Ontvang een bestand dat klaar is voor drukwerk en de kwaliteit van het online voorbeeld ver overstijgt. Elke digitale afbeelding die wij verkopen, is afkomstig van een high-resolution master uit onze database — meestal tussen de 5.000 en 15.000 pixels breed — zodat u met vertrouwen groot kunt afdrukken, nauwkeurig kunt bijsnijden of fijne details kunt reproduceren.
Geen enkel bestand verlaat ons atelier onbewerkt. Een digitaal expert controleert de kleuren aan de hand van het originele schilderij en corrigeert deze indien nodig, om vervolgens de helderheid en details te verbeteren met professionele retoucheertechnieken — waarbij de penseelstreek en stijl van de kunstenaar altijd strikt worden gerespecteerd. Het resultaat is een afbeelding die oogt als het schilderij zelf, en niet als een gescande foto met een filter.
U keurt de afbeelding goed voordat de bestelling wordt afgerond: onze expert stuurt u binnen 72 uur een e-mail ter beoordeling. Niet tevreden? Vraag om aanpassingen of correcties, of vraag een terugbetaling aan als de kwaliteit niet aan de verwachtingen voldoet.
Dit is de kwaliteit waarop uitgevers, designstudio's, galeries en drukkerijen vertrouwen.
Download een bestand met hoge resolutie voor persoonlijke weergave, afdrukken en creatieve projecten. (
Schakel over naar print Bestel handgeschilderde reproductie)
Wanneer u kiest voor WahooArt.com, ontvangt u niet alleen een afbeelding – u krijgt een professioneel verbeterd digitaal kunstwerk, met precisie vervaardigd en voorzien van een tevredenheidsgarantie. Dit is alles wat automatisch bij uw bestelling is inbegrepen:
Uw hoogwaardige digitale afbeeldingsbestand wordt binnen 72 uur na bestelling naar u gemaild – klaar voor direct gebruik.
Uw kunstwerk wordt professioneel geoptimaliseerd met behulp van geavanceerde AI-tools en handmatige bewerkingen, waardoor maximale details, helderheid en kleurnauwkeurigheid worden gegarandeerd.
Je bestand per ongeluk verwijderd of kwijtgeraakt? Geen zorgen – we sturen het u op elk gewenst moment gratis opnieuw toe.
Geniet direct van uw kunstwerk zonder invoerrechten, belastingen of verzendkosten – digitale downloads zijn altijd belastingvrij.
Met behulp van professionele hulpmiddelen en kleurbeheer zorgen wij ervoor dat uw digitale afbeelding de originele kleuren zo nauwkeurig mogelijk weergeeft.
Mocht u niet tevreden zijn met uw digitale afbeelding, dan passen wij deze aan of storten wij 100% terug binnen 100 dagen – zonder vragen te stellen.
Niet tevreden? Ontvang een volledige terugbetaling binnen 100 dagen na ontvangst van uw digitale bestand – zonder vragen te stellen.
Koop 3 afbeeldingen, bespaar 10% - Koop 5, bespaar 15% - Koop 10+, bespaar 20%. Ideaal voor creatieve projecten, galerieën en bureaus.
In the quiet depths of 1880, Odilon Redon captured more than just his own likeness; he captured the very essence of a searching consciousness. His Self Portrait stands as a profound exploration of inner life, inviting the viewer to step beyond the veil of the visible world into a realm of psychological depth. The painting presents a man of striking presence, characterized by a meticulously groomed beard and mustache, positioned with a quiet confidence beneath the brim of a hat. As he faces the observer directly, his expression carries a weight of seriousness—a subtle melancholy that suggests a mind deeply engaged in contemplation. This is not merely a record of physical features, but an intimate encounter with the artist's internal landscape.
The composition is masterfully balanced by a striking contrast between the formal and the ethereal. While Redon depicts himself in the structured attire of the era—a dark, somber suit complemented by a precise tie—the background offers a breathtaking departure from reality. A serene, diffused blue sky washes over the scene, casting a soft light that seems to emanate from within the subject himself. This juxtaposition between the heavy, grounded presence of the man and the weightless, infinite sky creates a tension that is quintessential to the Symbolist movement. It serves as a visual metaphor for the human condition: the struggle to find spiritual transcendence while anchored in the physical world.
Redon’s approach in this work marks a significant departure from the rigid academic realism that dominated much of the 19th century. Having honed his skills through the intricate, shadow-heavy techniques of etching and lithography under masters like Gérôme and Bresdin, Redon brought a unique, velvety texture to his oil painting. He utilized subtle tonal gradations to achieve a sense of atmosphere that feels almost tactile, allowing light to bleed into shadow in a way that evokes the hazy quality of a dream. This mastery of sfumato-like transitions allows the figure to emerge from the background not as a separate entity, but as an integral part of the atmospheric whole.
