Autorius
Gimė Kanšas](https://en.wikipedia.org/wiki/Kansas_City), JAV
Spalvų alchemikas: Paulio Jenkinso gyvenimas ir palikimas
Paulis Jenkinsas išsiskiria ypatinga figūra amerikietiškojo abstrakčios ekspresijos peizaže – jis buvo meistras, paversęs audinį舞台 skliaudžiančiam juduliui ir šviesiam atradimui. Gimęs 1923 m. Miзуri valstybėje, Kanzas Silje, savo meninę kelią pradėjo mokydamasis Niujorko studentų meno lygoje Yasuo Kuniyoshi vadovavimu. Ši ankstyvoji mentorystė buvo itin svarbi, paskerdėdama meilę Japonijos estetikai, kuri vėliau į šį kūrybinį procesą įnešė subtilaus pusiausvyzdžio ir organiškos elegancijos pojūtį. Jenkinsas ne tiesiog tapė; jis surežisavo šokį tarp pigmento ir gravitacijos, sukurdamas vizualią kalbą, kuri atsisakė vaizdinio atvaizdavimo ir nukreipė į gilią, emocinę bei liršką abstrakciją.
Jo karjeros kryptis negrįžtamai pasikeitė 1953 m., vykstant transformuojantiems kelionei per Europą. Laikas Sicilijoje, ypač gyvybingoje Taorminos atmosferoje, tapo naujo matymo katalizatorium. Šis įmerktis Viduržemio jūros kultūroje išplėtė jo horizontus ir sustiprino jo ištikimybę eksperimentams, galiausiai nukreipdamas jį link Paryžiaus. Niujorko ir Paryžiaus intelektinė bei kūrybinė krosnis leido Jenkinsui naviguoti dinamiškais XX amulio vidurio modernizmo srauparrow, įtvirtinant studijos praktiką, kuri per revoliucinę „fenomenų“ techniką peržengtų vidinių meno ribas.
Srauto meistriškumas ir „fenomenų“ technika
Svarbiausia Jenkinso indėlis į meno istoriją yra jo autorinė metodika – procesas, sujungiantis kruopštumą su gražia gamtos nespėjamumu. Į savo praktiką įtraukęs Goeto spalvų teorijas, jis pradėjo sluoksniuoti pigmentus kintamos storos srautu audinyje. Tai nebuvo tiesiog atsitiktiniai gestai; tai buvo kruopščiai apgalvoti lietimai, skirti sukurti užburęją daryninį ir tekstūras. Šis požiūras leido jam įamžinti „fenomenų“ pojūtį – terminą, kuris tarnavo tiek kaip koncepcinė atrama, tiek kaip būdas tyrinėti pačią stebėjimo esmę.
Mokslo ir meno susipamdymą jo darbuose, tokiuose kaip evokuojantis Untitled (664) arba energingas Phenomena compass bearing, galima pajusti per kvapą užgaunantį šviesos ir skysčio sąveiką. Jo technika apėmė:
Sluoksniuotas pigmentavimas: kruopščiai taikytas plonas, proskaičiojantis sluoksnis, sukuriantis begalinio gylio pojūtį.
Kontroliuojamas atsitiktumas: tyčia priimta gravitacija ir skysčių dinamika, siekiant sukurti organines, nespėjama formas.
Lirškesnio abstrakcija: plaukiančios spalvos naudojimas siekiant suiritinti emocinius atsakas, o ne vaizduoti fizinių objektų.
Konceptualus pavadinimas: priešdėlio „phenomena“ naudojimas, kad vizualios paieškos būtų susietos su konkrečiais raktažodžiais ar asmeniniais stebėjimais.
Ilgalaikė įtampa abstrakčioje ekspresijoje
Istorinė Paulio Jenkinso reikšmė slypi jo gebėjime iš savo samtų „lašinimo“ technikų išvystinti kažką eteriškesnį ir atmosferiškesnį. Nors jis dažnai lyginamas su žiauria energija, kurią demonstravo Jacksonas Pollockas, Jenkinso kūryba pasižymi unikalia, proskaičiojančia kokybe, kuri primena labiau dangią įvykių sūkurį nei fizinę kovą. Jo gebėjimas įamžinti dinaminę energiją tiek akvareliu, tiek aliejumi – kaip matoma vibrančiame Untitled (872) – užtikrino jam vietą kaip lirinės abstrakcijos pionieriui.
