Künstler/in
Geboren in Berlin, Deutschland
Die prägenden Jahre und frühen Werke
Geboren in Berlin, Deutschland, war Ernst Wilhelm Nay das zweite von sechs Kindern. Nach seinem Schulabschluss an der Provinzschule Pforta in Thüringen begann er eine Ausbildung zum Buchhändler in Berlin, bevor er sich der Malerei zuwandte. Sein Talent wurde von Karl Hofer an der Kunsthochschule in Berlin erkannt, der ihm ein Stipendium ermöglichte und ihn in seine Malerei-Klasse aufnahm. Während seines Studiums lernte er seine spätere Ehefrau Helene Kirchner kennen, die dort als Modell arbeitete.
Sein frühes künstlerisches Schaffen umfasste autodidaktisch gemalte Landschaften und Porträts. Während eines Aufenthalts in Rom schuf er surrealistisch-abstrakte Bilder, darunter Stillleben im Kleinformat, die Muscheln oder Würmer darstellten. Seine Arbeiten in den 1930er Jahren umfassten die „Strandbilder“ von Bornholm und die „Fischerzeichnungen“, bei denen er Feder und Tusche nutzte, um das Treiben der Fischer und die Bewegung der Boote in freie Linienkunst zu übersetzen.
Stilistische Entwicklung und Spätphasen
Nays Karriere war durch mehrere deutliche Entwicklungsphasen gekennzeichnet. Im Anschluss an seine Zeit in Frankreich während des Krieges schuf er die „Hekatebilder“ und später die „Fugenbilder“. In Köln entwickelte er die „Scheibenbilder“, in denen die kreisförmige Gestalt der Scheibe zu einem dominanten Motiv wurde. Diese Periode war zudem durch die Veröffentlichung seines Manifests „Vom Gestaltwert der Farbe“ geprägt.
Sein Spätwerk umfasste mehrere bemerkenswerte Serien:
Nay starb in Köln und hinterließ ein Lebenswerk, das sich von figurativen Landschaften hin zu komplexen, gegenstandslosen Kompositionen entwickelte.
Museum
Ausgestellt in Frankfurt am Main, Deutschland
Ursprung und Geschichte des Städel Museum
Die Wurzeln des Städel Museum reichen bis in die private Sammlung von Johann Friedrich Städel zurück, einem Frankfurter Bankier und bedeutenden Kunstmäzen. Was 1815 als bürgerliche Stiftung konzipiert wurde, fand seine formelle Geburtsstunde im Jahr 1817. Städels Vision war es, sein kostbares Erbe zu bewahren und der Öffentlichkeit den Zugang zu jener Kunst zu ermöglichen, die er auf seinen Reisen und durch seine geschäftlichen Aktivitäten zusammengetragen hatte. Sein Vermächtnis war beeindruckend und umfasste fast 500 Gemälde, 4.600 Zeichnungen und 10.000 Druckgrafiken.
Die physische Präsenz der Institution hat sich dabei stetig mit ihrer wachsenden Sammlung weiterentwickelt. Im Jahr 1833 bezog das Museum sein erstes Ausstellungsgebäude in der Neuen Mainzer Straße. Schließlich fand die Sammlung an ihren heutigen Standort am Sachsenhäuser Ufer des Mains, den sie bereits seit 1878 bewohnt. Dieser Umzug platzierte die Institution an das berühmte Museumsufer, die malerische Uferpromenade Frankfurts am Main.
Die Geschichte des Museums ist geprägt von der Wandlung einer privaten Werksansammlung hin zu einer bedeutenden öffentlichen Institution. Die Stiftung gründete sich auf den expliziten Wunsch in Städels Testament, ein Institut zu schaffen, das der Verbreitung künstlerischen Wissens gewidmet ist. Dieses Streben nach Beständigkeit hat es der Sammlung ermöglicht, über ihren ursprünglichen Kern hinauszuwachsen und sich zu einem umfassenden Panorama der europäischen Kunst zu entwickeln, das sieben Jahrhunderte umspannt.
Das Gebäude und seine Architektur
Die architektonische Erzählung des Städel Museum wird durch einen tiefgreifenden Dialog zwischen seinem neorenaissancistischen Fundament aus dem Jahr 1878 und modernen baulichen Erweiterungen definiert. Das ursprüngliche Gebäude, das von Oskar Sommer entworfen wurde, schuf eine klassische Präsenz am Sachsenhäuser Ufer des Mains. Dieser historische Kern wurde in zwei bedeutenden Phasen erweitert: die erste durch Gustav Peichl im Jahr 1990 und die zweite durch das Architekturbüro Schneider+Schumacher im Jahr 2012.
