Neun Diskurse über Commodus

Neun Diskurse über Commodus: Ein Abstieg in den römischen Exzess

Cy Twomblys „Neun Diskurse über Commodus“, gemalt im Jahr 1963, ist nicht bloß die Darstellung eines historischen Ereignisses; es ist ein tiefes Eintauchen in den psychologischen und politischen Aufruhr, der das spätrömische Reich erschütterte. Dieses monumentale Werk mit seinen beträchtlichen Maßen von 204 x 134 cm befindet sich im Guggenheim Museum Bilbao und bietet dem Betrachter eine viszerale Erfahrung, die weit über eine einfache Repräsentation hinausgeht. Der Ursprung des Gemäldes liegt in Twomblys Faszination für die Herrschaft des Kaisers Commodus Aurelius Antoninus, einer Figur, die für ihre Grausamkeit, ihre Verschwendungssucht und letztlich für ihre Ermordung berüchtigt war. Anstatt eine geradlinige Erzählung zu präsentieren, erschafft Twombly eine Atmosphäre – eine erstickende Mischung aus Angst, Gewalt und drohendem Untergang – unter Verwendung einer bewusst fragmentierten und beunruhigenden visuellen Sprache. Die Basis der Komposition bildet ein blasses graues Feld, das als neutrale Kulisse dient, vor der wirbelnde Pigmentmassen in Schattierungen von Karminrot, Ocker und Schwarz explodieren. Dies sind keine sorgfältig vermischten Farben; sie wurden mit einer rohen, fast gewalttätigen Energie aufgetragen, die ein Gefühl von chaotischer Bewegung und Instabilität erzeugt. Die Technik selbst ist dabei entscheidend: Twombly nutzte einen Schichtungsprozess, bei dem die Farbe in dicken Impasto-Strichen aufgetragen wurde, unterbrochen von Kritzeleien, Strichen und sogar dem, was wie bewusste „Fehler“ wirkt. Diese Physis – das greifbare Zeugnis seiner Handarbeit – verleiht dem Werk eine zusätzliche Ebene der Intensität und lädt den Betrachter ein, den Akt des Schöpfens gemeinsam mit der Materie zu konfrontieren. Der historische Kontext des Gemäldes ist untrennbar mit den tieferliegenden Ängsten der Mitte der 1960er Jahre verbunden – einer Ära, die vom Kalten Krieg, der Kubakrise und der Ermordung von John F. Kennedy geprägt war. Twombly, tief beeinflusst von Charles Olsons Konzept der „Projective Involvement“, suchte nach Wegen, Werke zu schaffen, die sich aktiv mit der zeitgenössischen Erfahrung auseinandersetzen und den Aufruhr seiner Zeit in eine visuelle Form übersetzen.

Die Sprache des Kritzelns: Stil und Technik

Twomblys unverwechselbarer Stil ist sofort wiederzuerkennen – eine gewaltige Mischung aus kalligraphischer Geste und Abstraktem Expressionismus. Er lehnte traditionelle repräsentative Techniken bewusst ab und entschied sich stattdessen für ein System aus „Gekritzel“, Markierungen und Symbolen, die auf einer zutiefst persönlichen Ebene operieren. Dies sind keine zufälligen Gesten; sie sind akribisch kontrolliert, fast architektonisch in ihrer Anordnung. Die wiederkehrenden Zahlensequenzen – die oft als Cluster von Ziffern erscheinen – sind nicht bloß dekorative Elemente, sondern strukturelle Bestandteile der Komposition, die das Auge des Betrachters durch das wirbelnde Chaos führen. Der Einfluss von Paul Klee zeigt sich in Twomblys Verwendung vereinfachter Formen und geometrischer Muster, während die gestische Intensität von Franz Kline einen Gegenpol zu den kontrollierteren Kritzeleien bildet. Dennoch transzendiert Twombly diese Einflüsse und schmiedet seine eigene, einzigartige visuelle Vokabel – eine, die durch eine rohe Emotionalität und ein beunruhigendes Gefühl der Unruhe gekennzeichnet ist. Die Schichtung der Farbe, die durch mehrfaches Auftragen und Abkratzen erreicht wird, erzeugt eine komplexe Oberflächentextur, die sowohl visuell fesselnd als auch physisch ansprechend ist. Die bewussten Unvollkommenheiten – das Tropfen, die Verschmierungen und der ungleichmäßige Auftrag – sind keine Fehler, sondern integraler Bestandteil der Ausdruckskraft des Gemäldes, die die Instabilität und Gewalt in seinem Kern widerspiegeln.

