden achterblijven die met een plotselinge, beslissende energie door de compositie snijden.
Hij weigert de geborgenheid van een enkele categorie. Terwijl veel van zijn tijdgenoten richting de pure abstractie bewegen, behoudt Willem De Kooning een rusteloze spanning tussen het herkenbare en het chaotische. Hij versmelt frequent abstractie met figuratie, waarbij hij elementen van de menselijke vorm naar een gefragmenteerde, niet-lineaire ruimte trekt. Een gezicht kan opdoemen uit een kluwen van streken, om vervolgens te worden ontmanteld door de volgende laag verf. Deze weigering om zich vast te leggen op een definitieve vorm creëert een gevoel van voortdurend wording. Het werk bevindt zich in een staat van eeuwige revisie, waarin de handeling van het schilderen evenzeer gaat over de strijd om een vorm te vinden als over de vorm zelf.
De verschuiving van representatie naar abstractie vindt plaats in het gezelschap van anderen. In New York vindt Willem De Kooning een mentor in Arshile Gorky. De relatie is diepgaand; Gorky is de meester die hem richting experiment en het ontmantelen van traditionele vormen duwt. Deze connectie vormt de brug tussen de vroege stedelijke landschappen van Willem De Kooning en de viscerale abstractie die zijn latere jaren definieert. Hij beweegt zich door een landschap van ideeën, waarbij hij de invloed van Stuart Davis en John Graham absorbeert, wier aanwezigheid helpt zijn vocabulaire weg te sturen van de letterlijke weergave.
De visuele taal die hij ontwikkelt, is een botsing van uiteenlopende krachten. Hij put uit de structurele lessen van het kubisme en de psychologische diepgang van het surrealisme. De invloed van Picasso is voelbaar in zijn benadering van vorm, terwijl het werk van Franz Kline een nieuwe dimensie aan zijn praktijk toevoegt. Van Kline neemt hij een meer kalligrafische benadering over, waarbij hij gebruikmaakt van zwart-wit emaille composities en gebarenmatige markeringen die de gewelddadige penseelstreken vervangen. Deze evolutie markeert een breuk met zijn eerdere, meer zware methoden.
Hij wordt een centrale figuur binnen de New York School. Deze groep kunstenaars, waaronder figuren als Jackson Pollock en Lee Krasner, herdefinieert het creatieve epicentrum van de kunstwereld. Zij verwerpen het steriele formalisme van eerdere stromingen en kiezen in plaats daarvan voor een ruimte waar het canvas een arena wordt voor spontane, emotionele waarheid. Binnen deze kring schommelt het werk van Willem De Kooning tussen het figuratieve en het abstracte, zonder ooit volledig in het één of het ander te verankeren.
Het jaar 1943 markeert een verschuiving in het huiselijke landschap van zijn leven wanneer hij met Elaine Fried trouwt. Hun verbintenis is een complex verstrengeling van wederzijdse artistieke steun en persoonlijke strijd. Ze delen studio-ruimtes en navigeren samen door de veeleisende, op hoge druk staande omgeving van de New Yorkse kunstwereld. Het huwelijk wordt gekenmerkt door een open relatie en een gezamenlijke toewijding aan hun respectievelijke carrières, maar het wordt ook overschaduwd door de zware aanwezigheid van alcoholisme. Deze spanning definieert hun jaren samen, een periode van intense creatieve productie en private instabiliteit.
In 1956 breidt de familiestructuur zich uit met de geboorte van zijn dochter, Lisa de Kooning. De interne breuklijnen in het huwelijk worden echter dieper. Tegen 1957 is het paar gescheiden. De afstand tussen hen houdt bijna twee decennia aan, een lange pauze in hun gedeelde geschiedenis. De scheiding blijft een constante factor, zelfs terwijl hun professionele levens elkaar blijven kruisen binnen dezelfde artistieke kringen. De kloof wordt uiteindelijk in 1976 gedicht, wanneer hij en Elaine weer bij elkaar komen.
De verschuiving in het epicentrum van de kunstwereld beweegt zich weg van de traditionele salons van Parijs naar de experimentele grenzen van Amerika. Willem De Kooning bevindt zich in het hart van deze transitie. Als een centrale figuur binnen de beweging van het Abstract Expressionisme, draagt hij bij aan de vestiging van New York City als een mondiaal centrum voor kunst. Zijn aanwezigheid binnen de New York School helpt de visuele taal van het midden van de 20e eeuw te herdefiniëren, waarbij hij zich losmaakt van het steriele formalisme van voorgaande decennia en beweegt naar een meer visceraal, gebarend proces op het canvas.
Zijn invloed reikt veel verder dan het directe naoorlogse tijdperk. Hij wordt beschouwd als een van de belangrijkste Amerikaanse kunstenaars van de 20e eeuw, een status die werd bezegeld door zijn vermogen om de kloof tussen abstractie en figuratie te overbruggen. Zijn werk blijft discussies uitlokken en ontzag inboezemen door zijn weigering om zich te conformeren aan gevestigde normen. De spanning tussen chaos en orde blijft tastbaar aanwezig op zijn doeken, waarbij hij de toeschouwer uitdaagt om de rauwe, ongetemde essentie van zijn onderwerpen onder ogen te zien.
1904 - 1997 , Nederland
Ontdek de 25 meest iconische werken van Wassily Kandinsky! Duik in zijn abstracte wereld vol kleur, expressionisme & spirituele diepgang. Vind museumkwaliteit reproducties en interieurinspiratie op WahooArt.com.
Ontdek de 10 meest invloedrijke werken van Abstract Expressionisme! Leer over Jackson Pollock, Mark Rothko & meer. Museumkwaliteit kunst reproducties voor uw interieur. Bekijk de collectie op WahooArt.com.
Explore the evolution of Willem de Kooning's iconic Abstract Expressionist paintings. Discover his signature style, key themes & investment potential with expert insights for discerning art collectors.
Explore the captivating world of earth tones in art! Discover historical context, emotional resonance & artistic techniques behind these timeless colors. Find inspiration for your home decor and museum-quality reproductions.
Ontdek de 25 meest iconische schilderijen van Francisco Goya! Duik in zijn Spaanse romantiek, donkere kleuren & emotionele kracht. Museumkwaliteit reproducties voor jouw interieur op WahooArt.com.
Voorvertoning
Verstuur
Delen
Details bekijken
Gids
Download
Vergelijkbare items
Röntgenonderzoek
Diavoorstelling
Vraag & antwoord
Statistieken
Lees meer
De optie voor glas is alleen beschikbaar bij een formaat kleiner dan 110 cm.
