Die Schwere der Farbe
In den stillen Räumen eines Ateliers arbeitet Angelika Sieger mit einer Konzentration, die das Vergehen der Zeit scheinbar ignoriert. Ihr Prozess ist einer der Reduktion, ein langsames Abtragen des Unwesentlichen, bis nur noch die Essenz eines Ortes übrig bleibt. Sie sucht nicht danach, eine Landschaft durch wörtliche Linien zu replizieren, sondern vielmehr durch das Zusammenspiel von Licht und Schatten. Es ist eine Methode der Übersetzung, bei der eine wahrgenommene Ansicht zu einer Abfolge von Formen und Tönen destilliert wird. Oft verbringt sie Wochen an einer einzigen Leinwand, kehrt immer wieder zu denselben Markierungen zurück und sucht nach dem exakten Gleichgewicht, in dem eine Farbe ihren Platz gegenüber einer anderen findet.
Ihre Leinwände sind großformatig, oft erreichen sie eine Höhe und Breite von zwei Metern. Dieser Maßstab erlaubt es der Ölfarbe, zu atmen und sich zu bewegen. Sie bevorzugt naturfarbene oder ungebleichte Baumwollleinwand und grundiert diese nur mit klarem Acryl, um eine spezifische Beziehung zur Oberfläche zu bewahren. Die Farbe ruht nicht passiv auf dem Gewebe; sie begegnet dem Betrachter mit einer gewissen Wucht. Es liegt eine Spannung in der Platzierung der Farbtöne, ein Ringen um das Gleichgewicht zwischen dem Kraftvollen und dem Subtilen.
Die Sprache der Abstraktion
Die Entwicklung ihres Werkes ist eng mit den Orten verbunden, die sie bewohnt hat. Ein Umzug von der bayerischen Landschaft zu den Inseln der Kykladen in Griechenland brachte einen Wandel in ihrer Wahrnehmung der Welt mit sich. Das Licht von Paros veränderte die Art und Weise, wie sie ihre Palette handhabt. Ihr Schaffen wird durch mehrere technische und thematische Entscheidungen definiert:
- Die Verwendung großformatiger Ölgemälde auf ungebleichter Baumwolle.
- Ein Fokus auf die Reduktion von Landschaften in essenzielle Formen und Farbflächen.
- Das Streben nach Spannung zwischen verschiedenen Nuancen der Farbe.
- Eine Lehrtätigkeit an der Kunstakademie EigenArt und auf der Insel Paros.
Ihre Ausbildung in München legte das Fundament für diesen Ansatz. Im Studium bei Professoren wie Weißhaar, Lang und Jerry Zeniuk entwickelte sie eine Arbeitsweise, in der die Farbe das primäre Subjekt ist. Sie behandelt Farbe als eine physische Präsenz, als etwas, das eine Form halten oder eine Grenze definieren kann, ohne dass eine gezeichnete Kontur nötig wäre. Es ist eine Malweise, die den Kern einer Erinnerung oder einer Empfindung sucht.
Präsenz und Erinnerung
Die Werke in den Bayerischen Staatsgemäldesammlungen in München, wie etwa Wintry aus dem Jahr 2009, spiegeln dieses Bekenntnis zum Wesentlichen wider. Selbst wenn das Thema eine Jahreszeit oder ein ganz spezifisches Licht ist, bleibt das Ergebnis eine Abstraktion, die in etwas Realem verwurzelt scheint. Sie sucht nach der „Kurzschrift“ einer Landschaft – der minimalen Anzahl an Linien und Formen, die nötig ist, um die Erinnerung an einen Ort im Betrachter auszulösen. Diese Ökonomie der Mittel ist nicht leicht zu erreichen; es ist eine Fertigkeit, die durch jahrelange, repetitive, tägliche Arbeit entwickelt wurde. Ihre Gemälde sind keine bloßen Dekorationen, sondern das Ergebnis einer langen, oft nächtlichen Beschäftigung mit dem Gleichgewicht des Bildrahmens.
