Umělec
Narozen v Long Beach, Spojené státy americké
Jennifer Losch Bartlett byla významnou americkou umělkyní, jejíž tvorba představuje fascinující spojení systémové estetiky konceptuálního umění a malířského přístupu neoexpresionismu. Mnoho jejích děl je realizováno na malých, čtvercových ocelových destičkách s povrchovou úpravou smaltem, které jsou následně skládány do mřížkových formací, čímž vznikají monumentální díla。
Bartlettová se narodila v roce 1941 jako Jennifer Losch v Long Beach v Kalifornii, jako jedno ze čtyř dětí. Její otec podnikal ve stavebnictví a matka byla módní ilustratorkou, která se později věnovala výchově dětí. Vyrostla na předměstí Long Beach tak blízko u oceánu, že si v sobě vyvinula hluboký vztah k vodě, který se stal jedním z klíčových motivů její pozdější tvorby. Po studiu na Mills College v Oaklandu, kde získala bakalářský titul v roce 1963, se přestěhovala do New Haven, aby studovala na Yale School of Art and Architecture v době, kdy dominoval minimalismus. Pod vedením mistrů jako Josef Albers, Jack Tworkov, Jim Dine a Richard Serra získala v roce 1965 titul magister výtvarného umění.
Zkušenost ze studia na Yale Bartlettová popisuje jako svůj nejširší vliv: „Vstoupila jsem do vlastního života“. V rozhovoru z roku 2005 se sochařkou Elizabeth Murrayovou, přítelkyní z dob studia, uvedla seznam věcí, které ji jako studentku prvního ročníku zaměstnávaly:
Mezi její rané vlivy patřil malíř Arshile Gorky, jehož kresbu obdivovala, Piet Mondrian pro pocit klidu v jeho díle, a Sol LeWitt pro jeho konceptuální systématičnost.
Po svatbě s studentem medicíny Edem Bartlettou v roce 1964 se pohybovala mezi čtvrtí Soho v New Yorku a New Haven, kde vyučovala na University of Connecticut. Po rozvodu v roce 1972 se definitivně usadila v New Yorku a začala působit jako lektorka v School of Visual Arts. V roce 1983 se svatila s německým hercem Mathieu Carrière, se kterým měla dceru Alice; jejich manželství skončilo na začátku devadesátých let.
Bartlettová je nejvíce známá svými malíbami a grafikami, ve kterých jsou známé motivy – od domů a zahrad až po oceány a nebe – zpracovány stylem kombinujícím prvky figurativního i abstraktního umění; sama uvedla, že odmítá rozlišovat mezi figurativním a abstraktním projevem. Často pracuje v sériích nebo vytváří polyptychy a často navazuje pravidla, která řídí variace v rámci určité skupiny děl. Tím nás nutí soustředit se na „vnímání, na proces, na efekt měnící se perspektivy – a na ty skoky, které se dějí v naším vědomí bez ohledu na to, jak racionální se sami považujeme“. V pozdních 60. letech, pod vlivem tvorby Johna Cageho, začala do svých děl vnášet i prvky náhody.
Její realistické práce upřednostňují všední motivy, jako jsou prosté domy. Její instalace často zahrnují jak více pláten, tak trojrozměrné objekty. Dílo House with open door z roku 1988, které je součástí sbírky Honolulu Museum of Art, se skládá z diptychu olejomalby na plátno a identické dřevěné konstrukce domu. Mezi veřejné sbírky, které uchovávají díla Jennifer Bartlettové, patří například Dallas Museum of Art, Los Angeles County Museum of Art, Metropolitan Museum of Art v New Yorku, Tate Modern či Whitney Museum of American Art.