Symbolik und historische Anspielung

„Neun Diskurse über Commodus“ ist keine wörtliche Darstellung der Ereignisse um die Herrschaft des Commodus; es ist eine allegorische Untersuchung von Themen wie Tyrannei, Exzess und Verfall. Der Titel selbst bezieht sich auf neun verschiedene „Diskurse“ oder Argumente, die unterschiedliche Facetten des Charakters des Commodus und seines Untergangs erforschen. Die wirbelnden Farbmassen können als Repräsentation des Chaos und der Instabilität seiner Herrschaft interpretiert werden, während die karminroten Töne Blut und Gewalt heraufbeschwören. Die Zahlenfolgen, die oft auf architektonische Gitter und geometrische Muster anspielen, suggerieren ein Gefühl von Ordnung, das dem Chaos aufgezwungen wird – ein vergeblicher Versuch, eine unkontrollierbare Situation zu kontrollieren. Darüber hinaus zieht das Gemälde Parallelen zwischen den Ausschweifungen des Commodus und den Ängsten der 1960er Jahre – einer Zeit, die von politischer Instabilität, sozialen Unruhen und der Bedrohung durch einen Atomkrieg geprägt war. Die Figur des Commodus selbst verkörpert die Gefahren unkontrollierter Macht und die zerstörerischen Folgen des moralischen Verfalls. Es ist wichtig zu beachten, dass Twombly in seinem Werk häufig auf die klassische Mythologie und Literatur zurückgriff und seinen Gemälden so Schichten historischer Anspielungen und symbolischer Bedeutung verlieh.

Emotionale Resonanz und Vermächtnis

Trotz seiner verstörenden Thematik besitzt „Neun Diskurse über Commodus“ eine tiefe emotionale Resonanz. Die rohe Energie und die viszerale Intensität des Gemäldes rufen ein Gefühl von Unbehagen und Angst hervor – ein Spiegelbild der turbulenten Zeiten, in denen es entstand. Es ist kein komfortables oder leicht verdauliches Werk; es fordert die Auseinandersetzung und drängt den Betrachter dazu, sich mit den unbequemen Wahrheiten über die menschliche Natur und die Zerbrechlichkeit der Zivilisation auseinanderzusetzen. Ursprünglich mit kritischem Spott aufgenommen – vor allem aufgrund seines unkonventionellen Stils und der wahrgenommenen Distanz zu den vorherrschenden Trends der Pop Art und des Minimalismus – wurde „Neun Diskurse über Commodus“ seitdem als ein Schlüsselwerk in der Geschichte der Nachkriegsmalerei anerkannt. Es steht als Zeugnis für Twomblys einzigartige Vision und seine Bereitschaft, konventionelle künstlerische Normen infrage zu stellen. Heute wird es für seine Ausdruckskraft, seine komplexe Symbolik und seine dauerhafte Relevanz gefeiert – eine eindringliche Mahnung an die Gefahren des Exzesses und die zyklische Natur der Geschichte. Reproduktionen erfassen nur einen Bruchteil der Tiefe des Gemäldes; es persönlich im Guggenheim Bilbao zu erleben, ist eine wesentliche Begegnung mit einem der rätselhaftesten Künstler des 20. Jahrhunderts.