Desde la línea

Artista

Lee Ufan

Nacido en Haman-gun, Corea

Lee Ufan es un pintor y escultor minimalista, así como académico coreano, distinguido por el gobierno de Japón por haber "contribuido al desarrollo del arte contemporáneo en Japón". La obra de este artista, quien ha residido durante largo tiempo en territorio japonés, hunde sus raíces en una apreciación oriental de la naturaleza de los materiales y, simultáneamente, en la fenomenología europea moderna. El origen del movimiento Mono-ha puede rastrearse hasta el artículo de Lee titulado "Sonzai to mu wo koete Sekine Nobuo ron" (Más allá del ser y la nada: una tesis sobre Sekine Nobuo). Tras este impulso inicial, el Mono-ha se consolidó con la participación de los alumnos del escultor Saito Yoshishige, quien enseñaba en la Universidad de Arte Tama en aquel entonces; una evidencia de este proceso se halla en el libro (場 相 時, lugar fase tiempo) de la primavera de 1970. Lee, principal teórico de la tendencia Mono-ha ("escuela de las cosas") en Japón a finales de los años 60 y principios de los 70, fue formado como filósofo. Como pintor, contribuyó al "arte monocromo coreano" (Dansaekjo Yesool), el primer movimiento artístico del siglo XX en Corea promovido en Japón. El artista aboga por una metodología de desoccidentalización y desmodernización, tanto en la teoría como en la práctica, como un antídoto frente al pensamiento eurocéntrico de la sociedad japonesa de la posguerra. Actualmente, Lee divide su tiempo entre Kamakura, Japón, y París, Francia.

Nacido en Haman-gun, Gyeongsangnam-do, en 1936, Lee Ufan creció bajo la tutela de sus padres y de un abuelo confuciano. Tras estudiar pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Seúl durante apenas dos meses, se trasladó a Yokohama, Japón, en 1956, donde obtuvo su licenciatura en Filosofía en 1961. Durante sus estudios filosóficos, Ufan pintaba con un estilo japonés tradicional y contenido, evitando la abstracción expresiva del contemporáneo movimiento japonés Gutai. Tras graduarse en Japón en 1961, se involucró activamente en los movimientos de unificación norte-sur y contra el régimen militar; en 1964, Lee fue arrestado y torturado por la Agencia Central de Inteligencia de Corea (KCIA).

Sus primeros años profesionales transcurrieron entre las labores de crítico de arte, filósofo y artista. En Japón, se convirtió en un participante activo de las convulsiones contraculturales que rodearon el movimiento Anpo de los años 60. Alcanzó la prominencia a finales de esa década como uno de los fundadores y líderes teóricos del vanguardista grupo Mono-ha. Este movimiento, vinculado al Arte Povera de los años 60, fue la primera corriente artística contemporánea de Japón en obtener reconocimiento internacional. La escuela de pensamiento Mono-ha rechazaba las nociones occidentales de representación, optando por centrarse en las relaciones entre los materiales y las percepciones, en lugar de la expresión o la intervención. El objetivo del movimiento era abrazar el mundo en su totalidad y fomentar la coexistencia fluida de numerosos seres, conceptos y experiencias. La posición de Lee Ufan en el departamento de filosofía de la Universidad Nihon en Tokio le otorgó un papel distinguido como portavoz del movimiento. En 1973, fue nombrado profesor de la Universidad de Arte Tama en Tokio, institución donde permaneció hasta 2007 y de la cual es hoy profesor emérito.

A mediados de la década de 1970, Lee introdujo en Japón a cinco artistas coreanos que más tarde serían conocidos como la escuela Dansaekjo Whehwa (pintura monocroma), la cual ofrecía un enfoque fresco de la abstracción al presentar marcas gestuales repetitivas como registros corporales del paso perpetuo del tiempo. En sus primeras series pictóricas, From Point y From Line (1972–84), Lee combina pigmento mineral molido con cola de piel animal, técnica característica de la pintura Nihonga en la que fue entrenado. Cada pincelada se aplica lentamente y se compone de varias capas; allí donde el pincel hace el primer contacto con el lienzo, la pintura es espesa, formando una "cresta" que se vuelve gradualmente más ligera. Rara vez su pincel toca la superficie más de tres veces, un concepto que el artista denomina yohaku o el arte del vacío. En las obras de la serie From Point, adoptó un método similar para producir una serie desvanecida de pequeñas y discretas pinceladas rectangulares. En 1991, Lee inició su serie de pinturas de correspondencia, que consisten en apenas una o dos pinceladas de color azul grisáceo, hechas de una mezcla de aceite y pigmento de piedra triturada, aplicadas sobre una gran superficie blanca. En promedio, a Lee le toma cerca de un mes terminar una pintura en lienzos que suelen medir unos 60 por 90 pulgadas, aunque pueden variar desde unas pocas pulgadas hasta 10 pies por lado, completando no más de 25 obras al año.

