Künstler/in
Geboren in Haman-gun, Südkorea
Lee Ufan ist ein koreanischer minimalistischer Maler, Bildhauer sowie Akademiker, der von der japanischen Regierung für seine „Beiträge zur Entwicklung der zeitgenössischen Kunst in Japan“ geehrt wurde. Die Kunst dieses Künstlers, der seit langem in Japan ansässig ist, wurzelt in einer östlichen Wertschätzung der Natur der Materialien sowie in der modernen europäischen Phänomenologie. Der Ursprung der Mono-ha lässt sich in Lees Artikel „Sonzai to mu wo koete Sekine Nobuo ron“ (Jenseits von Sein und Nichts – eine Abhandlung über Sekine Nobuo) finden. Sobald dieser erste Impuls gesetzt war, formierte sich die Mono-ha durch die Mitwirkung der Studenten des Bildhauers Saito Yoshishige, der zu jener Zeit an der Tama Universität der Künste lehrte. Ein Beleg hierfür findet sich im Buch „Ba Sho Ji“ (Ort, Phase, Zeit) aus dem Frühjahr 1970. Lee, der Haupttheoretiker der Mono-ha-Tendenz („Schule der Dinge“) in Japan in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren, wurde als Philosoph ausgebildet. Als Maler trug Lee zur „koreanischen Monochrom-Kunst“ (Dansaekjo Yesool) bei, der ersten künstlerischen Bewegung des 20. Jahrhunderts in Korea, die in Japan gefördert wurde. Er vertritt eine Methodik der De-Westernisierung und De-Modernisierung sowohl in der Theorie als auch in der Praxis als Gegenmittel zum eurozentrischen Denken der japanischen Nachkriegsgesellschaft der 1960er Jahre. Lee teilt seine Zeit zwischen Kamakura, Japan, und Paris, Frankreich, auf.
Geboren 1936 in Haman-gun, Gyeongsangnam-do, wurde Lee Ufan von seinen Eltern und seinem konfuzianischen Großvater aufgezogen. Lee studierte die Malerei nur zwei Monate lang an der Fakultät für schöne Künste der Seoul National University und zog 1956 nach Yokohama, Japan, wo er 1961 einen Abschluss in Philosophie erlangte. Während seines Philosophiestudiums malte Ufan in einem zurückhaltenden, traditionellen japanischen Stil und vermied die expressive Abstraktion der zeitgenössischen japanischen Gutai-Bewegung. Nach seinem Universitätsabschluss in Japan im Jahr 1961 engagierte er sich leidenschaftlich für die Nord-Süd-Einigungsbewegung und gegen das Militärregime. Im Jahr 1964 wurde Lee von der koreanischen Zentralen Geheimdienstbehörde (KCIA) verhaftet und gefoltert.
Lee widmete seine frühen Berufsjahre den Karrieren als Kunstkritiker, Philosoph und Künstler. In Japan wurde er zu einem aktiven Teilnehmer der kulturkritischen Umwälzungen rund um die Anpo-Bewegung der 1960er Jahre. Er erlangte in den späten 1960er Jahren Berühmtheit als einer der Gründer und theoretischen Anführer der Avantgarde-Gruppe Mono-ha (Schule der Dinge). Die Mono-ha stand in Verbindung mit der Arte Povera-Bewegung der 196lebensjahren und war die erste zeitgenössische Kunstbewegung Japans, die internationale Anerkennung erlangte. Die Denkschule der Mono-ha lehnte westliche Vorstellungen von Repräsentation ab und entschied sich dafür, den Fokus auf die Beziehungen zwischen Materialien und Wahrnehmungen zu legen, anstatt auf Ausdruck oder Intervention. Das Ziel der Bewegung war es, die Welt als Ganzes anzunehmen und das fließende Nebeneinander zahlreicher Wesen, Konzepte und Erfahrungen zu fördern. Lee Ufans Position am Institut für Philosophie der Nihon University in Tokio verschaffte ihm eine herausragende Rolle als Sprecher der Bewegung. 1973 wurde er zum Professor an der Tama Art University in Tokio ernannt und blieb dort bis 2007. Yoshio Itagaki war einer seiner Studenten in den Jahren 1989–1991. Er ist emeritierter Professor an der Tama Art University.
Mitte der 1970er Jahre stellte Lee fünf koreanische Künstler Japan vor, die später als Dansaekjo-Whehwa (Monochrom-Malerei) Schule bekannt wurden; diese boten einen frischen Ansatz zur Abstraktion, indem sie repetitive gestische Spuren als körperliche Aufzeichnungen des ständigen Verfließens der Zeit präsentierten. In seinen frühen Malereiseries „From Point“ und „From Line“ (197maz 72–84) kombiniert Lee gemahlenes Mineralpigment mit tierischem Leim, was charakteristisch für die Nihonga-Malerei ist, in der er ausgebildet wurde. Jeder Pinselstrich wird langsam aufgetragen und besteht aus mehreren Schichten. Dort, wo der Pinsel zum ersten Mal die Leinwand berührt, ist die Farbe dick und bildet einen „Grat“, der allmählich heller wird. Selten berührt sein Pinsel die Oberfläche mehr als dreimal. Der Künstler bezeichnet dies als Yohaku oder die Kunst der Leere. In den „From Point“-Werken wandte er eine ähnliche Methode an, um eine verblassende Serie kleiner, diskreter, rechteckiger Pinselstriche zu erzeugen. 1991 begann Lee seine Serie der „Correspondence“-Gemälde, die nur aus ein oder zwei grau-blauen Pinselstrichen bestehen, hergestellt aus einer Mischung aus Öl und zerstoßenem Steinpigment, aufgetragen auf eine große weiße Fläche. Im Durchschnitt benötigt Lee etwa einen Monat, um ein Gemälde fertigzustellen, auf Leinwänden, die typischerweise etwa 60 mal 90 Zoll messen, obwohl sie in der Größe von wenigen Zentimetern bis zu 3 Metern pro Seite variieren können. Er vollendet nicht mehr als 25 Werke pro Jahr.
