ხატულა/ავტორი
დაბადების ადგილი ჰარტფორდი, ამერიკის შეერთებული შტატები
იდეების არქიტექტორი: სოლ ლევიტის ცხოვრება და მემკვიდრეობა
მეოცე საუკუნის მოდერნიზმის ვრცელ ლანდშაფტში, ცოტა ფიგურას შეუძლია ისეთივე გრძელი ან ინტელექტუალურად ღრმა ჩრდილის დატოვება, როგორსაც სოლომონ ლევიტი აკეთებდა. 1928 წლის 9 სექტემბერს, კონექტიკტის ჰარტფორდში, რუსეთიდან მოსული ებრაელი ემიგრანტების ოჯახში დაბადებული ლევიტის გზა განსაზღვრული იყო წმინდა აზროვნების ძიებით და არა მხოლოდ ფიზიკური შესრულებით. მისი ადრეული წლები დახასიათებული იყო მკაცრი ანალიტიკური ცნობისმოყვარეობით, რაც 1945-დან 1949 წლამდე სირაკუზას უნივერსიტეტში სწავლის შედეგად ჩამოყალიბდა. მათემატიკისა და გეომეტრიის ეს აკადემიური საფუძველი მოგვიანებით მისი სახელოვნებო ენის გულისცემა გახდა, რამაც მას საშუალება მისცა, მოცილებულიყო ტრადიციული ხელოვნების დეკორატიულ ჭარბობას და გამოევლინა ლოგიკისა და სტრუქტურის ძვლოვანი სილამაზე.
ლევიტის ევოლუცია, როგორც ხელოვანისა, არ იყო მოულოდნელი წყვეტა, არამედ შეგნებული მიგრაცია ტანისამድርედოდან კონცეპტუალურისკენ. მიუხედავად იმისა, რომ მისი ადრეული კვლევები ფერწერისა და ნახატის ტაქტილურ ბუნებას მოიცავდა, მან მალევე იპოვა თავი უფრო მეტად მიზიდულად იდეისკენ, რომელიც დგას ნიშნის მიღმა, ვიდრე თავად ნიშნისკენ. ამ ცვლილებამ საფუძველი ჩაუყარა პიონერის დაბადებას, რომელმაც ხიდი ააგო მინიმალიზმსა და კონცეპტუალურ ხელოვნებას შორის. მან დაიწყო ხელოვანის აღქმა არა როგორც ხელოსნის, რომელიც ხელის შეზღუდულიწია, არამედ როგორც ინსტრუქციების არქიტექტორის. შემოქმედებით პროცესში მენტალური გეგმის პრიორიტეტულად დაწესებით, ლევიტმა ეჭვქვეტითავა ავტორობის თავად დეფინიცია და მიუთითა, რომ მას შემდეგ, რაც იდეა ჩნდება, მისი ფიზიკური გამოვლინება მხოლოდ მეორად შედეგს წარმოადგენს.
კედლის ნახატების რევოლუცია
1960-იანი წლების ბოლოს თანამედროვე ხელოვნება ლევიტის საკულტო კედლის ნახატების გამოჩენით ერთ-ერთი ყველაზე რადიკალური ტრანსფორმაციით მოიცვა. ტრადიციული ქანდაკების მუდმივობისა და ძვირფასობის უარყოფით, მან შემოიტანა „სტრუქტურები“ — ტერმინი, რომელსაც „ქანდაკებებზე“ ამჯობინებდა მათ მათემატიკური არსის ხაზგასასმელად — და ინსტრუქციების სერია, რომლის შესრულებაც ნებისმიერს შეეძლო, ვინც მათ მიჰყვებოდა. ეს ნამუშევრები არ იყო მხოლოდ დეკორაცია, არამედ ცოცხალი გამოცდილება, რომელიც ხშირად შედგებოდა ზუსტი გეომეტრიული პატერნებისგან, რკალებისა და გადაჯაჭვული ფორმებისგან, რაც სიცოცხლეს სუნთქავდა იმ არქიტექტურულ სივრცეებში, რომლებშიც ისინი განთავსებული იყო.
ლევიტის კედლის ნახატზე მოწმენა ნიშნავს ლოგიკის პოეზიად გარდაქმნას. შემოერთებოდა თუ არა ეს მკაცრი, რიტმული გამეორება Black with White Lines, Vertical Not Touching-ში, თუ ცოცხალი, ენერგიული ენერგია Wall Drawing #1091: arcs, circles and bands-ში, მისი ნამუშევრები იყენებდა ხაზის ძალას სივრცის დასამორჩილებლად. ეს ნაწარმოებები ხშირად ეყრდნობოდა ლოგიკური, მათემატიკური ინსტრუქციების სისტემას, რომელიც ასისტენტებს ან მუზეუმის მონტაჟორებს წარმართავდა. ამ მეთოდმა დემოკრატიზაცია მოახდინა შემოქმედებითი აქტი და ამავდროულად ამაღლა კონცეფციის მნიშვნელობა, რაც უზრუნველყოფდა, რომ ხელოვნება ფუნდამენტურად ინტელექტუალურ ნაპერწკალად არსებობდეს მანამ, სანამ ის კედელს შეეხება.