Die Erweiterung von 2012, entworfen von Schneider+Schumacher, folgt einer bewussten räumlichen Logik. Der neue Flügel wurde entlang der zentralen Achse platziert, um die historische Raumordnung des Standorts wiederherzustellen. Diese Erweiterung befindet sich größtenteils unterirdisch, unter dem Garten des Museums. Die Struktur zeichnet sich durch eine sanft gewölbte Decke aus, die von schlanken Stahlbetonstützen getragen wird, und verfügt über 195 kreisförmige Oberlichter, die den darunter liegenden Ausstellungsräumen natürliches Licht spenden. Diese unterirdische Ebene ist der Kunstsammlung des 20. Jahrhunderts gewidmet. Die Dachterrasse wiederum bietet einen weiten Ausblick über die Skyline von Frankfurt.
Eine Sammlung, die sieben Jahrhunderte umspannt
Die Sammlung umfasst sieben Jahrhunderte europäischer Malerei und zieht eine Linie vom frühen 14. Jahrhundert bis in die Gegenwart. Diese enorme Bandbreite ermöglicht einen unmittelbaren Vergleich der sich wandelnden künstlerischen Prioritäten über die Epochen hinweg. Das Inventar umfasst 3.100 Gemälde und 660 Skulpturen, ergänzt durch ein bedeutendes fotografisches Archiv mit mehr als 4.600 Bildern.
Ein wesentlicher Teil der Tiefe dieser Institution findet sich in den grafischen Künsten. Das Museum bewahrt mehr als 100.000 Zeichnungen und Drucke auf, die ein detailliertes Zeugnis der technischen Evolution und des stilistischen Wandels ablegen. Diese Werke bieten einen feingliedrigen Einblick in die Methoden, die Künstler von der Renaissance bis in die Moderne anwandten.
Spezifische Beispiele innerhalb der Sammlung sind:
Jan van Eyck, Lucca Madonna, um 1437
Rembrandt van Rijn, Die Blinding des Samson, 1636
Claude Monet, Das Mittagessen, 1868
Franz Marc, Hund, der im Schnee liegt, um 1911
Meisterwerke der Sammlung
Die Sammlung beherbergt bedeutende Werke aus dem frühen fünfzehnten Jahrhundert, darunter Jan van Eycks Lucca Madonna aus dem Jahr 1437. Diese Epoche wird zudem durch Hieronymus Bosch’s Ecce Homo repräsentiert, das etwa um 1500 entstand. Diese Gemälde stehen in einem faszinierenden Dialog mit der detailreichen Porträtkunst der deutschen Renaissance, wie etwa Albrecht Dürer’s Porträt der Katharina Furlegerin mit offenem Haar aus dem Jahr 1497.
Das Goldene Zeitalter der Niederlande findet in Johannes Vermeer’s Der Geometer aus dem Jahr 1669 eine eindrucksvolle Entsprechung. Diese Ära umfasst zudem das dramatische Werk Die Blendung des Simson von Rembrandt van Rijn aus dem Jahr 1636. Diese Kunstwerke zeugen von der technischen Präzision und der Vielfalt der Sujets, die den Bestand des Museums aus dem siebzehnten Jahrhundert so charakteristisch machen.
Mit dem Übergang in das neunzehnte Jahrhundert präsentiert das Museum Claude Monets Das Mittagessen aus dem Jahr 1868. Dieses Werk markiert eine Zeit bedeutender stilistischer Umbrüche innerhalb der Sammlung. Die enorme Bandbreite der Bestände ermöglicht es dem Betrachter, einen direkten Vergleich zwischen diesen unterschiedlichen Epochen der europäischen Malerei zu ziehen.
Ausstellungen und Forschung
Das Museum pflegt einen Rhythmus aus regelmäßig wechselnden Sonderausstellungen, die darauf abzielen, spezifische Themen oder das Schaffen einzelner Künstler tiefgreifend zu beleuchten. Ein bemerkenswertes jüngstes Beispiel war die Ausstellung „Making Van Gogh“ in den Jahren 2019/2020, die 505.750 Besucher in ihren Bann zog. Solche Präsentationen ermöglichen eine fokussierte Auseinandersetzung mit der enormen Bandbreite der Sammlung, indem sie geschickt zwischen historischen Kontexten und zeitgenössischen Perspektiven pendeln.
Forschung und Barrierefreiheit werden zudem durch bedeutende digitale Initiativen maßgeblich vorangetrieben. Die Digitale Sammlung dient dabei als zentrale Forschungsplattform für den gesamten Bestand des Museums. Diese Ressource eröffnet sowohl Wissenschaftlern als auch der breiten Öffentlichkeit einen Zugang zur beeindruckenden Tiefe der Sammlung. Darüber hinaus steht eine Online-Ausstellungsplattform bereit, die es ermöglicht, die Kunstwerke des Museums einem weltweiten Publikum zugänglich zu machen.