Lees Skulpturen, die verstreute Anordnungen von Steinen zusammen mit industriellen Materialien wie Stahlplatten, Gummiblächen und Glasscheiben präsentieren, gestalten das einzelne Objekt als ein Netzwerk von Beziehungen um, das auf der Gleichwertigkeit zwischen Betrachter, Material und Ort basiert. In seiner Skulpturenserie Relatum besteht jedes Werk aus einem oder mehreren hellen, runden Steinen und dunklen, rechteckigen Eisenplatten.
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Museum
Ausgestellt in Fukuoka, Japan
Ein Tor zur asiatischen Moderne: Das Fukuoka Asian Art Museum
Eingebettet in das pulsierende Herz von Hakata, in der Präfektur Fukuoka, präsentiert sich das Fukuoka Asian Art Museum als ein einzigartiges und tiefgründiges Portal in die dynamische Welt der modernen und zeitgenössischen Kunst des asiatischen Kontinents. Seit seiner Gründung im Jahr 1999 war diese Institution niemals nur als ein weiteres Depot für statische Schätze gedacht; vielmehr wurde sie als bewusste Brücke konzipiert, um einen lebenswichtigen Dialog zwischen vielfältigen Kulturen zu fördern, die oft durch gewaltige historische Erzählungen und geografische Distanzen voneinander getrennt sind. Fukuoka selbst dient seit langem als entscheidendes Tor, das historisch den Fluss von Handel und kulturellem Austausch zwischen Japan und dem asiatischen Festland erleichterte, und das Museum verkörpert dieses Erbe auf wunderschöne Weise. Es fungiert als zeitgenössischer Kanal für künstlerischen Ausdruck, dessen Atmosphäre von einer tiefen Offenheit durchdrungen ist – eine Einladung, die facettenreichen und sich ständig weiterentwickelnden Identitäten zu erkunden, die die reiche künstlerische Landschaft des Kontinents prägen.
Die Sammlung des Museums ist in ihrem Umfang und ihrem Ehrgeiz atemberaubend und umfasst über 3.000 Werke aus dreiundzwanzig verschiedenen Ländern. Dies ist keine kuratierte Auswahl, die sich ausschließlich auf etablierte Meister konzentriert; stattdessen setzt sich die Institution aktiv für aufstrebende Künstler ein und bietet ihnen eine internationale Plattform, um ihre einzigartigen Visionen zu präsentieren. Besucher können in eine bemerkenswerte Vielfalt an Medien eintauchen, von der unmittelbaren taktilen Präsenz der Malerei und Bildhauerei bis hin zu den immersiven, nachdenklichen Qualitäten großformatiger Installationen und der erzählerischen Tiefe der Videokunst. Man könnte sich von den Werken von
I Dewa Putta Mokoh
gefesselt fühlen, dessen barocker Volksstil meisterhaft hindu-javanesische Traditionen mit intimen, seelenvollen Darstellungen des balinesischen Lebens verbindet, oder auf die grenzüberschreitenden Techniken des birmanischen Künstlers
Saya U Saw Maung
treffen. Die Sammlung fängt genau jene Ängste, Hoffnungen und Innovationen ein, die die Region heute definieren, und bietet so ein lebendiges Spiegelbild eines sich entwickelnden Kontinents.
Während die architektonische Präsenz des Museums bewusst dezent gehalten ist, spielt seine Gestaltung eine entscheidende Rolle für das Besuchererlebnis. Das Gebäude ist darauf ausgelegt, die Kontemplation zu fördern, anstatt durch ein prunkvolles, ablenkendes Statement zu beeindrucken; es dient als unterstützendes Element, das der Kunst die Hauptrolle überlässt. Dieser subtile Ansatz fördert eine ungehinderte Verbindung zwischen dem Betrachter und dem Werk und ermöglicht eine tiefere Wertschätzung der Nuancen jedes einzelnen Stücks – eine Entscheidung, die Fukuokas Engagement für dezente Eleganz und die Priorisierung künstlerischer Wirkung gegenüber bloßer Zurschaustellung widerspiegelt. Es ist ein Raum, der für das stille Erleben geschaffen wurde, in dem die Architektur zurücktritt, damit die lebendigen Farben und komplexen Texturen der asiatischen Moderne atmen können.
Was das Fukuoka Asian Art Museum wahrhaft von seinen weltweiten Mitbewerbern unterscheidet, ist seine unerschütterliche Hingabe, Kunst
ausschließlich
aus Asien zu präsentieren. In einer Ära, in der viele Museen mit enzyklopädischen Sammlungen werben, die jeden Kontinent abdecken, ermöglicht dieser fokussierte Ansatz eine Tiefe des Engagements und der kritischen Analyse, die andernfalls unmöglich wäre. Die Existenz des Museums ist tief in der Mission verwurzelt, kulturelle Bande zu stärken und Barrieren durch die Kraft der gemeinsamen Kreativität abzubauen. Indem es als lebenswichtiges kulturelles Tor fungiert, lädt es Sammler, Designer und Kunstliebhaber gleichermaßen ein, in Erzählungen einzutauchen, die Resilienz und Innovation feiern, was es zu einem unverzichtbaren Ziel für jeden macht, der die transformative Kraft des asiatischen künstlerischen Ausdrucks verstehen möchte.