Většina kritiků vnímá její tvorbu jako vynalézavou, energickou a ambiciózní, přičemž byla označena za jednu ze dvou nejlepších malířek generace postminimalismu. Jeden z autorů poznamenal, že centrálním paradoxem její práce je fakt, že Bartlettová vzala kontrolovanou, racionalistickou mřížku, kterou preferovali konceptuální umělci, a využila ji k uvolnění evokativního proudu obrazů, který má mnoho společného s neoexpresionismem 80. let i s impresionismem. Někteří kritici však její dílo považují za povrchní nebo příliš eklektické. Její retrospektivy se konaly například v Brooklynském muzeu (1985), MoMA v New Yorku (2011) či Parrish Art Museum (2ること 2014).
V rané fázi tvorby Bartlettová vytvářela trojrozměrná díla, která podrobovala extrémním podmínkám, jako bylo mražení nebo drcení. Také si uvědomila, že potřebuje podklad, který by byl smazatelný, ale měl mřížku podobnou milované grafickému papíru. Tak vznikl jeden z jejích podpisových materiálů: čtvercových ocelových destiček s bílou smaltovanou plochou, na nichž byla pomocí serigrafie vytisknuta mřížka o velikosti čtvrtí palce. Tyto destičky nechávala vyrábět ve velkém množství a později experimentovala i s jinými rozměry.
S svým prvním významným dílem, Rhapsody, Bartlettová znovu definovala formu nástěnného malířství pro konceptuální umění. Rhapsody je malba realizovaná na 987 ocelových destičkách pokrytých smaltem, uspořádaných do mřížky vysoké 7 destiček a široké přibližně 142, která se rozprostírá přes několik stěn. Obsah tvoří variace na to, co Bartlettová považovala za základní prvky umění: čtyři univerzální motivy (dům, strom, oceán, hora), geometrické tvary (čára, kruh, trojúhelník, čtverec) a barva (25 odstínů). Sedm sekcí nese názvy „úvod“, „hora“, „čára“, „dům“, „strom“, „tvar“ a „oceán“.
více...
Muzeum
Vystaveno v Londýn, Spojené království
A Journey Through British Artistic Legacy at Tate Britain
Tate Britain stands as a monumental testament to the enduring spirit of British art, nestled along the tranquil banks of the River Thames in London—a location itself steeped in centuries of creative endeavor. Founded in 1897 by Roland Cockerell and Kenneth Clark, its initial mission was ambitious: to champion the breadth and depth of British painting and sculpture from the medieval period through to the present day, fostering a vital dialogue between artistic movements past and those burgeoning today. More than simply a repository for masterpieces, Tate Britain is an immersive experience meticulously designed to ignite curiosity, spark contemplation, and ultimately deepen appreciation for the rich tapestry of artistic expression woven within the nation’s cultural landscape. The building itself, completed in 1978, is a breathtaking embodiment of Edwardian elegance—a harmonious blend of classical proportions and modern sensibilities. Its soaring atrium, bathed in an abundance of natural light, creates an atmosphere perfectly suited to quiet reflection and the pursuit of artistic understanding. The striking terracotta façade, echoing the principles of Arts and Crafts design, serves as a proud declaration of Britain’s profound artistic heritage. It's a space where history breathes alongside innovation, inviting visitors on a continuous exploration of British creativity.
A Storied Collection: Echoes Through Time
The heart of Tate Britain lies within its remarkably comprehensive collection, encompassing over 500 years of British art—a chronological odyssey through innovation, rebellion, and unwavering beauty. Visitors embark on a captivating journey, beginning with the solemn grandeur of medieval illuminated manuscripts, their intricate details whispering tales from the Gospels. These early works demonstrate a mastery of craftsmanship and symbolism, offering glimpses into religious life and artistic techniques that have endured for centuries. The gallery then ascends to monumental sculptures by Henry Moore and Barbara Hepworth, reflecting the dynamism of mid-20th century British art – figures that seem to capture both strength and vulnerability, embodying the spirit of a nation grappling with change. The collection’s breadth is truly staggering: you'll encounter the dramatic landscapes of J.M.W. Turner, whose masterful use of light and color continues to mesmerize viewers; his ability to capture fleeting moments and evoke powerful emotions remains unparalleled. Alongside Turner, one finds the poignant portraits of Sir Thomas Lawrence, capturing the elegance of Georgian society with meticulous detail and a keen understanding of social dynamics. And then there’s William Hogarth, offering a sharp critique of 18th-century life through his satirical paintings – works brimming with wit and social commentary. Notable highlights include John William Waterhouse’s “The Lady of Shalott,” a hauntingly beautiful depiction of Arthurian legend—a work rich in symbolism, representing feminine beauty, isolation, and the tragic consequences of defying societal expectations; and Eva Rothschild's "Boys and Sculpture," an arresting exploration of masculinity and artistic creation through its textured surface, inviting tactile engagement and profound reflection. The gallery’s commitment to showcasing both established masters and emerging talents ensures that Tate Britain remains a vibrant hub for contemporary art discourse.
