Autorius
Gimė Baumgarten, Austrija
Ankstyvieji metai ir meninės pradžios
Gustavas Klimtas, gimęs 1862 m. liepos 14 d. Baumgartene, netoli Vienos, kilo iš šeimos, kurią lydėjo tiek meninis polinkis, tiek finansinės sunkumai. Jo tėvas, Ernstas Klimtas, buvo aukso graviūras meistras – profesija, kuri subtiliai, tačiau giliai paveikė jaunojo Gustavo estetinę nuovoką: aukso lakštų patrauklumas, atidumo detalės, grynas prabangos jausmas. Šeimos vargai privertė dažnai persikelti per Vieną, nuolatinis gyvenimas galbūt padėjo Klimtui lavinti savo aplinkos stebėjimo gebėjimus ir jautrumą žmogaus patirčiai. Dar vaikystėje jo piešimo įgūdžiai buvo išskirtiniai, ugdyti tėvo profesijos ir gimtosios talento dėka, kuris netrukus tapo akivaizdus. 1876 m. jis įstojo į Vienos taikomosios dailės mokyklą (Kunstgewerbeschule), pradėdamas formalų architektūrinio piešimo mokymą pas Ferdinand Laufbergerį. Tai suteikė jam tvirtą techninį pagrindą, tačiau taip pat atvėrė duris į vyraujančius akademinius stilius – stilius, kuriuos Klimtas galiausiai išbandys ir pranoks. Būtent čia susidarė svarbus meninis bendradarbiavimas su broliu Ernstu ir Franz von Matsch, bendradarbiavimas, kuris užsitarnavo ankstyvas dekoratyvinių sienų tapybos ir lubų užsakymus, padedantį pagrindą jo ateities sėmei.
Vienos secesijos pakilimas
1890-ųjų pradžioje Klimtas vis labiau nusivylė konservatyviu Vieno meno pasauliu. Jis troško didesnės kūrybinės laisvės, erdvės, kur naujovėms galėtų klestėti be tradicijų apribojimų. Šis noras pasiekė kulminaciją 1897 m., kada buvo įkurta Vienos secesija – esminis momentas Austrijos meno istorijoje. Klimtas buvo išrinktas pirmuoju prezidentu, tapo judėjimo simboliu, siekusio atsiriboti nuo griežtų akademinių normų ir priimti naujas menines sroves, sklindančias per Europą – Art Nouveau, Simbolizmas ir Japonizmas. Sekesijos pačių pastatas, sukurtas Joseph Maria Olbrich, tapo šio neatsiejamumo simboliu, meno šventykle. Klimto darbai buvo esminiai Sekesijos etosui, įkūnijant atmetimą tradicinių estetikų ir dekoratyvinių elementų, ryškių spalvų ir simbolinės vaizdų priėmimą. Jo paveikslai pradėjo tyrinėti meilės, mirties ir seksualumo temas beprecedenčiu atvirumu, iššaukdami visuomenės normas ir sukeldami tiek pasipūtimą, tiek neapykantą.
Aukso fazė ir meninis brandumas
Maždaug nuo 1900 metų Klimtas įžengė į tai, kas dabar žinoma kaip jo „aukso fazė“ – laikotarpis, pasižymintis dosniu aukso lakštų naudojimu, įkvėptu Bizantijos mozaikomis ir viduramžių iluminuotais rankraščiais. Ši technika pavertė jo paveikslus spindinčiomis, neaprėpiamomis vizijomis, kuriose slypėjo dvasios gylio ir jausmingo patrauklumo pojūtis. Bučinys (1907–1908), galbūt jo žinomiausias kūrinys, puikiai iliustruoja šį stilių – pora, įsivėlusi į apkabinimą, apgaubta aukso aureole, jų kūnus puošia sudėtingi raštai. Šiuo laikotarpiu Klimtas sukūrė ir nuostabių portretų seriją, įskaitant Adele Bloch-Bauer I (1907) portretą, kuriame parodė savo gebėjimą užfiksuoti ne tik fizinį panašumą, bet ir savo subjektų psichologinę sudėtingumo. Jis vis labiau sutapatinėjo tapybos ir apdaila ribas, į savo kompozicijas integruodamas dekoratyvius elementus, kad sukurtų harmoningą formos ir turinio sintezę. Japonų meno – japonizmo – įtaka buvo ypač juntama jo plokščiame perspektyvoje, linijų pabrėžime ir dekoratyviniuose raštuose.
Kontroversijos, įtakos ir palikimas
Klimto karjera nebuvo be prieštaravimų. 1900 m. jis gavo prestižinį užsakymą nupiešti lubų freskas Vienos universiteto Didžiajai salei, atitolinant Filosofiją, Teismą ir Teologiją. Tačiau šie darbai – ypač Filosofija – buvo pripažinti provokaciniais ir netgi pornografiniais konservatyvių kritikų, sukėlę visuomenės nepasitenkinimą ir galiausiai paskatino Klimtą atsisakyti tolesnių viešųjų užsakymų. Šis incidentas pažymėjo lūžį jo karjeroje, pastūmėdamas jį link privatesnio mecenatybo ir suteikdamas jam didesnę meninę laisvę. Visą gyvenimą Klimtas buvo paveiktas įvairių menininkų ir stilių – nuo Hans Makart istorinių paveikslų iki Bizantijos ir Japonijos dekoratyvaus meno. Jis taip pat semiasi įkvėpimo iš Simbolizmo judėjimo, tyrinėdamas mitologijos, alegorijų ir subkonscienso temas. Gustav Klimtas tęsė aktyviai kurti iki savo mirties 1918 m. vasario 6 d., patyręs insultą per ispanų gripą. Jo vėlesni darbai tyrė labiau abstrakčias formas ir kraštovaizdžius, rodantį nuolatinę meninę raidos eigą. Dabar jis pripažintas vienu svarbiausių Austrijos meno figūrų, Vienos secesijos pagrindiniu atstovu ir Art Nouveau elegancijos patvariu simboliu. Jo paveikslai aukcionuose komandomi didelėmis kainomis, o jo įtaka ir toliau skamba šiuolaikinėje mene ir dizaine.
