De la ligne

Artiste

Lee Ufan

Né(e) à Haman-gun, Corée du Sud

Lee Ufan est un peintre et sculpteur minimaliste coréen, ainsi qu'un universitaire, honoré par le gouvernement japonais pour avoir « contribué au développement de l'art contemporain au Japon ». L'œuvre de cet artiste, établi depuis longtemps au Japon, s'enracine dans une appréciation orientale de la nature des matériaux ainsi que dans la phénoménoglyie européenne moderne. L'origine du mouvement Mono-ha peut être tracée jusqu'à l'article de Lee intitulé « Sonzai to mu wo koete Sekine Nobuo ron » (Au-delà de l'être et du néant – une thèse sur Sekine Nobuo). Une fois cet élan initial donné, le Mono-ha s'est cristallisé avec la participation des étudiants du sculpteur Saito Yoshishige, qui enseignait à la Tama University of Art à l'époque. Une preuve de cette période se trouve dans l'ouvrage Ba Sō Ji (Lieu, Phase, Temps) (printemps 1970). Lee, principal théoricien de la tendance Mono-ha (« l'école des choses ») au Japon à la fin des années 1960 et au début des années 1970, a été formé en tant que philosophe. En tant que peintre, Lee a contribué au « art monochrome coréen » (Dansaekjo Yesool), le premier mouvement artistique du XXe siècle en Corée à être promu au Japon. Il prône une méthodologie de dé-occidentalisation et de dé-modernisation, tant dans la théorie que dans la pratique, comme un antidote à la pensée eurocentrée de la société japonaise d'après-guerre des années 1960. Lee partage aujourd'hui son temps entre Kamakura, au Japon, et Paris, en France.

Né à Haman-gun, Gyeongsangnam-do en 1936, Lee Ufan a été élevé par ses parents et son grand-père confucéen. Lee n'étudia la peinture qu'au sein de la faculté des beaux-arts de l'Université nationale de Séoul pendant deux mois avant de s'installer à Yokohama, au Japon, en 1956, où il obtint un diplôme de philosophie en 1961. Durant ses études de philosophie, Ufan peignait dans un style japonais traditionnel et sobre, évitant l'abstraction expressive du mouvement contemporain japonais Gutai. Après avoir obtenu son diplôme au Japon en 1961, il s'engagea activement dans le mouvement pour l'unification Nord-Sud et contre le régime militaire. En 1964, Lee fut arrêté et torturé par la Korean Central Intelligence Agency (KCIA).

Lee consacra ses premières années professionnelles aux carrières de critique d'art, de philosophe et d'artiste. Au Japon, il devint un participant actif des bouleversements contre-culturels entourant le mouvement Anpo des années 1960. Il s'illustra à la fin des années 1960 comme l'un des fondateurs et leaders théoriques du groupe avant-gardiste Mono-ha. Le mouvement Mono-ha était lié au mouvement Arte Povera des années 1960 et fut le premier mouvement d'art contemporain japonais à obtenir une reconnaissance internationale. L'école de pensée Mono-la rejetait les notions occidentales de représentation, choisissant de se concentrer sur les relations entre les matériaux et les perceptions plutôt que sur l'expression ou l'intervention. Le but du mouvement était d'embrasser le monde dans sa globalité et d'encourager la coexistence fluide de nombreux êtres, concepts et expériences. La position de Lee U-fan au département de philosophie de l'Université Nihon à Tokyo lui permit d'assumer un rôle distingué de porte-parole du mouvement. En 1973, il fut nommé professeur à la Tama Art University de Tokyo, où il resta jusqu'en 2007. Yoshio Itagaki fut l'un de ses étudiants entre 1989 et 1991. Il est aujourd'hui professeur émérite à la Tama Art University.

Au milieu des années 1970, Lee introduisit au Japon cinq artistes coréens, que l'on appellera plus tard l'école Dansaekjo Whehwa (peinture monochrome), qui proposait une approche nouvelle de l'abstraction en présentant des marques gestuelles répétitives comme des enregistrements corporels du passage perpétuit de l'éternité. Dans ses premières séries de peintures, From Point et From Line (1972–84), Lee combine des pigments minéraux broyés avec de la colle de peau animale, caractéristique de la peinture Nihonga pour laquelle il a été formé. Chaque coup de pinceau est appliqué lentement et se compose de plusieurs couches. Là où le pinceau entre en premier contact avec la toile, la peinture est épaisse, formant une « crête » qui s'éclaircit progressivement. Rarement son pinceau touche la surface plus de trois fois. L'artiste appelle cela le yohaku, ou l'art du vide. Dans les œuvres de la série From Point, il adopta une méthode similaire afin de produire une série déclinante de petits coups de pinceau rectangulaires et discrets. En 1991, Lee commença sa série de peintures de correspondance, qui se compose d'un ou deux coups de pinceau bleu-gris, faits d'un mélange d'huile et de pigment de pierre broyée, appliqués sur une grande surface blanche. En moyenne, il faut à Lee environ un mois pour achever une peinture, sur des toiles mesurant généralement environ 60 par 90 pouces, bien que leur taille puisse varier de quelques pouces à 10 pieds de côté. Il ne complète pas plus de 25 œuvres par an.