Historically, this piece emerged during a period of profound societal shifts following the Franco-Prussian War. As the world grappled with the anxieties of modernity and the fleeting sensory focus of Impressionism, Redon sought something more permanent and universal. He turned toward Symbolism, a movement dedicated to tapping into myths, archetypes, and the subconscious. In this self-portrait, every element is laden with meaning: the dark hues of his clothing evoke the introspective "noirs" of his earlier career, while the hat serves as a symbol of the intellect, framing a gaze that pierches through the surface of things to touch the eternal.
For the discerning collector or interior designer, a reproduction of Redon’s Self Portrait offers much more than mere decoration; it provides a focal point of intellectual and emotional gravity. The painting’s sophisticated palette—dominated by deep blacks, rich shadows, and the tranquil azure of the sky—allows it to integrate seamlessly into diverse high-end environments. Whether placed in a minimalist contemporary study or a classic, richly textured library, the work commands attention through its quiet intensity.
Owning such a piece is an invitation to daily reflection. It brings into a living space a sense of calm, scholarly dignity and a reminder of the beauty found in introspection. For those seeking to curate a collection that speaks to the depth of the human spirit, Redon’s ability to bridge the gap between the tangible and the dreamlike makes this portrait an incomparable treasure. It is a masterpiece of mood, a testament to the power of the unseen, and a timeless addition to any curated sanctuary.
"Self Portrait" deelt met andere werken van Odilon Redon de Symbolist Movement-stijl en de terugkerende thema's: dreamlike imagery, psychological depth, symbolic representation, artist vision, artistic legacy.
"Self Portrait" door Odilon Redon wordt aanbevolen voor een Living Room. Deze suggestie is gebaseerd op het onderwerp, de kleuren en de sfeer van het werk.
In "Self Portrait" komen de Oil On Canvas-techniek en de Symbolist Movement-stroming samen.
De jongen die later de wereld zou veroveren als Odilon Redon, werd geboren als Bertrand-Jean Redon op 20 april 1840 in Bordeaux, Aquitaine, Frankrijk, en trad het leven binnen in een wereld die diepgaand gevormd was door de afkomst van zijn familie. Zijn moeder, Marie Guérin, was een Franse Creool uit Île Bourbon, en het was aan haar naam dat hij uiteindelijk zijn gekozen bijnaam zou ontlenen. Zelfs in zijn vroege jeugd was een bijzondere visuele aanleg al duidelijk zichtbaar; op tienjarige leeftijd won hij een tekenprijs op school, een kleine triomf die al een voorbode was van de gevoeligheid die hij later in zijn ambacht zou gieten.
Het pad naar een artistiek bestaan was echter verre van rechtlijnig. Hoewel hij op vijftienjarige leeftijd begon met een formele studie in tekenen, trokken de wensen van zijn vader hem aanvankelijk naar de gestructureerde wereld van de architectuur. Deze zoektocht bracht hem naar Parijs, waar hij in 1864 kortstondig de schilderkunst bestudeerde onder Jean-Léon Gérôme. De rigide eisen van de architectonische opleiding voldeden echter niet bij zijn temperament. Nadat hij de toelatingsexamens voor de École des Beaux-Arts niet was doorstaan, keerde hij terug naar zijn geboortestad Bordeaux om een andere manier van kijken te zoeken.
In de stilte van zijn geboegrond ontdekten zijn handen nieuwe texturen. Hij begon zich te verdiepen in de beeldhouwkunst en begon de complexe, schaduwrijke kunsten van de etskunst en lithografie te beheersen. Onder de begeleiding van Rodolphe Bresdin vonden deze technische vaardigheden hun wortels, wat hem de instrumenten gaf om de duistere, meer ambigue rijken van de menselijke psyche te verkennen. Deze vroege jaren van experimenteren met lijn en steen legden het fundament voor alles wat nog zou komen.
Het verloop van het leven van Odilon Redon nam in 1870 een onverwachte wending toen de Frans-Duitse oorlog hem riep om in het leger te dienen. Deze periode van militaire dienst onderbrak zijn in ontwikkeling zijnde artistieke pad, maar het kon de visioenen die in hem opborrelden niet doven. Bij zijn terugkeer richtte hij zijn volledige aandacht op de schaduwen, waarbij hij tot zijn vijftigste bijna uitsluitend in zwart-wit werkte. Hij begon deze visionaire werken zijn noirs te noemen, een term die de intense, duistere aard van zijn exploraties perfect vatte. Door middel van deze monochrome studies zocht hij ernaar om het onzichtbare vorm te geven, waarbij hij zich losmaakte van de letterlijke wereld om een taal van puur licht en duisternis te vinden.
