Artiste
Né(e) à Anvers, Belgique
La vie et l'art de Joris Van Son
Né à Anvers, en Belgique, Joris Van Son fut un peintre de natures mortes flamande qui accéda au rang de maître au sein de la Guilde de Saint-Luc d'Anvers lors de l'année de la guilde 1643/1644. Sa production artistique, d'une richesse remarquable, embrassait les divers sous-genres de la nature morte, allant des compositions de fruits aux bouquets de fleurs, en passant par les scènes de banquet, les vanités, les peintures de guirlandes et les pronkstilleven. Il se distinguait également par sa capacité à peindre des natures mortes de poissons illustrant les quatre éléments. Son œuvre, hautement estimée par les collectionneurs de l'époque, figurait dans les collections de négociants tels que Geraert van Dorth et d'artistes comme Victor Wolfvoet.
Le talent technique de Van Son s'exprimait avec une force particulière dans sa maîtrise du rendu des textures, capable de capturer avec une précision presque tactile le velouté d'une pêche. Dans ses célèbres peintures de guirlandes, il collaborait fréquemment avec des maîtres de la figure tels qu' Erasmus Quellinus II, Pieter Boel et Frans Wouters, orchestrant des compositions où des entrelacs de fleurs ou de fruits venaient encadrer des scènes dévotionnelles ou profanes. À la fin des années 1650, son style évolua vers une approche plus sobre, privilégiant des compositions et des palettes plus contenues, comme en témoignent ses représentations de paniers de fruits, de homards ou d'huîtres.
Héritage et famille
La vie personnelle de l'artiste fut marquée par son appartenance, en 1647, à la Sodaliteit van de Bejaerde Jongmans, une société de célibataires pieux. Il épousa Cornelia van Heulens, avec qui il eut une fille, Maria Chatharina, et un fils, Jan Frans. Si Joris Van Son s'éteignit à Anvers en 1667, son fils Jan Frans suivit ses traces pour devenir lui aussi un peintre de natures mortes, exerçant son art en Angleterre. L'atelier de Van Son fut également un lieu de transmission essentiel, servant de terreau fertile à plusieurs de ses élèves, notamment :
Musée
Exposé à Copenhague, Danemark
L'Histoire et les Origines du Statens Museum for Kunst
L'histoire du Statens Museum for Kunst remonte aux collections d'art privées amassées par les monarques danois. Ces trésors royaux ont constitué le socle de ce qui allait devenir le plus grand musée d'art du Danemark. Bien que les racines de l'institution soient intimement liées à ces collections souveraines, son établissement formel est marqué par deux dates charnières. Le musée fut fondé en 1824 et, plus tard, en 1896, il prit sa dimension actuelle. Cette évolution témoigne d'une transition profonde, passant d'un usage privé réservé à la cour à une véritable mission publique. L'objectif fondateur était d'offrir au peuple l'accès à l'art, sortant ces chefs-d'œuvre de l'isolement des palais pour les offrir à un espace partagé.
La présence physique du musée est magnifiée par son architecture néoclassique. Conçu par Christian Lassen en 1894, l'édifice occupe une position centrale à Copenhague, au Danemark. Sa façade imposante, caractérisée par des colonnes majestueuses et des détails complexes, reflète les aspirations architecturales de la fin du XIXe siècle. La structure a été pensée comme un grand espace civique, une demeure permanente pour l'histoire visuelle de la nation. Entre ces murs, le passage de la sphère privée au domaine public est palpable, l'architecture elle-même cherchant à honorer l'héritage des œuvres qu'elle abrite.
Une Collection d'Art Diversifiée et Exhaustive
La collection englobe plus de 260 000 pièces, retraçant une lignée de créativité qui s'étend sur sept siècles. Ces collections incluent l'art européen de la Renaissance jusqu'à nos jours, offrant un regard continu sur l'évolution des esthétiques. Entre ces murs, on découvre des manuscrits enluminés du début du Moyen Âge qui précèdent les mouvements plus modernes. Le musée accorde une importance primordiale à l'art danois et nordique, veillant à ce que l'identité régionale demeure au cœur de l'expérience.
L'ampleur même des collections, qui comprennent 240 000 œuvres, permet une étude approfondie de l'évolution de l'expression artistique. La présence d'œuvres issues des sept derniers siècles offre un sentiment de continuité historique. Chaque pièce s'impose comme une présence physique, de la délicatesse des détails des manuscrits anciens aux vastes toiles des époques ultérieures. La richesse de la collection permet de rendre visible, en permanence, l'évolution de la forme et de la couleur.
Le Testament d'Eudamidas, 1653
Portrait d'un homme, 1575
La Famille Nathanson, 1818
Un enterrement, 1891
Chefs-d'œuvre et Artistes de Renom
La collection embrasse toute l'étendue de l'art européen, de la Renaissance à l'époque contemporaine. On y côtoie de grands maîtres tels que Mantegna et Rubens, aux côtés des esthétiques changeantes des siècles suivants. L'Âge d'Or danois demeure un pilier central des collections, offrant une clarté singulière de la forme et de la lumière. Dans ces murs, les œuvres de Matisse et de Derain occupent une place prépondérante, notamment par la manière dont la couleur et la structure interagissent sur la toile.
Le dialogue entre les traditions historiques et l'expression contemporaine est constant. Des œuvres majeures d' Edvard Munch et de Vilhelm Hammershøi invitent à une contemplation silencieuse de la condition humaine. Tandis que les toiles les plus anciennes évoquent des héritages établis, l'inclusion d'artistes tels qu'Abramovic, Danh Vo, ou le duo Elmgreen & Dragset, injecte la tension de l'ère moderne dans ce même espace. Cette proximité permet une comparaison directe entre les techniques classiques du passé et la nature expérimentale de la pratique artistique actuelle.
La Joie de vivre (étude), vers 1905 - Henri Matisse
Pierrot, vers 1915 - Amedeo Clemente Modigliani
Le Testament d'Eudamidas, 1653 - Nicolas Poussin
Portrait d'un homme, 1575 - El Greco
