Taiteilija
Syntynyt Kansas City, Yhdysvallat
Värin alkemisti: Paul Jenkinsin elämä ja perintö
Paul Jenkins seisoo ainutlaatuisena hahmona amerikkalaisen abstraktin ekspressionismin maisemassa, mestarina, joka muutti kankaan nestemäisen liikkeen ja valovoimaisen löytöretkeilyn näyttämöksi. Vuonna 1923 Kansas Cityssä, Missourissa syntynyt taiteellinen matka sai alkunsa muodollisella koulutuksella New Yorkin Art Students Leaguessa Yasuo Kuniyoshin johdolla. Tämä varhainen mentorointi oli syvällistä ja kasvatti arvostusta japanilaista estetiikkaa kohtaan, mikä myöhemmin täytti hänen työnsä herkällä tasapainolla ja orgaanisella sulavuudesta. Jenkins ei ainoastaan maalannut; hän orkestroi tanssin pigmentin ja painovoiman välillä luoden visuaalisen kielen, joka siirtyi pois esittävästä kuvastosta kohti syvän emotionaalista, lyyristä abstraktiota.
Hänen uransa kulku muuttui peruuttamattomasti vuonna 1953 muutosvoimaisen Euroopan-matkan aikana. Hänen aikansa Sisiliassa, erityisesti Taorminan eläväisessä ilmapiirissä, toimi katalyyttinä uudelle tavalle nähdä maailma. Tämä välimerellinen uppoutuminen laajensi hänen horisonttiaan ja vahvisti hänen sitoutumistaan kokeiluun, mikä lopulta ajoi hänet kohti Pariisia. New Yorkin ja Pariisin älyllisessä ja luovassa sulatusuunissa Jenkins navigoi vuosisadan puolivälin modernismin dynaamisissa virtauksissa vakiinnuttaen ateljeotyylin, joka uudelleenmääritteli taiteen rajat vallankumouksellisen "phenomena"-tekniikkansa kautta.
Virtauksen mestaruus ja Phenomena-tekniikka
Jenkinsin panoksen ytimessä taidehistoriaan on hänen allekirjoittamansa menetelmä, prosessi, joka siltoja rakensi huolellisen tarkoituksen ja luonnon kauniin ennustamattomuuden välille. Yhdistämällä Goethen väriteorioita käytäntöönsä, hän alkoi kerrostaa pigmentejä eripaksuisina virtoina kankaan yli. Nämä eivät olleet pelkkiä satunnaisia eleitä; ne olivat tarkasti harkittuja valumia, joiden tarkoituksena oli luoda lumoavia kuvioita ja tekstuureja. Tämä lähestymistapa antoi hänelle mahdollisuuden vangita "phenomena" eli ilmiöiden tuntu – termi, joka toimi sekä käsitteellisenä ankkurina että tapana tutkia havainnoinnin ydintä.
Hänen teoksissaan, kuten puhuttelevassa Untitled (664) tai energisessä Phenomena compass bearing -maalauksessa, voi todistaa valon ja nesteen henkeäsalpaavaa vuorovaikutusta. Hänen tekniikkaansa kuuluivat:
Kerrostettu pigmentaatio: Ohuiden, läpikuultavien lasitusten huolellinen levittäminen, joka luo vaikutelman loputtomasta syvyydestä.
Hallittu sattuma: Painovoiman ja nestedynamiikan tietoinen hyödyntäminen orgaanisten, arvaamattomien muotojen tuottamiseksi.
Lyyristä abstraktiota: Virtaavan värin käyttö herättämään emotionaalisia vasteita sen sijaan, että se esittäisi fyysisiä objekteja.
Käsitteellinen nimeäminen: "Phenomena"-etuliitteen käyttö yhdistämään hänen visuaaliset tutkimuksensa tiettyihin avainsanoihin tai henkilökohtaisiin havaintoihin.
Pysyvä jälki abstraktissa ekspressionismissa
Paul Jenkinsin historiallinen merkitys piilee hänen kykyssään kehittää aikansa keskustellut tiputustekniikat joksikin eteerisemmäksi ja ilmakehällisemmäksi. Vaikka häntä verrataan usein Jackson Pollockin raakaan energiaan, Jenkinsin työssä on ainutlaatuinen, läpikuultava laatu, joka tuntuu enemmän taivaalliselta tapahtumalta kuin fyysiseltä kamppailulta. Hänen kykynsä vangita dynaaminen energia niin vesiväreillä kuin öljyilläkin – kuten nähdään eläväisessä Untitled (872) -teoksessa – varmisti hänen paikkansa lyyrisen abstraktion uranuurtajana.