Pagrindinės savybės ir meninis stilius
Simbolizmas: Klimto darbai giliai simboliški, dažnai tyrinėjantys meilės, mirties, seksualumo ir žmogaus būties temas.
Art Nouveau: Jis buvo pagrindinė Art Nouveau judėjimo figūra, pasižyminti organinėmis linijomis, dekoratyviais raštais ir grožio pabrėžimu.
Aukso fazė: Aukso lakštų naudojimas sukūrė spindinčius, prabangius paviršius, tapo jo prekiniu ženklu.
Dekoratyviniai elementai: Klimtas į savo kompozicijas integruodavo dekoratyvius elementus, sutepdamas tapybos ir apdaila ribas.
Moterų forma: Moters kūnas buvo centrinis jo darbų motyvas, dažnai vaizduojamas su jausmingumu ir psichologiniu gyliu.
Muziejus
Parodoma Viena, Austrija
Galerie Würthle: Vienos modernizmo siela
Galerie Würthle – tai ne tik meno galerija Austrijos sostinėje, o svarbus kultūrinis fenomenas, formavęs moderniosios ir šiuolaikinės dailos kraštovaizdį nuo 1881 iki 1995 metų. Įsikūrusi pačio Vienos centro širdyje, netoli Štefano aikštės (Weihburggasse 9), galerija tapo svarbiu centru menininkams, kolekcionieriams ir meno kritikai visoje Europoje. Jos istorija – tai įkvepiantis pasakojimas apie vizionieriškumą, atkaklumą politinių audrų metu bei nenutrūkstamą meilę menui.
Kolekcijos spindesys: nuo Austrijos ekspresionizmo iki tarptautinių meistrų
Galerie Würthle visada skyrė ypatingą dėmesį austrijų dailininkų kūrybai, aktyviai remdama jų karjerą ir pristatydama jų darbus platesnei auditorijai. Galerijoje buvo eksponuojami tokie žymūs menininkai kaip Faistauer, Itten, Kubin bei Egon Schiele (po jo mirties). Tačiau galerijos veikla neapsiribojo tik Austrijos ribomis – ji sėkmingai reprezentavo ir tarptautinius modernizmo meistrus, tokius kaip Gustav Klimt ir Oskar Kokoschka. Ypatingą vietą kolekcijoje užėmė ankstyvo XX amžiaus grafika, kurios publikavimas ir propagavimas buvo vienas iš galerijos prioritetų. Tai padėjo plėsti meno žinių horizontus ir pristatyti naujas idėjas visuomenei.
Istorija audrų sūkurėje: Lea Bondi era ir Antrojo pasaulinio karo šešėliai
Galerie Würthle įkūrusi kaip leidyklos „Würthle und Spinnhirn“ filialas Salcburge, per daugelį metų patyrė keletą savininkų pasikeitimų. Svarbiausios figūros buvo Thekla Würthle, Ulf Seidl ir Lea Bondi – ypač įtakinga galerijos vadovė. Būtent Bondi (1926-1938 m. ir vėliau 1949-1953 m.) laikotarpiu galerija pasiekė didžiausią aukštumą, tapdama moderniosios dailos centru Vienoje ir bendradarbiaudama su svarbiausiais Europos meno prekeiviais. Tačiau 1938 metais Austrijai prijungus nacistinę Vokietiją, galerija susidūrė su dideliais sunkumais. Nacistinė valdžia privertė Lea Bondi parduoti galeriją Friedrich Welzui, kuris brutaliai išviliojo jai paveikslą Portretas of Wally. Šis tragiškas įvykis tapo simboliu nacistinės persekiojimo ir meno grobimo istorijoje.
Unikalus palikimas: atsparumo ir vizijos testamentas
Po Antrojo pasaulinio karo galerija buvo atkurta, tačiau veikė jau kitomis sąlygomis. Nepaisant iššūkių, Galerie Würthle tęsė savo veiklą iki 1995 metų, išlaikydama įsipareigojimą moderniajai menui. Galerijos istorija – tai ne tik meno pasakojimas, bet ir giliai jaudinanti saga apie artistinę viziją, atsparumą politiniam spaudimui bei tragiškas nacistinės persekiojimo pasekmes. Jos palikimas slypi jos indėlyje į moderniosios dailos plėtrą Austrijoje ir svarbiame vaidmenyje jungiant austrijų menininkus su tarptautiniu meno pasauliu. Galerijos pastatas, esantis Weihburggasse 9 Vienoje, atspindi tradicinį Vienos architektūros stilių, papildydamas miesto istorinę atmosferą.