ხანგრძლივი შთაბეჭდილება თანამედროვეობაზე
მისი პროლიფიკური კარიერის განმავლობაში, რომელიც ათწლეულებს მოიცავდა და მოიცავდა ოსტატობას გრავიურაში, ფოტოგრაფიასა და ინსტალაციაში, ლევიტი დარჩა ურყევი თავისი ერთგულებით სიცხადისა და სიზუსტის მიმართ. მისმა უნარმა, ეპოვა ღრმა სილამაზე უმარტივეს ფორმებში — როგორიცაა თვალშისაცემი თეთრი პირამიდა ან მისი ფანქრისებრი კედლის ნამუშევრების რთული, ფერადი რიტმები — ხელახლა განსაზღვრა მე-20 საუკუნის ბოლოს ესთეტიკური საზღვრები. მან დაამტკიცა, რომ ხელოვნა შეიძლება შეკვეტოს თავისი ეგო და ორნამენტულობა, თუმცა მაინც შეინარჩუნოს სული, რომელიც ღრმად რეზონირებს ადამიანის სურვილთან — მოვძებნოთ წესრიგი და აღმოჩენა.
სოლ ლევიტის ისტორიული მნიშვნელობის გადაჭარბება შეუძლებელია. მან მისცა ლექსიკა ხელოვანთა თაობებს, რათა მათ შეესწავლათ საზღვრები აზრსა და მატერიას შორის. მისი მემკვიდრეობა ცოცხლობს ყველა მუზეუმსა და გალერეაში, სადაც წვეთდება ხაზი შემქმნელსა და შემსრულებელს შორის და სადაც იდეის ძალა აღიქმება, როგორც უზენაესი მედიუმი. როდესაც მის ცხოვრებას ვუყურებთ, მისი დასაწყისიდან ჰარტფორდში, 2007 წელს ნიუ-იორკში მისი ბოლო დღეებამდე, ჩვენ ვხედავთ ადამიანს, რომელმაც არა მხოლოდ შექმნა ხელოვნება, არამედ გვასწავლა, როგორ დავინახოთ თავად აზრის ღრმა არქიტექტურა.
მუზეუმი
გამოფენილია შემდეგ ადგილზე: Adams, United States of America
ტრანსფორმაციის მონუმენტი: MASS MoCA-ში აღმოჩენა
MASS MoCA, რომელიც მდებარეობს მასაჩუსეტსის ნორთ ადამსის განახლებულ ინდუსტრიულ გულში, უბრალო მუზეუმი არ არის; ეს არის მხატვრულ გამოხატულებასა და არქიტექტურული მემკვიდრეობის ამაყი გადააზრება. ის დაიბადა არნოლდ პრინტ ვორქსის ქსოვილ სამრეწველო ქარხნის ნანგრევებიდან—ადგილი, რომელმაც ერთ დროს ამერიკული წარმოების რითმით აფეთქდა—და ეს გაშლილი კომპლექსი დღეს დგას როგორც ამერიკის ყველაზე ამბიციური სივრცით თანამედროვე ხელოვნებისა და პერფორმანსისთვის, რაც სტუმრებს უნიკალურ გრძნობადოვან გამოცდილებას გვთავაზობს.
ქარხნის ქვადან შედევრამდე: MASS MoCA-ს წარმოშობა
ისტორია იწყება 1870 წელს, როდესაც საილას არნოლდმა დაარსა Arnold Print Works, რომელმაც უნაყოფო ლანდშაფტი აქცია აყვავებულ ქსოვილ სამრეწველო ფაქტრი, რომელიც ათობით ადამიანს იყო დასაქმებული და ჩამოვაყალიბა ბერკშაირის რაიონის ეკონომიკური ქსოვილი. ათწლეულების განმავლობაში, ქარხნის აგურის კედლებში ჟღერდა მანქანების ხმაუშობა, მისი უზარმაზარი დარბაზები გაზიდან ნათდებოდა—მოწმობა ეპოქისა, რომელიც ინდუსტრიული ძალისგან იყო განსაზღვრული. პირველი მსოფლიო ომის შემდეგ, Sprague Electric Company-მ დაიკავა დაწესებულება, განავითარა ელექტრო კომპონენტებში ტექნოლოგიური პროგრესი და გაამყარა ნორთ ადამსი ინოვაციების ცენტრად. თუმცა, 1980-მდე, უამრავი ინდუსტრიული ქალაქის მსგავსად ამერიკაში, MASS MoCA-ს სამშობლოს წინაშე დაღმავალი დგომა მოუწია, რამაც მისი შენობები დატოვა ცარიელი და დავიწყებული. ამ პოტენციალის აღიარების შემდეგ, ხედვითმა მხატვრებმა რიკ რუბინმა და სტივ დიეტზელმა წარმოვიგეს ამ ისტორიული კორპუსების ხელოვნურ თავშესაფრად ტრანსფორმაცია—მამაცი გამოცხადება იმის შესახებ, რომ სი Schönheit შეიძლება გაჩენილიყო დაღუ탈ობიდან.
