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Self portrait
Reproducción al óleo pintada a mano desde $181 27 × 37 cm
Tamaño original $289 60 × 76 cm Comprar en tamaño original →
Self portrait (1927) es la pintura más famosa de Ivan Ivarson, conservada en el National Portrait Gallery of Sweden en Strängnäs. De las 1 obras de Ivan Ivarson en nuestro catálogo, estas son las 1 que los coleccionistas y visitantes de museos más consultan, con su año, el museo y la historia de cada una.
Clasificado según nuestra puntuación de popularidad, que combina las búsquedas, visitas y pedidos de cada obra. Actualizado noviembre 2026. Cada obra maestra de esta página puede pedirse como una reproducción al óleo pintada a mano de calidad de museo o como una impresión de bellas artes, en el tamaño que elija.
El museo que alberga la mayor parte de las obras de esta página.
| Museos | Ciudad | Obras de Ivan Ivarson | Pinturas de esta lista |
|---|---|---|---|
 National Portrait Gallery of Sweden |
Strängnäs | 1 | Self portrait |
1927 es el año de cada obra maestra de Ivan Ivarson fechada en esta página: aquí las tiene, en orden de fama.
Self portrait (1927)
27 años: Self portrait data de 1927 y Ivan Ivarson nació en 1900.
Nuestro catálogo incluye 1 obras de Ivan Ivarson.
La mayoría se encuentran en National Portrait Gallery of Sweden (Strängnäs). La tabla anterior enumera los museos uno por uno.
Sí. Todas las pinturas de esta página pueden pedirse como una reproducción al óleo pintada a mano de calidad de museo o como una impresión de bellas artes, en el tamaño que elija, desde la propia página de la pintura.
Nacido el 20 de julio de 1900 en Gotemburgo, Suecia, Ivan Ivarson vivió una existencia que osciló entre los rincones tranquilos de su hogar y la luz radiante del Mediterráneo. Sus primeros años transcurrieron bajo el aprendizaje en la Escuela de Pintura Valands, de 1922 a 1925, bajo la tutela de Tor Bjurström. Durante este periodo, residió en una villa familiar en Hagen, Långedrag; los colores que emplearía más tarde se convertirían en una parte tan esencial de su identidad como los propios lugares que habitó.
En 1927 y 1928, sus viajes lo llevaron a través de Francia e Italia, travesías que transformaron su pincelada a medida que la luminosidad mediterránea comenzaba a bañar sus lienzos. En las pinturas de Pierre Bonnard encontró una fuente de inspiración inagotable. Para 1929, se había trasladado a Helsingør para trabajar en el estudio de Carl Kylberg. Su matrimonio con la artista Märta Taube en 1928 marcó una etapa de profunda productividad, donde su hijo Per aparece retratado en muchas de las obras creadas durante su estancia en Stenungsön.
Los años finales trajeron consigo cambios geográficos y personales. Tras su divorcio en 1932, regresó a Gotemburgo, centrando gran parte de su atención en motivos urbanos. Finalmente, se trasladó a Francia en busca de un clima más suave para su salud debilitada, falleciendo en París el 26 de junio de 1939, a la temprana edad de 39 años.
La aproximación de Ivarson al lienzo estuvo definida por una relación intensa con el color. En una ocasión, llegó a expresar su deseo de poder comerse el color, un sentimiento que se refleja en el uso generoso y denso del pigmento. A menudo se le asocia con un tono específico conocido como Ivarsonblått, un azul ultramar profundo que frecuentemente combinaba con rojos, verdes y amarillos. Su técnica se basaba en una pincelada rápida y una coloración audaz, donde los contornos a menudo parecían difuminarse o disolverse en la luz circundante.
Su obra se distingue por elementos fundamentales:
Los temas que elegía solían estar arraigados en lo cotidiano. Pintó flores en jarrones, cosechas de frutas y la bulliciosa actividad de los puertos. Incluso al representar paisajes urbanos como el Stora Tullhuset en Gotemburgo, el foco permanecía en la interacción entre la luz y el color con las estructuras.
Como miembro del grupo Color y Forma en Estocolmo y parte de los colegiales de Gotemburgo, Ivarson ayudó a dar forma a un movimiento específico dentro del arte sueco. Su obra permanece resguardada en diversas colecciones significativas, asegurando que su lenguaje visual continúe siendo objeto de estudio en entornos institucionales. Sus pinturas pueden encontrarse en:
La permanencia de su obra reside en la manera en que capturó la atmósfera de una era específica a través del pigmento puro. Ya se tratara de una calle en Saint-Georges-de-Dideone o de un sencillo bodegón, el centro de atención siempre fue la presencia física de la propia pintura.