Artista
Nato a Haman-gun, Corea del Sud
Lee Ufan: L'Essenza dell'Essere tra Materia e Vuoto
Lee Ufan è un pittore, scultore e accademico minimalista coreano, onorato dal governo del Giappone per aver "contribuito allo sviluppo dell'arte contemporanea in Giappone". L'opera di questo artista, che ha stabilito la sua base in Giappone per lungo tempo, affonda le radici in una profonda sensibilità orientale verso la natura dei materiali, intrecciandosi con la fenomenologia europea moderna. Le origini del movimento Mono-ha possono essere rintracciate nell'articolo di Lee, "Sonzai to mu wo koete Sekine Nobuo ron" (Oltre l'essere e il nulla – una tesi su Sekine Nobuo). Una volta innesato questo impulso iniziale, il Mono-ha si consolidò con la partecipazione degli studenti dello scultore Saito Yoshishige, che insegnava all'Università Tama di Belle Arti all'epoca. Una prova di questa genesi si trova nel libro (場 相 時, Place Phase Time) (primavera, 1970). Lee, principale teorico della tendenza Mono-ha ("scuola delle cose") in Giappone tra la fine degli anni '60 e l'inizio degli anni '70, fu formato come filosofo. Come pittore, ha contribuito alla "pittura monocroma coreana" (Dansaekjo Yesool), il primo movimento artistico del XX secolo in Corea a essere promosso in Giappone. Egli sostiene una metodologia di de-occidentalizzazione e de-modernizzazione, sia nella teoria che nella pratica, come antidoto al pensiero eurocentrico della società giapponese del dopoguerra degli anni '60. Oggi, Lee divide il suo tempo tra Kamakura, in Giappone, e Parigi, in Francia.
Nato a Haman-gun, Gyeongsangnam-do nel 1936, Lee Ufan è cresciuto sotto l'influenza dei genitori e di un nonno confuciano. Dopo aver studiato pittura per soli due mesi al College di Belle Arti dell'Università Nazionale di Seoul, si trasferì a Yokohama, in Giappone, nel 1956, dove conseguì una laurea in filosofia nel 1961. Durante i suoi studi filosofici, Ufan dipingeva con uno stile giapponese tradizionale e misurato, evitando l'astrazione espressiva del contemporaneo movimento giapponese Gutai. Dopo la laurea in Giappone nel 1961, si impegnò attivamente nel movimento per l'unificazione Nord-Sud e contro il regime militare; nel 1964, Lee fu arrestato e torturato dall'Agenzia Centrale di Intelligence coreana (KCIA).
Gli anni iniziali della sua carriera furono dedicati alle professioni di critico d'arte, filosofo e artista. In Giappone, divenne un protagonista attivo nelle turbolenze controculturali legate al movimento Anpo degli anni '60. Emerse alla ribalta alla fine del decennio come uno dei fondatori e leader teorici dell'avanguardia Mono-ha. Il movimento era legato all'Arte Povera degli anni '60 ed è stato il primo movimento d'arte contemporanea giapponese a ottenere un riconoscimento internazionale. La scuola di pensiero Mono-ha rifiutava le nozioni occidentali di rappresentazione, scegliendo di concentrarsi sulle relazioni tra materiali e percezioni piuttosto che sull'espressione o l'intervento dell'artista. L'obiettivo del movimento era abbracciare il mondo nel suo insieme e incoraggiare la fluida coesistenza di innumerevoli esseri, concetti ed esperienze. La posizione di Lee Ufan presso il dipartimento di filosofia dell'Università Nihon di Tokyo gli valse un ruolo distinto come portavoce del movimento. Nel 1973, fu nominato professore alla Tama Art University di Tokyo, dove rimase fino al 2007. È oggi professore emerito della stessa università.
A metà degli anni '70, Lee introdusse in Giappone cinque artisti coreani, successivamente noti come scuola Dansaekjo Whehwa (pittura monocroma), che offrirono un approccio fresco all'astrazione presentando segni gestuali ripetitivi come registrazioni corporee del passaggio perpetuo del tempo. Nelle sue prime serie pittoriche, From Point e From Line (1972–84), Lee combina pigmento minerale macinato con colla di pelle animale, tecnica caratteristica della pittura Nihonga in cui si è formato. Ogni pennellata viene applicata lentamente e si compone di diversi strati: nel punto in cui il pennello tocca per la prima volta la tela, il colore è denso, formando una sorta di "cresta" che si assottiglia gradualmente. Raramente il suo pennello tocca la superficie più di tre volte; l'artista definisce questo concetto yohaku, o l'arte del vuoto. Nelle opere della serie From Point, adottò un metodo simile per produrre una serie sfumante di piccole e discrete pennellate rettangolari. Nel 1991, Lee ha iniziato la sua serie di dipinti "correspondance", composti da solo uno o due tratti blu-grigi, realizzati con una miscela di olio e pigmento di pietra frantumata, applicati su una grande superficie bianca. In media, a Lee occorre circa un mese per completare un dipinto, su tele che misurano tipicamente circa 60 per 90 pollici, sebbene possano variare da pochi centimetri fino a tre metri per lato. Non completa più di 25 opere all'anno.