Sus esculturas, que presentan arreglos dispersos de piedras junto con materiales industriales como placas de acero, láminas de caucho y paneles de vidrio, reconfiguran el objeto discreto como una red de relaciones basada en la paridad entre el espectador, los materiales y el sitio. En su serie escultórica Relatum, cada obra se compone de una o más piedras redondas de color claro y placas de hierro oscuras y rectangulares.

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Museo

Fukuoka Asian Art Museum

En exposición en Fukuoka, España

Una Puerta a la Modernidad Asiática: El Museo de Arte Asiático de Fukuoka

Enclavado en el vibrante corazón de Hakata, dentro de la prefectura de Fukuoka, el Museo de Arte Asiático de Fukuoka se erige como un portal singular y profundo hacia el dinámico mundo del arte moderno y contemporáneo de todo el continente asiático. Fundada en 1999, esta institución nunca tuvo la intención de ser simplemente otro repositorio de tesoros estáticos; por el contrario, fue concebida como un puente deliberado, fomentando un diálogo vital entre diversas culturas que a menudo están separadas por vastas narrativas históricas y distancias geográficas. La propia Fukuoka ha servido durante mucho tiempo como una puerta de entrada crucial, facilitando históricamente el flujo del comercio y el intercambio cultural entre Japón y el continente asiático, y el museo encarna bellamente este legado. Actúa como un conducto contemporáneo para la expresión artística, donde el espíritu del espacio se siente imbuido de una apertura: una invitación a explorar las identidades multifacéticas y en constante evolución que conforman el rico paisaje artístico del continente.

La colección del museo es asombrosa en su alcance y ambición, abarcando más de 3,000 obras procedentes de veintitrés países diferentes. No se trata de una selección curada centrada únicamente en maestros consagrados; en su lugar, la institución defiende activamente a los artistas emergentes, proporcionándoles una plataforma internacional para mostrar sus visiones únicas. Los visitantes pueden sumergirse en una notable variedad de medios, pasando de la presencia táctil inmediata de pinturas y esculturas a las cualidades inmersivas y reflexivas de las instalaciones a gran escala y la profundidad narrativa del videoarte. Uno podría encontrarse cautivado por la obra de

I Dewa Putu Mokoh

, cuyo estilo folclórico barroco combina magistralmente las tradiciones hindú-javanesas con representaciones íntimas y conmovedoras de la vida balinesa, o encontrarse con las técnicas vanguardistas del artista birmano

Saya U Saw Maung

. La colección captura las mismas ansiedades, aspiraciones e innovaciones que definen a la región hoy en día, ofreciendo un reflejo vivo de un continente en evolución.

Si bien la presencia arquitectónica del museo es sutil y cuidadosamente sobria, su diseño juega un papel crucial en la experiencia del visitante. El edificio ha sido concebido para potenciar la contemplación en lugar de imponer una declaración grandiosa o distractora; sirve como un elemento de apoyo que permite que el arte ocupe el escenario principal. Este enfoque sutil fomenta una conexión sin obstáculos entre el espectador y la creación, permitiendo una apreciación más profunda de los matices de cada pieza, una elección que refleja el compromiso de Fukuoka con la elegancia discreta y la prioridad del impacto artístico sobre la mera ostentación. Es un espacio diseñado para el compromiso silencioso, donde la arquitectura se retira para dejar respirar los colores vibrantes y las texturas complejas del modernismo asiático.

Lo que realmente distingue al Museo de Arte Asiático de Fukuoka de sus homólogos globales es su inquebrantable dedicación a exhibir arte

exclusivamente

de Asia. En una era en la que muchos museos presumen de colecciones enciclopédicas que abarcan todos los continentes, este enfoque centrado permite una profundidad de compromiso y análisis crítico que, de otro modo, sería imposible. La existencia misma del museo tiene sus raíces en la misión de fortalecer los lazos culturales y desmantelar barreras a través del poder de la creatividad compartida. Al actuar como una puerta de entrada cultural vital, invita a coleccionistas, diseñadores y amantes del arte por igual a profundizar en narrativas que celebran la resiliencia y la innovación, convirtiéndolo en un destino esencial para cualquiera que busque comprender el poder transformador de la expresión artística asiática.