Pitkän ja hedelmällisen uransa aikana, joka ulottui New Yorkin varhaisista opinnoista aina vuoteen 2012 asti, Jenkins pysyi uskollisena ajatukselle, että taide on löytämisen teko. Hänen perintönsä löytyy jokaisesta virtaavasta viivasta ja jokaisesta leviävästä sävystä, joka kutsuu katsojan katoamaan puhtaan värin maailmaan. Hän säilyy elintärkeänä hahmona kaikille, jotka pyrkivät ymmärtämään tieteellisen teorian, spontaanin liikkeen ja abstraktin muodon syvän emotionaalisen voiman risteyskohtaa.
Museo
Näytteillä paikassa New York, Yhdysvallat
Amerikkalaisen hengen turvasatama
Astuminen Whitney Museum of American Art -musealiin on kuin siirtyminen kansakunnan sielun elävään kronikkaan. Manhattanin Meatpacking Districtin sykkivässä sydämessä sijaitseva museo on paljon enemmän kuin pelkkä kankaiden ja kiviveistosten säilytyspaikka; se on syvä todistus Gertrude Vanderbilt Whitin vision voimasta. Hän uskoi, että amerikkalainen luovuus ansaisi oman näyttämönsä, vapaana eurooppalaisten perinteiden heittämistä raskaisista varjoista. Vuodesta 1930 lähtien instituutio on toiminut amerikkalaisen identiteetin elävänä sykkivänä pisteenä, taltioiden Ashcan Schoolin karun todellisuuden, Edward Hopperin kaupunkimaisemien hauntavan yksinäisyyden sekä nykytaiteen liikkeiden sähköisen ja rajoja rikkovan energian. Tarkkanäköiselle keräilijälle tai estetiikan ystävälle Whitney tarjoaa vertaansa vailla olevan matkan visuaalisen kielen kehitykseen, joka on ainutlaatuista ja tinkimättömän amerikkalaista.
Museon fyysinen olemus on yhtä lailla taideteos kuin sen sisältämät mestariteokset. Siirtyessään historiallisesta brutalistisesta kodistaan Madison Avenuelta nykyiseen arkkitehtoniseen ihmeeseensä Gansevoort Streetille, Whitney asuu nyt legendaarisen Renzo Pianon suunnittelemassa rakennuksessa. Tämä tilallisen sulavuuden mestariteos määritellään valon ja maiseman henkeäsalpaavan integraation kautta. Rakennuksen suunnittelussa on ensisijaisen tärkeää vaivaton yhteys sisätilojen gallerioiden ja ulkopuolella vellovan kaupungin välillä, hyödyntäen laajoja terasseja, jotka tarjoavat avarat näkymät Hudson-joelle. Sisustussuunnittelijoille ja arkkitehdeille museo toimii oppituntina siitä, kuinka valoa voidaan käyttää herättämään eloon tekstuuri ja pigmentti; galleriat kylpevät pehmeässä, hajavalossa, joka antaa Georgia O’Keeffen rohkeiden abstraktioiden tai Andy Warholin provokatiivisen Pop Taiteen resonoida niiden todellisella, tarkoitettu intensiteetillä.
Se, mikä Whitneyta todella erottaa muista, on sen rooli kulttuurisena barometrinä, mikä näkyy erityisesti arvostetun Whitney Biennalin kautta. Vuodesta 1932 lähtien tämä toistuva näyttely on toiminut ennustavana ikkunana tulevaisuuteen, esitellen nousevia kykyjä ja sytyttäen niitä kiivaita väittelyitä, jotka määrittelevät nykyajan. Itse kokoelma – hämmästyttävä yli 21 000 teoksen kokonaisuus – ei ole staattinen arkisto, vaan hengittävä organismi. Se liikkuu saumattomasti 1900-luvun alun karusta realismista tämän päivän monimutkaisiin multimediallisia installaatioihin. Tämä innovaation jatkuvuus tekee Whitneystä välttämättömän kohteen niille, jotka pyrkivät ymmärtämään modernin ajattelun kehityskulkua. Olipa vierailija vaeltamassa pysyvien gallerioiden hiljaisessa pohdiskelussa tai kokemassa uuden biennalin korkeaenergistä voimaa, hän löytää itsensä osaksi jatkuvaa keskustelua siitä, mitä tarkoittaa luoda ja olla olemassa ikuisesti muuttuvassa amerikkalaisessa maisemassa.