Per visą savo ilgą ir produktyvų karjerą, nuo ankstyvo mokymosi Niujorke iki paskutinių metų 2012 m., Jenkinsas išliko ištikimas idėjai, kad menas yra atradimo aktas. Jo palikimas slypi kiekvienoje plaukiojančio linijos ir kiekvienoje sureagavios spalvos tonijoje, kurie kviečia žiūrovą pasiklostyti grynos spalvos pasaulyje. Jis išlieka gyva figūra visiems, siekiantiems suprasti mokslinės teorijos, spontaniško judesio ir gilaus abstrakčios formos emocinio galio sūkurį.
Muziejus
Parodoma Niujorkas, Jungtinės Amerikos Valstijos
Amerikos dvasios šventovė
Įžengti į Whitney Amerikos meno muziejų – tai žingsnis į gyvą šalies sielos kroniką. Įsikyręs gyvybingame Manhattano Meatpacking District centre, muziejus yra kur kas daugiau nei tik drovelių ir akmens saugykla; jis yra gilus įkvėpinimo ir Gertrūdos Vanderbilt Whitney vizijos įtvirtimas, kuri tikėjo, kad amerikietiška kūrybiškumas nusipelno savo sulaukiamybės, laisvos nuo sunkių Europos tradicijų šešėlių. Nuo savo įsilankstymo 1930 metais ši institucija veikia kaip gyvybinis amerikietiškos identybės pulsas, įtrapindama Ashcan mokyklos drąsą, vaizdingą Edward Hopper urbanistinių peizažų vienatvę bei elektrinę, ribas plečiantį šiuolaikinių judėjimų energiją. Nuolat ieškantiems vertės kolekcionieriams ar estetinės grožio mylėtojams Whitney siūlo neparedis kelionę per vizualios kalbos evoliuciją, kuri yra unikali ir nebijanti savo amerikietiškumo.
Fizinis muziejaus egzistavimas yra tiek pat meno kūrinys, kaip ir šedevrai, kurie jame saugomi. Perkėsdamas savo istorinį brutalistinį namą Madison Avenue į dabartinį architektūrinį stebinį Gansevoort gatvėje, Whitney dabar įsikūrė legendarinio Renzo Piano suprojektuotoje konstrukcijoje. Šis erdvės skaidrumo meistriškumas pasižymi kvapą užimanciačiu šviesos ir kraštovaizdžio integracijos gebėjimu. Pastato dizainas prioritetą teikia nepriekaištingam ryšiui tarp vidinių galerijų ir triukšmingo miesto, pasinaudojant plačiomis terasomis, iš which atsiveria nuostabūs Hudson upės vaizdai. Interjero dizaineriams ir architektams muziejus tarnauja kaip meistriškumo pamoka apie tai, kaip šviesa gali suteikti gyvybės tekstūrai ir pigmentui; galerijos yra pamirkytos minkšta, išskleidusia šviesa, leidžiančia drąsiai Georgia O’Keeffe abstrakcijoms ar provokuojančiam Andy Warhol Pop Art'ui skambėti jų tikrąja, intended intensyvumu.
Tai, kas tikrai išskiria Whitney, yra jo vaidmuo kaip kultūrinis barometras, ypač išryškintinas per prestižinę „Whitney Biennial“ parodą. Nuo 1932 metų ši periodinė ekspozicija veikia kaip pranašystės langas į ateitį, pristatydama atsirandančius talentus ir įkindanti intensyvias debatas, kurios apibrėžia šiuolaikinį laikotarpį. Pati kolekcija – stulbinamas daugiau nei 21 000 darbų visumas – nėra statiška archyvo dalis, o kvapuojantis organizmas. Ji sklandžiai pereina nuo griežto 20-ojo amžiaus pradžios realizmo iki sudėtingų, multimedijos instaliacijų šiandienos. Ši inovacijų tęstinumas daro Whitney būtina kryptimi tiems, kurie siekia suprasti modernios minties trajektoriją. Naršydami po tylią nuolatinės galerijų kontemplacija ar pajundėdami naujos biennialės didelį energijos sūkurį, lankytojai tampa dalimi nuolatinės diskusijos apie tai, ką reiškia kurti ir egzistuoti visame pasikeičiančiame amerikietiškame peizaže.
