Dennis Ashbaugh: Weaver von DNA, Licht und dem Unsichtbaren
Geboren in Red Oak, Iowa, im Jahr 1946, begann Dennis Ashbaughs künstlerische Reise weit entfernt von den geschäftigen Galerien von New York City. Sein frühes Leben, geprägt von einer ländlichen Erziehung, die von Familien Traditionen durchdrungen war – seine Großväter Schmiede und Bauern, sein Vater Elektrikerplaner – vermittelte ihm eine tiefe Wertschätzung sowohl für handwerkliches Können als auch für die aufkommende Welt der Technologie. Entscheidend war seine frühe Leidenschaft für Surfen, ein Streben, das seine Weltsicht nachhaltig beeinflusste, Unabhängigkeit, eine Verbindung zur Natur und eine Faszination für Bewegung und Form förderte. Diese prägende Erfahrung würde später als subtile, aber stetige Faser in seinen abstrakten Gemälden gewebt werden.
Ashbaughs Umzug nach Kalifornien als Kind, während der monumentalen Bauarbeiten von Disneyland zusehen, entfachte früh ein Interesse an Maßstab und Spektakel – Elemente, die er meisterhaft in seinen großformatigen Werken manipulierte. Er verfeinerte seine künstlerischen Fähigkeiten während seines Studiums an der California State University, Fullerton, wo er 1969 den Master-Abschluss erhielt. Eine entscheidende Begegnung mit Frank Stella, der ihm großzügig Studiofläche in Costa Mesa gewährte, erwies sich als transformativ. Diese Verbindung öffnete ihm die Türen zur pulsierenden New Yorker Kunstszene und brachte ihn mit einflussreichen Persönlichkeiten wie Barbara Rose, Alan Solomon und Leo Castelli – Künstlern, deren Werke er tief bewunderte, darunter Barnett Newman, Jackson Pollock und Mark Rothko – in Kontakt.
Die Ovale und der Beginn des Fiberglases
Seine Umsiedlung nach New York City in den frühen 1970s festigte Ashbaughs Position innerhalb eines Netzwerks aufstrebender Künstler. Er mietete ein Studio in der Murray Street in Tribeca, einen Raum, der schnell zu seinem Synonym für seinen innovativen Ansatz wurde. Hier begann er, “Die Ovale” zu entwickeln – eine Reihe großer Gemälde aus Fiberglas unter Verwendung eines elliptischen Formats und Drums aus Polyesterharz. Diese Werke, die zwischen 1970 und 1971 entstanden, wurden absichtlich so konzipiert, dass sie die matte Enkaustik der Surf-Oberflächen von Brice Marden und Jasper Johns hervorheben, aber eine deutlich kalifornische Perspektive einnahmen – eine subtile Verschiebung der Sichtweise, die von seinen Küstenwurzeln geprägt war.
Die “Ovale” stellten einen bedeutenden Bruch mit traditionellen Maltechniken dar. Die flachen, unnachgiebigen Oberflächen und die absichtlich zerfurchten Kanten deuteten auf eine tiefere Erkundung der Materialität und Wahrnehmung hin. Diese Periode sah auch Ashbaughs Zusammenarbeit mit dem Science-Fiction-Romanautor William Gibson bei *Agrippa (Ein Buch der Toten)*, einem elektronischen Gedicht, das seine wachsende Faszination für Technologie, Netzwerke und die Zukunft widerspiegelte – Themen, die er in seiner späteren Arbeit fortsetzen würde. Das Projekt hatte einen großen Einfluss auf seine nachfolgenden Werke, insbesondere auf seine Erkundung von Computervirusen.
Die Glänzenden: Licht, Farbe und industrielle Materialien
Nach dem Erfolg der “Ovale” zog Ashbaugh 1971 in die Greene Street 67 in SoHo. Dieser neue Raum ermöglichte es ihm, “Die Glänzenden” (1971-1972) zu schaffen – eine Reihe noch größerer Fiberglasgemälde, einige von denen beeindruckende 120 Zoll mal 240 Zoll groß waren. Diese Werke verwendeten gläserartige Oberflächen, die durch Polyesterharz, industrielle Farbstoffe und Pigmente erreicht wurden, wodurch eine leuchtende Qualität entstand, die sich stark von den matten Texturen seiner früheren Werke unterschied.
“Die Glänzenden” wurden in Schweden (Galleri Ostegren, Malmö) und Kalifornien (Jack Glenn Gallery, Corona del Mar) ausgestellt und erhielten Lob von Kritikern und Aufmerksamkeit von Sammlern. Sie wurden von renommierten Institutionen wie dem Orange County Museum of Art und dem Museum of Contemporary Art San Diego erworben. Die Serie demonstrierte Ashbaughs Bereitschaft, mit ungewöhnlichen Materialien und Techniken zu experimentieren und die Grenzen der Malerei zu erweitern, während er gleichzeitig eine starke Verbindung zu seinem künstlerischen Erbe bewahrte.
DNA, Cyberpunk und Rothko-ähnliche Abstraktion
Im Laufe der 1970er Jahre entwickelte Ashbaugh seine Praxis weiter, beeinflusst von Ereignissen sowohl innerhalb als auch außerhalb der Kunstwelt. Die steigenden Materialkosten – insbesondere 50-Gallonen-Dosen Polyesterharz – führten zu einer Verschiebung des Schwerpunkts. Inspiriert von die Russische Revolution von 1917 und dem Aufstieg der abstrakten Malerei mit Künstlern wie Malevich, begann er, Themen im Zusammenhang mit Genetik, DNA und Vernetzungserforschung. Dies kulminierte in seinem bahnbrechenden Werk *Designer Gene* von 1992, das DNA-Markierungsmuster in seinen Gemälden verwendete – eine Technik, die ihn als einen der ersten Künstler etablierte, der dieses wissenschaftliche Element in seine Kunst integrierte.
Ashbaughs Verwendung von Licht und Farbe, insbesondere seine großformatigen Werke, die an Rothkos leuchtende Felder erinnern, hat immer wieder Vergleiche zu dem letzten hervorgebracht. Ashbaughs Arbeit geht jedoch über eine einfache Nachahmung hinaus und enthält Elemente der Cyberpunk-Ästhetik, historischer Themen und eine tiefe Auseinandersetzung mit aktuellen Problemen. Er ist bis heute ein aktiver Künstler und lebt in New York City und erforscht weiterhin die komplexe Beziehung zwischen Kunst, Wissenschaft und menschlicher Erfahrung.
Wichtige Errungenschaften & Vermächtnis
- Erster Künstler, der DNA-Markierungsmuster in Gemälden verwendete (*Designer Gene*, 1992).
- Zusammenarbeit mit William Gibson bei *Agrippa (Ein Buch der Toten)*.
- Bedeutender Einfluss von Mark Rothko, Barnett Newman, Jackson Pollock und Frank Stella.
- Entwicklung innovativer Maltechniken unter Verwendung von Fiberglas und industriellen Materialien.
- Ausstellungen in renommierten Museen und Galerien weltweit.
Dennis Ashbaughs Vermächtnis liegt nicht nur in seinem unverwechselbaren visuellen Stil, sondern auch in seiner Bereitschaft, neue Technologien anzunehmen, komplexe Ideen zu erforschen und konventionelle Vorstellungen davon herauszufordern, was Kunst ausmacht. Seine Werke resonieren bis heute mit dem Publikum und laden zur Kontemplation über die Schnittmenge von Wissenschaft, Technologie und menschlichem Bewusstsein ein.
