Mix (Boom)

作家

alexandre da cunha

生誕地 São Paulo, Brazil

The Alchemy of the Discarded: The Art of Alexandre da Cunha

In the hands of Alexandre da Cunha, the debris of urban existence undergoes a profound metamorphosis. A Brazilian-British artist born in Rio de Janeiro in 1969, da Cunha has carved a singular niche in contemporary sculpture by finding extraordinary beauty within the mundane and the forgotten. His practice is not merely one of assembly, but an act of poetic reclamation, where discarded objects—items destined for the refuse bin—are resurrected to tell stories of social history, architectural grandeur, and cultural identity. By stripping away the perceived worthlessness of mass-produced waste, he invites the viewer to reconsider the lifecycle of the objects that surround us and the hidden narratives embedded in their weathered surfaces.

Da Cunha’s artistic lineage is a rich tapestry woven from diverse global influences. His formative years in Brazil, studying at the Fundação Armando Alvares Penteado, provided him with a deep connection to the Neo-Concrete movement, a pivotal moment in Brazilian art history that emphasized the sensory and interactive relationship between the artwork and the spectator. This foundation was later enriched by his postgraduate explorations at the Royal College of Art and the Chelsea College of Arts in London. This dual heritage allows his work to oscillate between the geometric precision of British modernism and the vibrant, tactile materiality of Brazilian abstraction. His aesthetic is further informed by Op art, modernist architecture, and even the classical echoes of Baroque patterns, creating a dialogue between the ancient and the industrial.

Materiality and the Poetics of Reconfiguration

The methodology behind da Cunha’s sculptures is characterized by a meticulous and transformative process. Eschewing traditional sculptural mediums like marble or bronze, he instead seeks out materials such as old skateboards, cleaning mops, and various mass-produced fragments. He approaches these "ready-mades" with the precision of an architect, cutting, joining, and reconfiguring them into monumental forms that command space. There is a profound tension in his work: the contrast between the ephemeral nature of the materials and the permanence of the sculptural form. As he has noted, while an object like a broken skateboard may hold no monetary value, it possesses huge personal value to those who once used it, carrying with it the ghosts of movement and human interaction.

This process of assemblage serves as a vehicle for exploring complex themes:

Social History: Using objects that reflect everyday life to interrogate how culture is consumed and discarded.

Architectural Influence: Drawing inspiration from the sweeping lines and structural logic of modernist urban landscapes.

National Identity: Incorporating flags, iconography, and cultural tropes to explore what it means to belong to a specific place or era.

A Global Presence and Lasting Legacy

The impact of Alexandre da Cunha’s work is felt across continents, with his sculptures residing in major public collections and being exhibited in prestigious galleries worldwide. From solo exhibitions in London and New York to significant showcases in São Paulo, his ability to bridge the gap between the local and the universal has earned him international acclaim. His recent exhibitions, such as These Days at James Cohan in New York and Broken at Thomas Dane Gallery in London, highlight a career dedicated to the continuous interrogation of form and meaning.

Ultimately, da Cunha’s significance lies in his ability to challenge our perceptions of value. In an era defined by rapid consumption and waste, his art serves as a meditative reminder of the potential for renewal. By elevating the "worthless" to the level of high art, he creates a space where history, memory, and materiality converge, ensuring that even the most discarded fragments of our world can find a lasting resonance in the halls of contemporary art.

美術館・博物館

Instituto Inhotim

展示場所 ブルマジーニョ, ブラジル

芸術が息づく聖域

ブラジル、ブルマジーニョの緑豊かな波打つ風景の中に、

インスティトゥ・イニョッチム（Instituto Innotim）

は、地球上の他のどこにもない唯一無二の場所として静かに佇んでいます。ここは単なる美術館や植物園という枠組みを超えた、没入型の体験をもたらす空間です。現代アートと自然が調和して交わり、私たちの既成概念を揺さぶり、五感を呼び覚まします。2004年にベルナルド・パスによって設立されたこの機関は、迫りくる開発の脅威に対する情熱的な応答として誕生しました。パスは、この地域の息を呑むような自然美を守ると同時に、創造性のためのグローバルな舞台を育むことを切望したのです。かつての牧場を芸術的表現の聖域へと変貌させるという野心的なビジョンから始まった物語は、今や人工物と有機物の境界が溶け合い、一つの息を呑むような現実へと昇華された、世界的に名高い聖域へと開花しました。

イニョッチムでの体験を定義づけるのは、その圧倒的な広大さと、同時に感じられる親密さです。5,000エーカーを超える広大な敷地に広がる植物園は、生態学的デザインが生んだ「生きた傑作」といえるでしょう。伝説的なランドスケープ・アーティストである

ロベルト・ブール・マルクス

によって設計された庭園には、ブラジル国内および世界中から集められた驚くべき植物種が誇らしげに並び、その多くは希少なものや絶滅の危機に瀕しているものさえ含まれています。訪れる人々がこの瑞々しい広がりの中を彷彿としながら歩むとき、彼らが出会うのは、単に大地の上に置かれたアートではなく、大地から湧き上がるようにして現れるアートなのです。美術館の建築もまた、従来の規範を打ち破っています。ギャラリーは風景に対して押し付けられたものではなく、あたかも地面から有機的に立ち上がってきたかのように見えます。セルヴァ・エンリケ・コウチーニョやジョアン・パウロ・オリヴェイラ・シルヴァといった先見的な建築家たちによって設計されたこれらの構造物は、周囲の自然環境を補完し、高め、幾何学的な精密さと、手つかずの野生の茂みとの間に美しい対話を生み出しています。

形と自然が織りなす対話

イニョッチムのコレクションは、現代的な芸術媒体への深い賛辞であり、世界中のアーティストによる彫刻、インスタレーション、写真、ビデオ・アートといった多様な作品群を提示しています。そこでは、鬱蒼としたジャングルの天蓋を映し出す

草間彌生

の魅惑的な鏡面構造に目を奪われたり、

エリオ・オイチシカ

が創り出した、インタラクティブで参加型の世界に身を投じたりすることができるのです。それぞれの作品は周囲の環境と相互作用するようにキュレーションされており、風景そのものが作品の能動的な構成要素となっています。この比類なき統合こそが、光、影、そして質感が生きているエコシステムの中でどのように融合していくのか、そのインスピレーションを求めるコレクターやデザイナーにとって、イニョッチムを巡礼の地たらしめているのです。

常設コレクションに留まらず、当研究所は社会や環境に関する切実な問題を掘り下げる画期的な展覧会を定期的に開催しています。近年の展示では、気候変動の複雑さから先住民文化の豊かな遺産に至るまで、幅広いテーマが扱われ、観客を魅了すると同時に、私たちの地球の未来に対する批判的な思考を促してきました。2019年の悲劇的なブルマジーニョ・ダム事故のような困難に直面してもなお、イニョ察ムは驚くべき回復力を示してきました。この場所は、地域の希望と創造性の灯台として機能し続け、地球の貴重な生物多様性を守るという使命においてさえ、美と革新が共存できることを証明しています。アートを愛する者にとって、イニョッチムは単に鑑賞するための場所ではありません。それは、歩みを進め、思索にふけり、芸術と自然が永遠に絡み合う世界の深遠な美に、自らを委ねるための招待状なのです。