Les sculptures de Lee, présentant des arrangements dispersés de pierres accompagnées de matériaux industriels tels que des plaques d'acier, des feuilles de caoutchouc et des vitres, reconfigurent l'objet discret en un réseau de relations fondé sur la parité entre le spectateur, les matériaux et le site. Dans sa série sculpturale Relatum, chaque œuvre se compose d'une ou plusieurs pierres rondes de couleur claire et de plaques de fer sombres et rectangulaires.

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Musée

Fukuoka Asian Art Museum

Exposé à Fukuoka, Japon

Une Porte vers la Modernité Asiatique : Le Musée d’Art Asiatique de Fukuoka

Niché au cœur vibrant de Hakata, dans la préfecture de Fukuoka, le Musée d’art asiatique de Fukuoka s'érige comme un portail singulier et profond vers l'univers dynamique de l'art moderne et contemporain du continent asiatique. Fondée en 1999, cette institution n'a jamais eu pour vocation d'être un simple dépositaire de trésors statiques ; elle a plutôt été conçue comme un pont délibéré, favorisant un dialogue vital entre des cultures diverses, souvent séparées par de vastes récits historiques et des distances géographiques. Fukuoka elle-même a longtemps servi de porte d'entrée cruciale, facilitant historiquement les flux commerciaux et les échanges culturels entre le Japon et le continent asiatique, et le musée incarne magnifiquement cet héritage. Il agit comme un conduit contemporain pour l'expression artistique, où l'esprit du lieu semble imprégné d'une ouverture — une invitation à explorer les identités multiformes et en constante évolution qui composent le riche paysage artistique du continent.

La collection du musée est époustouflante par son ampleur et son ambition, englobant plus de 3 000 œuvres provenant de vingt-trois pays différents. Il ne s'agit pas d'une sélection curatée se concentrant uniquement sur des maîtres établis ; au contraire, l'institution soutient activement les artistes émergents, leur offrant une plateforme internationale pour exposer leurs visions uniques. Les visiteurs peuvent s'immerger dans une gamme remarquable de médiums, passant de la présence tactile immédiate des peintures et sculptures aux qualités immersives et réflexives des installations à grande échelle, ainsi qu'à la profondeur narrative de l'art vidéo. On peut se laisser captiver par le travail d'

I Dewa Putu Mokoh

, dont le style baroque folklorique mêle avec maestria les traditions hindou-javanaises à des représentations intimes et habitées de la vie balinaise, ou découvrir les techniques avant-gardistes de l'artiste birman

Saya U Saw Maung

. La collection capture les angoisses, les aspirations et les innovations mêmes qui définissent la région aujourd'hui, offrant un reflet vivant d'un continent en pleine mutation.

Bien que la présence architecturale du musée soit d'une discrétion réfléchie, sa conception joue un rôle crucial dans l'expérience du visiteur. Le bâtiment est conçu pour favoriser la contemplation plutôt que pour imposer une déclaration grandiose et distrayante ; il sert d'élément de soutien permettant à l'art de occuper le devant de la scène. Cette approche subtile favorise une connexion sans entrave entre le spectateur et la création, permettant une appréciation plus profonde des nuances de chaque pièce — un choix qui reflète l'engagement de Fukuoka envers une élégance sobre, privilégiant l'impact artistique à la simple ostentation. C'est un espace conçu pour un engagement silencieux, où l'architecture s'efface pour laisser respirer les couleurs vibrantes et les textures complexes du modernisme asiatique.

Ce qui distingue véritablement le Musée d’art asiatique de Fukuoka de ses pairs mondiaux est son dévouement inébranlable à présenter l'art provenant

uniquement

d'Asie. À une époque où de nombreux musées se targuent de collections encyclopédiques couvrant tous les continents, cette approche ciblée permet une profondeur d'engagement et d'analyse critique qui serait autrement impossible. L'existence même du musée est ancrée dans la mission de renforcer les liens culturels et de démanteler les barrières grâce au pouvoir de la créativité partagée. En agissant comme une porte culturelle vitale, il invite les collectionneurs, les designers et les passionnés d'art à plonger dans des récits qui célèbrent la résilience et l'innovation, en faisant une destination essentielle pour quiconque cherche à comprendre le pouvoir transformateur de l'expression artistique asiatique.