Zijn methode was even gevarieerd als de wezens die hij tot leven wekte. Hij beheerste de kunst van de lithografie en gebruikte houtskool om zijn composities op te bouwen, waarbij hij vaak verschillende materialen over elkaar heen legde om een specifieke diepte te bereiken. Hij combineerde takhoutskool en geoliede houtskool met accenten van samengeperste houtskool en zwart krijt om zijn unieke effecten te creëren. Deze instrumenten stelden hem in staat om nachtelijke scènes en vreemde, fantastische wezens weer te geven die uit een kolkende mist leken te verschijnen. Zijn handen werkten met een doelbewuste intensiteit, waarbij hij de hardheid van zwart krijt gebruikte om vormen af te tekenen tegen de zachtere, meer atmosferische partijen van houtskool. De resultaten waren geen eenvoudige tekeningen, maar vensters naar een privédomein van schaduwen.
Met het aanbreken van de jaren 1890 begon een nieuw licht de atelier van Odilon Redon te raken. De zware, monochrome schaduwen uit zijn eerdere jaren maakten plaats voor een plotselinge omarming van kleur. Hij wendde zich tot pastel en olieverf, waarmee hij in deze media een manier vond om de wankelende gemoedstoestanden van de ziel uit te drukken. Dit was niet louter een verandering in techniek, maar een diepgaande expansie van zijn visie. Hij bewoog weg van de soberheid van zijn houtskoolstudies naar een droomachtige abstractie, waarin vormen leken op te lossen in licht en tint. Deze transitie markeerde zijn plek in het hart van de symbolistische beweging, terwijl hij streefde ernaar het ongrijpbare vorm te geven door de taal van kleur.
Deze nieuw gevonden luminositeit werd diepgaand beïnvloed door de aankomst van de Japanse kunst in Frankrijk. Odilon Redon voelde zich aangetrokken tot de esthetiek van Japanse prenten; hij vond veel bewondering in hun vereenvoudigde perspectief en de gedurfde kracht van hun kleuren. Deze fascinatie stelde hem in staat om verder door te dringen naar een rijk van suggestie, in plaats van louter letterlijke weergave. Zijn composities begonnen deze oosterse invloed te weerspiegelen, waarbij een gevoel van mysterie werd vermengd met een meer decoratieve, etherische kwaliteit. De wereld die hij schilderde was niet langer een plek van solide objecten, maar een ruimte van spirituele en emotionele resonantie.
Naarmate Odilon Redon zich losmaakte van de schaduwen uit zijn vroege jaren, vond zijn penseel een nieuwe bestemming door het mecenaat van hen die zijn fascinatie voor het onzichtbare deelden. Baron Robert de Domecy werd een sleutelfiguur in deze periode, waarbij hij de kunstenaar vroeg om de portretten van zijn familie vast te leggen. Deze portretten van de barones en haar dochter, Jeanne, boden Redon de mogelijkheid om zijn evoluerende gevoel voor licht toe te passen op de menselijke vorm, in een voortdurende zoektocht om een innerlijk leven te onthullen dat zich onder de oppervlakte van de huid bevindt.
Zijn verbeelding wendde zich vaak tot de oude mythen, die hij herinterpreteerde door een lens van droomachtige abstractie. In een opmerkelijk olieverfschilderij verbeeldde hij de mythe van Polyphemus en de nimf Galatea, bekend als The Cyclops. Dit werk vangt de reus terwijl hij zijn enkelvoudige oog op de slapende maagd richt, een compositie die zijn vermogen weerspiegelt om klassieke onderwerpen te versmelten met een gevoel van psychologisch mysterie. In vergelijkbare zin nodigt zijn pastelwerk uit 1900, Portrait of Marie Botkine, uit tot een nauwkeurige blik op de stille, introspectieve diepten van het onderwerp, weergegeven met een zachte, lumineuze toets die zijn latere stijl kenmerkt.
In zijn laatste levensjaren werd de invloed van de oosterse esthetiek nog prominenter, wat leidde tot werken die een decoratieve en meer vlakke perspectief omarmden. Tegen het einde van zijn leven, rond 1916, vervaardigde hij Large Bouquet in a Japanese Vase, een stuk dat demonstreert hoe de principes van de Japanse kunst diep verweven waren geraakt met zijn visuele taal. Dit late werk getuigt van een kunstenaar die de kracht van kleur volledig had omarmd om het ongrijpbare tot uitdrukking te brengen.