Le sculture di Lee, che presentano disposizioni disperse di pietre insieme a materiali industriali come lastre d'acciaio, fogli di gomma e vetrate, riconfigurano l'oggetto discreto come una rete di relazioni basata sulla parità tra lo spettatore, i materiali e il sito. Nella sua serie scultorea Relatum, ogni opera è composta da una o più pietre tonde chiare e lastre di ferro scure e rettangolari.
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Museo
In mostra presso Fukuoka, Giappone
Una Porta sulla Modernità Asiatica: Il Fukuoka Asian Art Museum
Immerso nel cuore vibrante di Hakata, nella prefettura di Fukuoka, il Fukuoka Asian Art Museum si erge come un portale unico e profondo verso il dinamico mondo dell'arte moderna e contemporanea proveniente da tutto il continente asiatico. Fondata nel 1999, questa istituzione non è mai stata concepita come un semplice deposito di tesori statici; al contrario, è nata come un ponte deliberato, volto a favorire un dialogo vitale tra culture diverse che sono spesso separate da vaste narrazioni storiche e distanze geografiche. Fukuoka stessa ha a lungo funto da cruciale punto di passaggio, facilitando storicamente il flusso del commercio e dello scambio culturale tra il Giappone e la terraferma asiatica, e il museo incarna magnificamente questa eredità. Esso agisce come un condotto contemporaneo per l'espressione artistica, dove lo spirito dello spazio appare intriso di un'apertura profonda—un invito a esplorare le identità multifaccettate e in continua evoluzione che compongono il ricco panorama artistico del continente.
La collezione del museo è mozzafiato nella sua portata e ambizione, comprendendo oltre 3.000 opere provenienti da ventitré paesi diversi. Non si tratta di una selezione curata focalizzata esclusivamente su maestri affermati; l'istituzione, invece, sostiene attivamente gli artisti emergenti, offrendo loro una piattaforma internazionale per mostrare le proprie visioni uniche. I visitatori possono immergersi in una straordinaria gamma di linguaggi, passando dalla presenza tattile e immediata di dipinti e sculture alle qualità immersive e riflessive delle installazioni su larga scala, fino alla profondità narrativa della video arte. Si può restare incantati dalle opere di
I Dewa Putu Mokoh
, il cui stile folk barocco fonde magistralmente le tradizioni indù-giavanesi con ritratti intimi e profondi della vita balinese, oppure incontrare le tecniche d'avanguardia dell'artista birmano
Saya U Saw Maung
. La collezione cattura proprio le ansie, le aspirazioni e le innovazioni che definiscono la regione oggi, offrendo un riflesso vivo di un continente in trasformazione.
Sebbene la presenza architettonica del museo sia ponderatamente sobria, il suo design gioca un ruolo cruciale nell'esperienza del visitatore. L'edificio è concepito per favorire la contemplazione piuttosto che imporre una dichiarazione grandiosa e distraente; funge da elemento di supporto che permette all'arte di occupare il centro della scena. Questo approccio sottile promuove una connessione senza ostacoli tra l'osservatore e la creazione, consentendo un apprezzamento più profondo delle sfumature di ogni opera—una scelta che riflette l'impegno di Fukuoka verso un'eleganza discreta e la priorità dell'impatto artistico rispetto alla mera ostentazione. È uno spazio progettato per un coinvolgimento silenzioso, dove l'architettura si ritrae per lasciare che i colori vibranti e le trame complesse del modernismo asiatico possano respirare.
Ciò che distingue veramente il Fukuoka Asian Art Museum dai suoi pari globali è la sua incrollabile dedizione all'esposizione di arte
proveniente esclusivamente
dall'Asia. In un'epoca in cui molti musei vantano collezioni enciclopediche che abbracciano ogni continente, questo approccio mirato permette una profondità di coinvolgimento e un'analisi critica che altrimenti sarebbero impossibili. L'esistenza stessa del museo affonda le radici nella missione di rafforzare i legami culturali e abbattere le barriere attraverso il potere della creatività condivisa. Agendo come una vitale porta culturale, esso invita collezionisti, designer e amanti dell'arte a immergersi in narrazioni che celebrano la resilienza e l'innovazione, rendendolo una destinazione essenziale per chiunque cerchi di comprendere il potere trasformativo dell'espressione artistica asiatica.