Architectural Grandeur: A Space for Inspiration
Beyond the artwork itself, the building of Tate Britain is an integral part of the visitor experience. Designed by Sir Hugh Casson and constructed in 1978, it’s a remarkable example of Edwardian architecture—a harmonious blend of classical influences and modern design principles. The soaring atrium, flooded with natural light, immediately establishes a sense of spaciousness and tranquility, creating an ideal environment for contemplation and artistic discovery. The terracotta façade, reminiscent of the Arts and Crafts movement, pays homage to Britain’s rich artistic past. A key feature is the Clore Gallery (1987), designed by James Stirling, which houses a significant collection of Turner works and serves as a striking example of Postmodern architecture—a deliberate juxtaposition of materials and styles that adds an element of surprise and delight. The gallery also incorporates a spiral staircase beneath its rotunda, offering stunning views of the Thames River and creating a unique spatial experience. The building’s thoughtful design has been carefully preserved throughout renovations, ensuring that it continues to inspire visitors for generations to come. It's more than just a museum; it’s a work of art in itself, designed to complement and enhance the artistic treasures within.
Recent Exhibitions: Catalysts for Dialogue
Tate Britain consistently attracts audiences with its thoughtfully curated exhibitions, cementing its reputation as a catalyst for critical engagement with art. Recent years have witnessed captivating displays such as “David Hockney: Arrival,” which showcased the prolific artist’s groundbreaking use of iPad technology to capture landscapes and portraits—demonstrating how artistic mediums adapt to technological advancements while retaining their expressive power. “Nigerian Modernism” offered a compelling exploration of the vibrant artistic movement that emerged in Nigeria during the mid-20th century, highlighting the contributions of artists who challenged colonial narratives and embraced experimentation. More recently, exhibitions have delved into the works of Claude Monet, capturing his Impressionistic fascination with fleeting moments and atmospheric effects, exemplified by “The London Harbour,” a delicate study of light reflecting off the Thames. These exhibitions underscore Tate Britain’s commitment to showcasing both established masters and contemporary artists, fostering dialogue and expanding our understanding of British art history. The gallery actively seeks to connect these works with current conversations, ensuring that visitors leave not just informed but inspired.
Beyond the Walls: A Legacy of Connection
Tate Britain distinguishes itself not only through its collection but also through its dedication to fostering connections between artists and audiences. Interactive displays encourage visitors to delve deeper into artworks’ histories and contexts—promoting a nuanced understanding of artistic influences and cultural significance. The gallery's riverside setting provides an unparalleled opportunity for contemplation amidst the beauty of London’s urban environment, solidifying its position as a cornerstone of British art appreciation. Furthermore, Tate Britain actively engages with the wider community through educational programs, public lectures, and artist talks, ensuring that the legacy of British art continues to inspire and enrich lives. The gallery's commitment to accessibility is evident in its free admission policy and its efforts to create a welcoming environment for all visitors. It’s a place where art isn’t confined to walls but becomes an integral part of London’s cultural fabric, inviting everyone to participate in the ongoing conversation about creativity and beauty.