არქიტექტურა დიალოგად: ინდუსტრიული მემკვიდრეობის მიღება
გადაკეთების პროცესი იყო არქიტექტურული შენარჩუნებისა და შემოქმედებითი გადააზრების უნარაღდი ნამუშევარი. არქიტექტორებმა განზრახ შეინარჩუნეს ქარხნის ბუნებრივი დიდებულება, ჩართეს გამოვლენილი აგურის კედლები, რომლებიც შთამბეჭდავი სიმაღლეებს აღწევდნენ და ფართო სივრცეები, რომლებმაც შეინარჩუნეს თავიანთი ორიგინალური ინდუსტრიული ხასიათი. ეს განზრახვა არ იყო ისტორიის წაშლასთან დაკავშირებული; ეს იყო ხელოვნებისთვის კონტექსტის შექმნა—სივრცე, სადაც მონუმენტური მასშტაბი უახლოვდება ინტიმურ დაფიქრებას. შემდგომმა დამატებებმა, განსაკუთრებით 6-ე შენობამ, რომელიც 2017 წელს გაიხსნა, კიდევ უფრო გააფართოვა მუზეუმის ფერგმენტი, მოერგო დიდი მასშტაბის ინსტალაციებს და ხელახდააწყო უწყვეტი მხატვრულ გამოკვლევის გარემო.
იმერსიული ხელოვნების გამოცდილებები: ტრადიციულ გალერეებს მიღმა
MASS MoCA განსხვავდება ტრადიციული მუზეუმებისგან იმით, რომ პრიორიტეტს ანიჭებს იმერსიულ გამოცდილებებს, რომლებიც აღემატება ტრადიციული გალერეის კედლებს. სტატიკური ნაჩვენებიების ნაცვლად, სტუმრები ხვდებიან მონუმენტურ ქანდაკებებს, გაშლილ მულტიმედიურ პერფორმანსებს და ინტერაქტიულ გარემოებს, რომლებიც შექმნილია ყველა გრძნობის ჩართვისთვის. მუზეუმის კურიატორები უჭერენ მხარს იმ მხატვრებს, ვინც ზღვარებს უბიძგებს—იმ ადამიანებს, ვინც ეჭვქვეშ აყენებს სივრცისა და დროის აღქმას—რაც იწვევს გამოფენებს, როგორიცაა ჯეიმს ტურელის ეثيرული შუქის ინსტალაციები, რომლებიც ჩვენი რეალობის აღქმას ცვლის, ან ლორი ანდერსონის მომხიბლავი ნაზავი მუსიკისა, ისტორიებისა და ტექნოლოგიების.
შენიშნული გამოფენები და მხატვრული მემკვიდრეობა
წარსულმა გამოფენებმა გააძლიერეს MASS MoCA-ს რეპუტაცია როგორც გარდამქმნელი ხელოვნების ადვოკატის. სტივენ ჰანოკის „გაწურილი ოქსბოუ მწვანე შუქით“, რომელიც შუა რკინის მდინარის სკოლის ლანდშაფტური ტრადიციიდან არის შთაგონებული, წარმოადგენს ამ ვალდებულებას მხატვრულ მემკვიდრეობას პატივისცემისა და თანამედროვე ხედვის მიღებისკენ. გარდა ამისა, MASS MoCA აქტიურად უჭერს მხარს რეგიონალურ მხატვრებს და ხელს უწყობს თანამშრომლობას—ეს არის მოწმობა მისი როლის შესახებ ბერკშაირის რეგიონის კულტურული ქვაკუთხედის სახით. მუზეუმის მდგრადი წარმატება ხაზგასმულია ისტორიული სივრცეების გადაგ利用ების გარდაქმნელი ძალაუფლების შესახებ შემოქმედებითი ძალისხმევისთვის.
გამოჩენილი მხატვრები:
Jean Victor Adam, Fernando Botero
შენიშნული გამოფენები:
James Turrell-ის შუქის ინსტალაციები, Laurie Anderson-ის პერფორმანსები