Odilon Redon bewoog zich door de kunstwereld als een tekenaar, graficus en schilder, altijd strevend naar het ondergeschikt maken van de logica van het zichtbare aan de behoeften van het onzichtbare. In zijn vroege jaren vond hij een diepzinnige taal in de schaduwen, waarbij hij zich voornamelijk beperkte tot zwart-wit. Hij beheerste de kunst van de lithografie en gebruikte dit medium om subtiele tonale gradaties te creëren, waardoor het licht als het ware uit de diepe duisternis kon opstijgen. Om een grotere precisie te bereiken, bracht hij vaak zwart krijt aan om specifieke compositorische elementen te omlijnen tegenover de brede, zachte vlakken van houtskool. Deze werken werden vaak beschreven als een synthese van nachtmerries en dromen, waarin de grenzen tussen het fysieke en het verbeelde volledig vervaagden.
Naarmate zijn techniek verfijnder werd, veranderde zijn benadering van textuur en licht. Hij bewoog weg van de zware, monochrome diepten van zijn vroege houtskoolstudies naar het gebruik van pastel en olieverf. Deze overgang stelde hem in staat om een heel andere vorm van luminositeit te verkennen, hoewel hij zijn obsessie met het onderbewuste nooit verloor. Zelfs wanneer hij met kleur werkte, behielden zijn composities vaak een gevoel van mysterie, alsof de onderwerpen voortkwamen uit een droom in plaats van uit een fysiek landschap. Zijn vermogen om verschillende media te manipuleren stelde hem in staat om de meest vluchtige delen van de menselijke psyche te vertalen naar tastbare vormen.
De rimpelingen van Redons visie reikten veel verder dan de verstilde kamers van de symbolistische kring en raakten de fundamenten van de komende eeuw. Door zijn blik naar binnen te richten om de vreemde, irrationele territoria van het onderbewuste in kaart te brengen, bereidde hij de weg voor de surrealisten. Zijn vermogen om vorm te geven aan de logica van dromen bood een blauwdruk voor latere kunstenaars zoals Marcel Duchamp en Max Ernst, die de geest wilden bevrijden van de beperkingen van de rede. Hij schilderde niet louter scènes; hij visualiseerde de onzichtbare stromingen van de menselijke gedachte en sloeg zo een brug tussen de waarneembare wereld en de innerlijke psyche.
Deze preoccupatie met de subjectieve ervaring en het emotionele gewicht van het onzichtbare vond ook een diepe resonantie bij de expressionistische schilders. Zijn werk suggereerde dat de ware essentie van een onderwerp lag in hoe het werd gevoeld, in plaats van hoe het door het oog werd gemeten. Naast zijn doeken en pastels blijft zijn grafische kunst een diepgaande prestatie. Zijn litho's en houtskooltekeningen — die schaduwrijke verkenningen van het duistere en het mysterieuze — worden beschouwd als enkele van de meest innovatieve prestaties in de negentiende-eeuwse grafiek. Hij beheerste de subtiele gradaties van toon om werelden te suggereren die zowel eeuwenoud als volkomen nieuw aanvoelden.
Om de sporen van zijn ongekende verbeeldingskracht te ontmoeten, moet men reizen naar de grote bewaarplaatsen van de Europese kunst. In Parijs herbergt het Musée d'Orsay verschillende van zijn werken, die een fascinerende blik werpen op de evolutie van zijn visie. Degenen die op zoek zijn naar zijn meer kleurrijke, latere exploraties, kunnen terecht in New York, waar het Museum of Modern Art diverse stukken bewaart die zijn verschuiving naar een meer luministische esthetiek weerspiegelen.
De reikwijdte van zijn invloed overstijgt landsgrenzen en vindt zijn weg naar uiteenlopende collecties wereldwijd. In Nederland vindt men het Kröller-Müller Museum, dat De Cyclops huisvest, een werk dat de mythologische en droomachtige kwaliteiten van zijn midden- tot late carrière prachtig vangt. Ondertussen, aan de andere kant van de Atlantische Oceaan, bewaart het J. Paul Getty Museum in Los Angeles het portret van de Baronne de Domecy, een werk dat spreekt van de persoonlijke connecties en opdrachten die zijn leven hebben gevormd.
1840 - 1916 , Frankrijk
Voorvertoning
Verstuur
Delen
Details bekijken
Gids
Download
Vergelijkbare items
Röntgenonderzoek
Diavoorstelling
Vraag & antwoord
Statistieken
Lees meer
